Lentis/電子音樂流行

電子音樂的發展使聲音的保真度和多樣性/範圍更大，從而創造出從 1950 年到 1970 年更具質感和複雜的流行音樂，至今仍在流行。

技術

生產技術

超級放大器 (1947)

Fender Super Amp 於 1947 年問世，以其過載能力和作為第一個“雙揚聲器放大器”而聞名。過載是透過增加訊號增益直到聲音變得模糊或失真來完成的。Fender Super Amp 持續生產到 1963 年，期間電路有所改變。

Fender 6 弦電吉他 (1951)

電吉他是在 50 年代之前開發的，因為吉他需要更大聲才能與其他樂器競爭，併為更大的觀眾演出。 60 年代和 70 年代廣泛使用的實心電吉他完全由電子放大，不像聲學吉他那樣從琴體產生額外的音色。 Gibson 吉他和 Fender 在 1940 年代後期和 1950 年代初期推出了第一批現代外觀的實心吉他。 Fender 在 1954 年推出的 Stratocaster 在接下來的幾十年裡變得非常流行，並且已被用於各種音樂流派。 Fender Stratocaster 今天仍在生產。 “Strat” 允許透過三個獨立的拾音器獲得更廣泛的音色，並在吉他琴頸上添加了更靠近琴頭的凹槽，這兩種設計都被像 Chuck Berry 這樣的表演者以及像 Buddy Holly 這樣更喜歡讓音樂自發說話的人所採用，這把吉他已成為每位搖滾音樂家的必備工具，並使電吉他手成為樂隊模式中不可或缺的一部分。

電子 - 瑟敏 (1950 年代後期)

電子瑟敏是由 Paul Tanner 開發的，他希望對傳統瑟敏產生的聲音有更多控制。 'tannerin' 使用滑塊和旋鈕來控制音調和音量。 Tanner 的瑟敏最顯著地出現在海灘男孩的熱門歌曲 “Good Vibrations” 中，儘管它也出現在 “I Just Wasn’t Made for These Times” 和 “Wild Honey” 中。 電子瑟敏產生的聲音與傳統瑟敏相似，同時為音樂家提供了更多觸覺控制來控制樂器的音調和頻率。

Gibson 帶彈簧混響的放大器 (1961)

這款放大器也稱為 Gibson GA-79RVT，是首批專為電吉他設計的立體聲放大器之一。 該放大器可以容納兩名吉他手分別演奏單聲道，也可以一名吉他手演奏立體聲。 放大器的結構和所選元件使其具有獨特的混響效果，產生了該放大器特有的音色。

Moog 合成器 (1964)

由 Robert Moog 開發的 Moog 合成器最初只用於大學的先鋒製作中，以探索可以用電子方式製作哪些聲音，而很少有人意識到這些聲音會有多令人愉悅或流行。 到 1968 年，Moog 已被當時一些最受歡迎的藝術家（披頭士、海灘男孩、弗蘭克·扎帕、大門樂隊、鳥人樂隊和史蒂夫·旺德）融入流行音樂中。 Moog 合成器在促進電子音樂流派的發展方面發揮了重要作用，並且由於其模組化性質以及為藝術家在創作腦海中的精確音色方面提供的無與倫比的控制能力，它可以說是模擬合成器的行業標準。

錄音技術

多軌錄音 (1951)

多軌錄音由 Les Paul 和 Mary Ford 在 1951 年透過他們的歌曲 “How High the moon” 推廣。 這首歌不僅引入了多軌錄音，還展現了其對單軌錄音的優勢。 這種錄音技術如此先進，以至於披頭士和海灘男孩都使用它來製作 1960 年代最優秀的製作音色。 披頭士在 1960 年代停止巡演，因為他們意識到他們的現場音色無法與多軌音色相提並論。 多軌錄音讓音樂家能夠疊加，同時錄製兩條音軌，在不同時間錄製不同的部分，並分別處理每條音軌。 這種技術讓音樂家能夠創造出不受樂器限制的聲音。

杜比降噪系統 (1965)

杜比 A 在 1965 年推出，並在多軌錄音中得到廣泛應用。 它使用濾波器將聲音分為四個頻率段，噪音區域經過更多處理。 杜比 B 於 1968 年推出，用於磁帶錄音機（非專業使用），不像杜比 A 那樣將聲音分為多個頻段。 杜比 B 在抑制噪音方面不如杜比 A 有效，但它更容易實施且成本更低。

參與者

電子音樂作曲家和早期採用者

以下參與者為電子樂器和技術在流行音樂中的應用鋪平了道路。

法國

皮埃爾·謝弗在 40 年代初期發展了“具體音樂”，它使用錄音的聲音來創作音樂。他使用音高轉換和磁帶拼接來製作他的作品。

德國

電子音樂是在德國發展起來的，不同於具體音樂，它是完全由電子訊號製作的音樂。

日本

在 20 世紀 50 年代，索尼公司聘請作曲家創作作品來展示他們的錄音機。 一些作曲家使用皮埃爾·謝弗的技術，但許多人嘗試了其他電子音樂創作。十二音技法很流行，它涉及在任何音調重複之前，在西方音階中使用所有 12 個音調一次。

美國

約翰·凱奇是一位極具影響力的電子音樂作曲家，他在 40 年代後期和 50 年代初創作了許多重要的作品。格什溫·金斯利和溫蒂·卡洛斯是最早使用穆格合成器創作完全電子音樂的人。金斯利的專輯名為“Music to Moog By”，卡洛斯的專輯“Switched on Bach”使用穆格合成器作為主要樂器，展示了它在音樂製作中的多功能性。卡洛斯的專輯於 1968 年 10 月在紐約音訊工程學會首映，獲得了熱烈掌聲。

美國 20 世紀 50 年代末期的一些值得注意的發展包括 MUSIC I 和 Clavivox 合成器。MUSIC I 是貝爾實驗室的馬克斯·馬修斯完成的，它是一個演奏音樂的計算機程式。Clavivox 是由作曲家雷蒙德·斯科特建立的。它使用羅伯特·穆格製造的電路，以及斯科特新增的其他效果。他將其用於他的卡通音樂作品。

樂隊和普及

電子裝置在發明後不久就被融入流行音樂中，披頭士、海灘男孩、弗蘭克·扎帕、大門樂隊、小鳥樂隊和史蒂夫·旺德都在 20 世紀 60 年代後期使用穆格合成器進行製作。這種結合的成功可以從海灘男孩的歌曲“Good Vibrations”中看到。 "Good Vibrations." 使用電子特雷門琴和混響創造出一種清晰可辨的“海灘音樂”聲音，這不僅使這首歌成為瞬間的成功，而且經受住了時間的考驗。海灘男孩於 1994 年因這首歌被列入 格萊美名人堂，這首歌也被滾石雜誌評為“500 首最偉大歌曲”榜單的第 6 名。 "500 首最偉大歌曲"。

起初，在音樂中經濟地使用電子裝置是必要的。德國電子樂隊 Kraftwerk 的出現表明，電子裝置的獨佔使用會導致平淡的接受，這一點可以從他們早期在 1970 年的 索斯特音樂會 中看到。最初，場地很重要，在舞廳和俱樂部更容易接受嚴格的電子音樂作為背景音樂，而不是在音樂會上觀看；這一點可以從使用穆格合成器製作的 格什溫·金斯利歌曲“Popcorn”的接受情況 中看到。

案例研究：音樂從 50 年代到 70 年代是如何改變的

從 1950 年到 1953 年，美國的排行榜上充斥著流暢爵士、輕鬆聆聽和爵士音樂。音樂的整體感覺更像是休息室風格。完整的管絃樂隊和強勁的聲音主導著音樂排行榜。流行藝術家包括內特·金和吉米·博伊德。這種音樂聽起來像是為現場晚餐觀眾或小型劇院準備的。隨著磁帶錄音的普及，摩城音樂登上了舞臺。1954 年，多聲部合唱歌曲“Mister Sandman”登上了排行榜。爵士樂和休息室音樂依然強大，但更加歡快的音樂也開始出現。1955 年，“Tutti Frutti”登上了排行榜，同年，搖滾樂開始興起。1950 年生產的芬達六絃吉他，在五年後的 1955 年隨著查克·貝里的音樂而變得流行。1956 年，貓王憑藉“Jailhouse Rock”等標誌性歌曲開始主導排行榜。1957 年，查克·貝里的“Jonny B Good”登上排行榜榜首，搖滾樂在音樂界確立了其不僅僅是“電子噪音”的地位。1947 年，隨著超級放大器的發明，以及與電吉他的結合，搖滾樂音樂家開始在巨大的現場觀眾面前表演。

在 20 世紀 60 年代中期，英國入侵發生了。滾石樂隊憑藉“Satisfaction”登上排行榜榜首，披頭士樂隊憑藉“Help”和“A Hard Days Night”等熱門歌曲橫空出世。這些樂隊都賣光了體育場門票。他們在全國各地的現場演出場地演出。在此期間，披頭士樂隊開始使用技術來簡化錄音工作。他們開始使用雙軌錄音來加快錄音時間，並使用配音。他們第一次使用疊音來幫助錄製哈里森在“Help”中複雜的吉他旋律。

音樂的下一個重大轉變來自海灘男孩的“Pet Sounds”和披頭士樂隊的“Sargent Peppers Lonely Club Band”這兩張專輯。這些專輯充分利用了製作價值。歌曲的製作質量如此之好，以至於披頭士樂隊停止了巡演。他們認為，與錄音效果相比，他們的現場表演聽起來很糟糕。歌曲“Yellow Submarine”和“Lucy in the Sky With Diamonds”是高質量製作的絕佳例子。海灘男孩在他們的音樂中使用“溼混響”或“彈簧混響”來模擬和傳達海洋的感覺。如果你聽“Pet Sounds”，彈簧混響的衝擊感就會很突出。吉布森於 1961 年將彈簧混響新增到他們的放大器中。彈簧混響對於創造衝浪音樂型別至關重要。在未來的專輯中，披頭士和海灘男孩都開始使用穆格合成器，該合成器也是 1961 年發明的。

技術的進步改變了音樂的面貌。多軌錄音和磁帶錄音使音樂更加歡快，也使樂團規模更小。隨著電吉他和超級放大器的使用，搖滾樂的現場演出場所規模越來越大。隨著疊音、穆格合成器和不同混響的流行，藝術家們從現場表演轉向提高製作質量。

結論

從 1950 年到 1970 年的音樂變化受到與音樂製作相關的技術變化的影響。藝術家們獲得了更多表達自我的自由，並且可以以更微妙的方式做到這一點。這導致了新的音樂型別的出現，比如 Kraftwerk，以及對音樂製作方面的更多關注，比如披頭士樂隊；專輯的製作是為了聆聽，而不僅僅是現場表演。這種技術進步賦予藝術家更多控制權，從而創造出令人興奮的事物，這種模式也可以在音樂之外看到。

許多行業已經向人們開放，以前由於進入門檻的限制而被排除在外。有了 Adobe Photoshop 和 After Effects，任何人都可以成為一名專業攝影師或導演。有了 YouTube 和 Twitch，任何人都可以成為自己的廣播公司。Facebook、Twitter 和 Instagram 讓人們可以成為自己的廣告公司。Souncloud、Kindle、Depop、Unity 和 AppStore 使成為音樂家、小說家、時裝設計師或遊戲設計師成為現實，只要有網際網路連線，每個人都可以做到。技術的進步簡化了自我品牌推廣，因此這些創意領域的創新更多。

這就是當今進步與半個世紀前進步之間的聯絡，為了提高創新，需要增加可訪問性。技術創造者可能會低估其影響。就像穆格合成器一樣，AppStore 的創造者並沒有預料到它會變得如此普及。此外，技術本身只有在得到有效利用的情況下才能發揮作用，這一點在創造新技術時必須牢記。