音樂理論/無調性
無調性音樂是一個概括性術語，用於定義似乎缺乏明確的調性中心的音樂。西方古典音樂傳統中的幾乎所有音樂都被認為是“調性的”：也就是說，它的和聲結構主要以三和絃為主，並圍繞著一個突出的調性中心進行等級組織。無調性音樂作品傾向於否認或擴充套件這種概念，透過使用替代的結構策略（通常 - 但不一定是 - 數學，最著名的就是序列主義）。因此，許多習慣於傳統調性的聽眾起初可能會發現無調性音樂非常具有挑戰性，尤其是因為缺乏調性層次意味著高度不和諧的和絃更為常見（事實上，該風格的早期實踐者經常故意使用這些和絃以避免任何暗示的調性參考）。也就是說，其他人則認為無調性僅僅是另一種音樂語言，像所有其他語言（包括傳統調性）一樣，只有沉浸其中才能學習或欣賞。
作曲家阿諾德·勳伯格通常被認為是第一個完全擁抱“無調性”的作曲家，儘管許多其他作曲家（例如巴托克和斯克里亞賓）在一段時間內一直在朝著這個方向發展。1925年，在對自由無調性進行實驗之後，他創作了他的《鋼琴組曲》，這是第一首使用十二音技法創作的音樂作品。他的學生，阿爾班·貝格和安東·韋伯恩，在創作了許多十二音作品方面緊隨其後；該方法在20世紀50年代被推廣到其他引數，例如節奏和音量，由此產生的系統被稱為全序列主義。
所有這些過去一個世紀的影響意味著現在很難在無調性音樂和調性音樂之間劃清界線：例如，菲利普·格拉斯的音樂有一個明確的調性中心（通常被認為是調性的），但它不以傳統的方式使用和聲（作為賦予音樂方向的一種方式），而是使用重複來創造一種更靜態的東西；類似地，阿爾弗雷德·施尼特克或約翰·亞當斯等作曲家的音樂自由而無條理地結合了調性和無調性音樂的元素；這種方法可以追溯到貝格的1936年的小提琴協奏曲，儘管它使用了十二音技法，但在許多地方聽起來幾乎是調性的]]。