Lentis/音樂製作能力的普及

簡介

數字技術和計算機徹底改變了世界，音樂製作也不例外。在過去三十年中，音樂製作裝置的爆炸式增長改變了音樂產業的面貌。本章討論了在過去 60 年中，誰能夠創作和製作音樂的權力是如何從大型錄音棚轉移到普通個人的。它還將探討社會如何因音樂產業中不斷變化的技術而改變了對才華的看法。

早期歷史

2008 年 10 月，萊斯·保羅在紐約市艾瑞迪姆爵士俱樂部現場演出

萊斯·保羅

自 1950 年以來，萊斯·保羅 的影響力永遠改變了音樂的錄製和製作方式 。作為首批認識到 多軌錄音 作為音樂創作工具的潛力的人之一，保羅為音樂產業打開了無限的可能性。保羅製作了 "Lover"，這是他第一首使用 醋酸鹽唱片 進行多軌錄音的單曲，誕生於 1948 年。這首歌由 8 首獨立的曲目組成，這些曲目依次“疊加”在一起。這些曲目只能一次錄製一首，這意味著如果保羅犯了錯誤，整個唱片將會被廢棄，因為你無法擦除醋酸鹽唱片上的內容。藝術家在錄製時必須完美無缺，因為任何軌道上的錯誤都無法更改或擦除。

磁帶錄音

隨著 "磁帶" 由 "傑克·穆林" 和 "賓·克羅斯比" 在 1947 年引入音樂產業，藝術家在錄製音軌時現在有了更大的靈活性 。音軌仍然像醋酸鹽唱片那樣物理地疊加錄製，因此如果藝術家在該部分音軌上出錯，該部分將丟失，但藝術家可以從不同的錄製中剪下和貼上不同的磁帶以製作最終產品。藝術家仍然需要完美地錄製每條音軌，但他們不再需要一次完成所有錄製。

數字音樂

數字編輯和錄音裝置

音樂製作中最關鍵的變化之一來自 1970 年代後期電子裝置和計算機的改進，這使得 數字音訊工作站 和數字編輯軟體的誕生成為可能。這一代新音訊裝置不僅能夠錄製和混音音訊，還能夠在錄音中新增合成聲音，而無需使用磁帶。數字音訊工作站首次出現在 1980 年代初期，當時出現了 Synclavier，這是一種定製工作站，被包括 史蒂夫·汪達、保羅·西蒙 和 邁克爾·傑克遜 在內的許多有影響力的藝術家使用。它的實用性立即得到認可，因為它能夠建立明亮清晰的樣本併合成聲音 。這種裝置價格昂貴，直到 1985 年 Ensoniq Mirage 的出現，這種工作站技術才對任何音樂家開放。

Synclavier 1

計算機的引入

與此同時，數字編輯軟體的開發始於更新、更快的臺式計算機的普及。諸如 Replay Professional 之類的程式，在 1988 年推出，與 Atari ST 系統相容，允許個人進行聲音取樣和編輯。隨著計算機的改進，數字編輯軟體的功能和可用性也得到了提升。現代數字軟體，如 Pro Tools、Steinberg 的 Cubase 和 Garageband，能夠錄製、編輯、混音、淡入淡出、修復錯誤並實現可以為現有音訊檔案新增效果的濾鏡。此外，許多軟體能夠提供僅在數字領域中才可能實現的合成聲音和效果。一些藝術家認為這種完美並不是進步，而是一種負擔。 傑克·懷特 在 白條樂隊 中，將 Pro Tools 描述為“非常不適合錄製音樂……太容易糾正錯誤，太容易修復東西了。我們聽到的是一種應用於所有音軌的乾淨完美”。 。

獨立製作

在 2000 年代中期之前，這項技術是錄音棚專有的，但現在這種軟體越來越容易被任何擁有現代計算機的音樂家使用。許多程式是非商業化的，免費分發，程式 "Garageband" 預裝在每臺 Mac 上，能夠使用錄製片段錄製或建立全新的音軌，但無需實際樂器。數字音訊軟體的需求和使用量大幅增加，銷量從 1999 年的 1.4 億美元增長到 2008 年的 5 億美元 。隨著這種軟體的重新分發，任何音樂家都能夠在無需專業錄音棚的情況下進行錄製、混音、編輯和新增合成效果。因此，許多音樂家選擇繞過錄音棚，自己創作音樂，然後交給製作人。洛杉磯地區資深製作人託尼·伯格估計，大約 80% 的音樂家客戶在家制作音樂，然後將成品交給他 。此外，據估計，加利福尼亞州洛杉磯超過一半的錄音棚已經倒閉，因為它們不再提供專門的服務 。顯然，這種軟體的可用性將製作權力從錄音棚轉移到了個人手中，使音樂家能夠以更低的成本和更少的麻煩製作音樂。此外，這種擺脫錄音棚的自由也帶來了優勢，音樂家可以在任何有靈感的時候進行錄製和創作，這使他們能夠靈活地適應音樂靈感的自發性。最後，這種軟體還允許使用以前不可能實現的數字編輯軟體的新音訊效果和濾鏡，為音樂製作增添了新的維度，並幫助創造出全新的音樂型別。

才華的概念

這項技術的普及對“音樂才能”的概念產生了不可思議的影響，因為它允許沒有特定身體能力的個人創作音樂。例如，過去，一個人必須學習彈吉他多年才能創作出一整首歌，但有了現代技術，這些和絃被預先錄製好，然後可以被組織成完整的作品。此外，Auto-Tune的校正功能允許沒有完美音調的個體改變和校正他們的聲音，直到他們聽起來幾乎與理想聲音無法區分。透過這種方式，數字編輯技術創造了一種新的音樂才能類別。在歷史上，音樂才能一直受制於身體上的限制，但現在，擁有音樂機制理解能力的人也可以創作自己的作品，在某些情況下，他們的作品甚至可以與排行榜上身體優勢的歌曲相媲美。隨著這項技術的發展和更加完善，它將進一步擴充套件對音樂才能真正含義的定義，模糊樂器音樂創作和數字檔案創作之間的界限。

Auto-Tune

Auto-tune是由地球物理研究科學家Harold (Andy) Hildebrand博士於1997年建立的。Hildebrand隨後創立了Antares，專門負責生產和發行Auto-Tune軟體以及其他數字訊號處理(DSP)軟體。Auto-tune是一種軟體，它使用相關的和預測的數學公式來改變音調，同時仍然保留原始聲音質量。Hildebrand對該軟體的意圖是將其用於無法檢測到的細微音調變化，即使是最訓練有素的耳朵也無法檢測到。自1997年釋出以來，音樂行業一直在以這種方式使用auto-tune，幾乎沒有引起注意。對聲音進行的改變越大，就越難保留原始聲音質量。Antares軟體上的“零輸出”功能允許對音調進行瞬時改變，並且不適合與原始聲音或樂器混合使用。它以給聲音新增機器人音調而聞名。製作人避免使用此功能，因為這會讓人注意到使用了auto-tune，而這是他們不希望看到的，直到Cher在1998年的單曲“Believe”中使用了它。Cher直接使用了零輸出功能，但這首歌仍然獲得了極大的人氣，並在排行榜上名列前茅。Auto-tune的機器人效果直到嘻哈藝術家T-Pain的知名度才真正流行起來。T-Pain因其在專輯中幾乎完全使用auto-tune而聞名。

Auto-tune從此成為主流，人們對auto-tune形成了兩種典型的看法。第一種是憤世嫉俗的看法，認為auto-tune是一種柺杖。人們常常認為藝術家沒有那麼有才華，因為他們並不需要有才華，因為他們可以依靠auto-tune來完成工作。Hildebrand反駁了這種說法，他說“作弊”一直存在。過去是透過重錄的形式，現在只是變得更容易了。第二種關於autotune的看法是，它只是擴充套件了錄音藝術家的藝術能力。Auto-tune提供了一個新的場所，讓藝術家可以透過它創作音樂，並且他們可以輕鬆地做到這一點。

Auto-tune很快就成為了商用軟體，然後可以在Anatres之外免費下載。Auto-tune被輕鬆地提供給任何想要的人，甚至可以在iPhone應用程式“I Am T-Pain”上獲得。由於auto-tune如此容易獲得，任何人都可以製作auto-tune音樂，並用任何東西創作出來。也許最有名的是The Gregory Brothers。他們會獲取人們講話的音訊片段，並使用auto-tune將其變成歌曲。他們最受歡迎的場所是將新聞進行auto-tune，但他們也會對演講和流行的YouTube影片進行auto-tune。

最近，嘻哈藝術家Jay-Z在他的最新單曲D.O.A(死亡之歌)中譴責了auto-tune。當他看到Wendy's廣告中使用了auto-tune時，他認為auto-tune作為一種藝術工具已經失去了所有效力。他說，“我認為在嘻哈音樂中，當一種趨勢變成一種噱頭時，就該轉向其他東西了。”。雖然Jay-Z以其在嘻哈界極具影響力而聞名，但人們尚未看到對auto-tune的負面反彈或使用量的減少。

進一步研究

可以用來改進本章的進一步研究可能包括調查由於數字音樂而產生的新文化，例如科技狂歡和獨立搖滾。還可以探索使用數字音樂改變音樂場景的個體藝術家的影響，例如Girl Talk或Daft Punk。