創作有效的歌曲

"歌曲作者和詩人患有相同的疾病...他們都認為自己有話要說。"

以下陳述中有任何描述了你嗎？

"我每天的大部分時間都花在思考創作歌曲上。"
"我讀經文並思考...這些肯定是一首歌的歌詞。"
"我會記下我聽到的有趣的評論。"
"我投入了很多精力來創作歌曲，並嘗試創作歌曲。"
"我看到我到處都是的歌曲片段，這讓我抓狂。"
"我去參加由以創作歌曲為生的人舉辦的歌曲創作研討會。"
"我花時間與其他歌曲作者在一起。"
"我閱讀有關歌曲創作的書籍。"
"我認為我是一名歌曲作者。"
"我痴迷於歌曲。"
"我有時會對歌詞感到生氣，只是順其自然。"
"當我完成一首歌曲的創作時，我感到一種強烈的滿足感。寫作很難，但我總是挑戰自己做到最好。有時我覺得歌曲創作應該被稱為歌曲重寫，因為我花了很多時間重寫，直到歌曲完美為止。"

如果這些陳述總體上描述了你，那麼繼續閱讀，我們將討論“創作有效的歌曲”。

音樂和歌詞來自內心。這不是一件容易的事。歌詞是從你生命中發生的事件中創造出來的，例如 - 前情人、現在、夢想或日常生活。你生活中所有不同的經歷，如果你足夠努力地思考，都可以寫成歌曲。

歌曲的機械元素

對於初學者來說，瞭解歌曲的各種元素可能會有所幫助。以下是一些定義

小節 (小節): 一段由一定數量的以一定持續時間為單位的拍子定義的時間段。
旋律: 歌曲中可以單獨演唱的部分，使歌曲可識別；“主音”。旋律的元素包括
- 動機: 一組短音符
- 樂句: 兩個動機組合
- 句子或樂段: 兩個樂句組合
- 段落: 一組句子
- 序列: 重複但轉調的旋律樂句
和聲: 補充或支援旋律線的音符。這些可以演唱或演奏。在音樂理論中，它們被描述為垂直結構。如果使用和絃進行格式，則應將歌曲的和聲建立在進行的基礎上，並且只做一些變化。
節奏: 歌詞演唱的拍子模式。有兩種版本：傳統的，其中每個音符按顯示的那樣演奏，以及“搖擺”，用於布魯斯和爵士樂，例如，兩個半拍是“轟轟” (有點像心跳)。對搖擺的更技術性的定義最好用八分音符來描述。與其“直”彈，或在降拍和升拍彈：而是延長降拍八分音符，在較慢的節奏中可能會有一個停頓，然後是一個快速的非降拍八分音符。這是透過形成兩個三連音 (假設 4/4 或“四四拍”) 並在三連音中演奏第一個音符，第二個音符靜音或“休止”，然後演奏第三個音符來實現的。搖擺可以在較慢的節奏中創造一種悠閒的感覺，而在較快的節奏中則可以提供一種推動音樂前進的驅動力。在極快的節奏中，它可能會變得技術上不可能或導致失去脈搏/拍子，但這主要只出現在電子音樂形式中。
速度: 歌曲的速度，以每分鐘拍數 (BPM) 為單位。更高的 BPM 數表示速度更快，而較低的 BPM 表示速度更慢。
拍號: 4/4、2/4、2/2、3/4、6/8 等等。上面的數字表示一個小節/小節中的拍數，下面的數字表示小節中音符的音值。例如 4/4 = 一個小節中的四個四分音符。6/8 = 一個小節中的六個八分音符。

不同的拍號可以根據拍子強調提供不同的節奏感覺。4/4 是一種非常標準的感覺，適合稱為“四四拍”的拍號，而 6/8 通常像 2/4 一樣演奏，拍子被分成三等分的三連音或“附點四分音符感覺”，並且是“有彈性”的 (它在許多愛爾蘭/凱爾特舞蹈/吉格以及“海軍”/水手音樂如民歌中很常見)。更復雜的音樂可以包含“奇數”的非標準拍號，例如 7/8，它在歌曲之間的拍子細分方面有所不同，但每個小節中不均勻的拍數會產生不均勻的節奏模式。7/8 中的一個例子可以是 1-2、1-2、1-2-3 (強調放在 1 上)，並且感覺像 3/4 並且有一個延長的第三拍。不同的八分音符分組和強調用於改變感覺。

通常，每首歌曲都包含以下部分

引言: 歌曲開頭簡短的器樂部分。
主歌: 歌曲中具有自己旋律的部分，通常在引言之後，並在副歌之後再次出現。大多數歌曲有兩到三個主歌，重複相同的旋律，但歌詞不同。主歌通常大約有八個小節，但傳統的十二小節布魯斯可能使用十二個小節。
前副歌 (又名通道): 一個簡短的部分，在主歌的基礎上發展，通常通向副歌。
副歌: 歌曲中具有不同旋律的部分，通常在主歌和橋段之後。副歌可能非常重複。
橋段或八小節中間段: 歌曲中不同於主歌和副歌的部分。橋段通常出現在主歌和副歌之間的過渡中，或在兩個不同調的副歌之間；因此，它有時被稱為“橋段”。因為它通常是 8 小節長，所以它也被稱為“八小節中間段”，尤其是在英國和歐洲。無論它如何構思，它的主要功能是在總體結構的背景下為耳朵提供一種擺脫主歌和副歌重複性的“解脫”，提供一種新的視角。
副歌: 歌曲中一個重要的短語，令人難忘的主題。副歌通常在歌曲的不同時間重複。也稱為動機。
尾聲: 歌曲的結束部分；通常重複副歌或歌曲的重要部分。可能與副歌相結合。在傳統的西方音樂中，尾聲是音樂中一個獨立的部分，只有在指示時才會演奏 (寫著：到尾聲)，通常只演奏一次，並且經常用作以迴圈的形式結束歌曲，例如傳統的美國畢業歌曲“威風堂堂”或其他需要演奏不同持續時間 (或其他創造性用途，或作為節省書面音樂空間/墨水的方法) 的進行曲。

通常，值得花時間首先從一個和絃 (或吉他弦) 序列中創造一個旋律，你的歌曲將圍繞它展開。為大眾創作歌曲需要一個“副歌”。副歌可能只是一個旋律結構，但也許更可取的是將旋律與巧妙的歌詞結合在一起。

例如，在著名的“丹尼男孩”或有時稱為“德里之歌”中，“副歌”出現在旋律似乎試圖衝向副歌，而歌詞“但你回來吧”伴隨著和絃進行中的衝刺。

相反的過程，即為歌詞配樂，要困難得多，而且在大多數格式中也都不那麼成功。(將歌詞與旋律配對可能會創造一些“被迫”的句子或措辭以適應。在寫完歌詞後開發旋律可以讓你從詞語的音節中形成基本的節奏結構，新增擴充套件和改變以發展有趣的旋律運動。瞭解特定句子或部分的音調，也能讓你更好地匹配情緒的音樂，以獲得更一致的感覺。很多人發現這些優勢很有幫助，而且這樣寫作絕非不正確或更難。歌曲創作是一個每個人都獨一無二的過程，做最適合你的事情。)

但有一些情況下，將音樂與歌詞結合在一起是一個更好的選擇……例如，一首押韻詩或有規律節奏的自由詩很容易改編成歌曲。基本的和絃很適合，I - IV - V 程序和 iv - IV - V - I 和絃都奏效。

流行歌曲形式

流行音樂有幾種常用的形式。這些通常由四個 8 小節的樂句組成，構成典型的 32 小節形式。通常，這整個 32 小節就是一個副歌。

A-A1-B-A (三部曲)是最著名的。主旨通常在 A 部分，這使得它可以重複，將主旨印在聽眾的腦海中。主旨是歌曲中令人難忘、朗朗上口的片段，可能包含以下一項或多項：標題、音樂短語、即興演奏或製作效果。在 A1 部分，歌曲通常透過新增新的樂器或以其他方式提高能量水平來發展。B 部分，通常被稱為過渡，是音樂（通常也是歌詞）上的對比。

示例：Over the rainbow, Yesterday, Just the Way You Are, What'll I Do, Ain't Misbehavin', As Time Goes By。

A-B-A-B (二元節/副歌)由 8 小節的 A 作為節，後面跟著 8 小節的 B 作為副歌。後半部分作為重複，在旋律、和聲或兩者方面略有不同。

示例：Material girl, "Sunrise, Sunset"

A-A-B-B (二元)：一個 8 小節的 A 樂句，後面跟著它的重複，然後跟著 8 小節的 B 樂句及其重複。重複可能存在變化，也可能不存在。

示例：e 小調佈列舞曲

A-B-A-C：用 B 樂句提供變化，用新的結尾素材在 C 樂句中重複 A 樂句。
A-B-C-D：每個樂句都用新的旋律素材提供變化。這比較少見，因為它需要聽眾更多地注意，並且重複主旨的機會更少。

另一種流行的形式，即 12 小節布魯斯，也很常見。請參閱音樂理論/布魯斯，瞭解 12 小節布魯斯形式的多種型別。

歌曲創作“工具箱”的工具

一些有幫助但並非必需的東西

歌曲創作的天賦。顯然，如果你在這方面有天賦，你將在比賽中遙遙領先。有些人天生就是技藝高超的作家。這就像呼吸一樣自然而然地發生。另一些人渴望寫作，渴望到快要死了，但他們想不出任何能打動人的東西。我們大多數人處於兩者之間……相當優秀的作家，可以從學習歌曲創作技巧中獲益。（那些天生有天賦的人很可能不會出現在這裡，對於“沒有天賦”的人來說，你實際上只是沒有練習。經驗比天賦更有用，你會學到所有做錯的方式，這實際上會讓你更好地理解技巧，而不是“幸運地”創作出好作品，但不知道原因和方法，也不知道如何從那裡擴充套件。）
絕對音高。當然，這是一個有用的工具，但並非必需。（更常見的叫法是“完美音高”，指的是能夠區分和識別音高、音符或和絃並按名稱說出它們的能力。這是一種你天生就擁有或沒有的才能。同樣有用且類似的工具是“相對音高”，指的是能夠區分和識別從已知起始音高開始的音程和和絃運動的能力。同樣地，你會獲得更多的音樂知識，例如音階度數和和絃傾向，如果你有完美音高，你不會僅僅“擁有”這些知識。經驗永遠更好，天生天賦只是給了你一個先發優勢，同時還會阻止你真正學習正確的方法（走捷徑）。）
一些創造性的傾向。“大多數人看到太陽下山。我看到山峰升起。”
對詩歌寫作有深入的瞭解。（雖然如果你現在聽流行歌曲，你會發現形式或押韻經常缺失。決心要超越並繼續創作有意義的音樂，這是你的方法，也是你與任何聽你歌曲的人分享自己或資訊的機會。不要浪費它去物化女性和幻想毒品，除非那是你的意圖，是嗎？）
唱歌或演奏樂器的能力。（許多富有的歌曲作者實際上什麼樂器都不會演奏……當然，演奏你創作的音樂很有用也很充實，但完全有可能在不聽到它們的情況下創作歌曲。以貝多芬為例。他在失聰的情況下創作了 26 部交響曲。另一種選擇是走電子路線，就像許多現代藝術家使用軟體一樣，該軟體允許你分別準確地輸入音符/和絃/任何東西，然後播放。）
與其他作家的合作。（總的來說，作為一名音樂家學習和成長的最佳方式是與他人合作和演奏，這與獨自演奏是完全不同的水平，而且通常更有趣。）
多軌錄音機（卡式四軌，電腦程式，智慧手機應用程式等）
錄音機，用來記錄它的聲音。
音樂理論。雖然今天世界上唱的一些最偉大的歌曲，都是那些對音樂一無所知的人從心中誕生出來的，但如果一個人想要以某種風格演奏，他們也應該遵循這種風格。例如，如果一個人要創作布魯斯風格的歌曲，無論歌曲的內容如何，他們都不應該偏離 12 小節布魯斯太多。（任何對音高和音高關係有一定感知力的人，只要花點時間，就能創作出一些音樂，理論讓你瞭解為什麼事物有效，以及如何最好地實現某些效果，除了瞭解如何發展音樂想法之外，而不是猜測/嘗試直到找到你想要的。透過這種方式，許多新的有趣的想法可以發展，你應該做一些，但瞭解一些基本的理論會加快這個過程，並有助於防止由於陷入“困境”而感到沮喪。）
來自經驗豐富的作家/音樂家的素材你不必聽任何其他人來創作自己的音樂，但沉浸在其他有才華的人的作品中，有利於激發靈感，瞭解哪些已被證明有效，以及獲得動力。

永遠不需要的東西

樂器上的精湛技巧。
美妙的歌喉。（你絕對不必唱得很好，但最好至少培養一下能夠用正確音調和音高唱歌的能力。如果不能唱歌，哼唱或吹口哨也可以。能夠用除自身以外的任何材料在任何地方嘗試音樂想法或原型，非常有用。你甚至可以記錄下這些想法，以便在靈感來臨時儲存，這也鼓勵這樣做。最後，用一首歌曲一起演唱歌詞或音高，可以讓你與歌曲建立起有機的聯絡，並幫助你更好地理解分析中發生的事情；演唱和聲或低音部分可以擴充套件你的創造力，除了有趣之外，還可以為一個簡單的想法增添深度。）

要求

與你的主題建立親密而重要的關係。
對你的目標受眾具有敏感的精神。
耐心。（有時你會遇到阻礙或障礙。克服它們。）
一份付費工作或正常的教育。（不要指望馬上就能簽唱片合同，老兄。）

成為一名有效的歌曲作者

你需要了解你的主題，這是必不可少的。畢竟，討論你不瞭解的主題非常困難，而且研究，儘可能多地瞭解主題。

寫你所知道的東西。如果你的歌曲對你沒有意義，它們可能對其他人也沒有意義，而且你對主題的缺乏瞭解和你對主題的缺乏熱情將會顯露出來。

主要以表達你自己的感受為主，誰比你更瞭解你的感受呢？

努力擴大你的詞彙量。雖然有些短語可能非常有意義，但可能有一些詞更適合你想要表達的意象。此外，如果可能的話，嘗試“沉浸”在主題中。

你需要脆弱；要成為一名優秀的作家，你必須在寫作中保持脆弱。如果你隱藏，那麼歌曲也會隱藏。對於歌曲作者來說，沒有安全的避風港。如果你選擇玩安全牌，不冒險，你的歌曲就會充滿陳詞濫調，膚淺而乏味。

你需要練習，你需要堅持不懈；是的，有時，歌詞和旋律會自然而然地流淌出來。但大多數情況下，歌曲創作是一項艱苦的工作。歌曲創作需要工作、練習、導師、學習、勤奮和承諾。我們應該致力於發展我們的寫作技巧。

不斷練習、唱歌和寫作。每天寫點什麼，即使你寫出了一些最初聽起來可能很俗套的東西。你可以修改它，以後把它變成好作品。你內心潛藏的任何音樂衝動都會釋放出來。

歌曲的重要元素

歌曲最重要的方面是“可唱性”

歌詞的重讀音節是否與音樂的重讀拍子相匹配？（如果你先寫歌詞，如前所述，這個問題就不那麼嚴重了。）
你想強調的詞語是否用較長的音符演唱？（較高的音調或對比音調也能比較低的音調更有效地吸引人們對某個詞的注意，而較低的音調可能會在其他音樂或重複音調中消失，而重複音調通常不會引起音樂興趣，除非以特定方式使用。）
它有平滑的旋律嗎？（如果巧妙運用，偶爾的跳躍或斷奏是完全可以的，並且會增加趣味性。）
音程容易唱嗎？（通常，2 度、3 度、4 度、5 度和 8 度最容易。）
旋律是否得到了和絃程序的支援？
旋律是否落在大多數人可唱的音域內？（通常，不要低於 A；不要高於 D。）（什麼 A？什麼 D？存在八度音程。如果你想要一首讚歌，這一點很重要，但如果你的音域非典型，或者你的音域高於平均水平，不要覺得你不能炫耀你的音域。人們喜歡跟著歌曲唱歌，但人們也喜歡被震撼，並欣賞才華/能力的展現。）
是否太冗長？太多詞語會讓人難以集中注意力在主題上。
一個主題：專注於“種子思想”。
重複：這使得歌曲更容易被會眾記住和背誦。（以及可能很無聊。很多音樂不重複，再次問你，你是想要一首讚歌還是一些個人化的東西？）
意象：它是否捕捉到了一個意象？它是否描繪了你對特定時間特定情況的感受的畫面？
自洽：旋律是否與歌詞表達一致？儘量避免將快樂的歌詞與令人毛骨悚然的旋律配對。當然，這樣做也是可以的：例如，Asaki 的歌曲就是很好的例子（它們的旋律很令人毛骨悚然，但歌曲卻很歡快）（悄悄地說，先寫歌詞通常會更容易做到這一點）
是否“朗朗上口”？：是否有創意的和絃進行？是否有有趣的押韻方案？是否有創意的旋律？是否有頭韻？

建立聯絡

歌詞可以說是歌曲最重要的部分。要清晰明瞭。聽眾理解你的歌詞是首要的和根本的。如果不是……它可能和器樂演奏沒什麼區別。（人聲是一種樂器，許多音樂家將其作為樂器使用，專注於音節的音樂性，而不是清晰的詞語……聽聽貝魯特的 Zac Condon，他一半時間你都聽不懂他說什麼，但聽起來確實很不錯。還有許多演唱風格會扭曲聲音，例如更硬核音樂中的咆哮和尖叫。）
它是否使用目標受眾的語言？如果目標是青年，它是否“有節奏”？如果目標是孩子，它是否快樂？
是簡單的“ABC-搖滾”，還是 70 年代的“藝術搖滾”？
它是為小型團體還是大型人群準備的？你的陣容可以演唱它嗎？
是否有可以由主奏樂器填補的長停頓？
可以增加更多停頓，讓你的節奏“休息”一下嗎？

簡單

簡單的意象像鋒利的刀子一樣直擊人心。初學者最常見的錯誤之一就是試圖表達太多。最簡單的歌曲通常是最有力的。

用“程式碼”寫成的複雜歌詞，聽起來像其他某首好歌，並不能打動人。許多作家躲在模糊或複雜的歌詞背後，尋求安全感。（許多聽眾喜歡解碼歌詞的含義。你想怎麼做就怎麼做。）

如果你試圖在三分鐘內表達你對生活中所有事情的感受，你就會失去聽眾。現在，表達你對某一件事的感受，更能打動人心。

當你積累了大量的歌曲創作經驗後，你可能會決定在作品中加入一些象徵、隱喻或反諷的元素。一首有多層含義的歌曲會越來越有趣；如果這首歌比最初聽到的要多，它就會保持新鮮感。

激發創作靈感

安靜時間：富有表現力的歌曲和歌詞的關鍵在於個人安靜時間。

冥想是一種非常有效的方法。沒有比你的內心聲音更具創造性的表達方式。內心聲音既可以流動，也可以塑造：你可以讓想法湧現，也可以改變它們。它通常出現在你靜心的時候。當你敞開心扉傾聽你的內心聲音時，你更容易聽到、理解和塑造想法。

困難和毀滅從改變人生的個人經歷中汲取靈感。

這在民謠風格的歌曲中很重要，例如布魯斯和鄉村音樂。具有積極結局的負面故事可以非常鼓舞人心。憤怒的歌詞可以成為聽眾尋求的宣洩。

頭腦風暴如果你是一名音樂家，坐在你的樂器旁，盡情演奏。

如果你是一位作詞家，寫下或唱出你腦海中的任何想法。即使是看似枯燥或奇怪的歌詞也要寫下來，以開啟你的思維，讓你發現更有趣和熟悉的歌詞。重要的是至少要考慮你腦海中的所有想法。你可以稍後重新編寫和塑造歌詞，隨著你越來越清楚地瞭解你想表達什麼，或者意識到你可以用其他方式表達，就可以進行調整。

這僅僅是一種感覺嗎？那就跟隨你的感覺——不要再尋找其他東西。

將這些感覺融入到詞曲中。你必須尋找與感覺相匹配的情景，或者尋找與詞語相匹配的感覺。情感要全面：寫各種情緒的歌曲，但要意識到哪些情緒不適合，如果你認為你的音樂型別非常嚴肅，就不要寫幽默的歌曲。

你僅僅有旋律嗎？對著它唱點什麼，任何東西都可以。

將音符翻轉過來：嘗試用第二個音符作為第五音，然後作為第四音和第三音。看看什麼有效。記住，越熟悉的聲音越好，因此你必須多次嘗試你寫的新旋律，然後再丟棄它。

這僅僅是一個想法嗎？

單一的想法是一種寫歌的強大方式。感覺通常已經隱含其中。一個有趣的故事、擬聲詞或擴充套件推理或隱喻，很容易圍繞一個簡單的想法寫出，只要花足夠的時間。你對每個短語、單詞和聲音的每一個想法都很重要。不要害怕嘗試你腦海中的任何東西。利用改進想法帶來的滿足感，繼續改進你的想法。

- 頭腦風暴 - 寫下你想到的每一個相關想法，

並且永遠不要丟棄任何東西。鮑勃·迪倫在與更高力量的著名訪談中說，如果一首新歌沒有靈感，他會繼續創作其他歌曲。在另一個關於迪倫歌曲《Tangled Up In Blue》的訪談中，他說他花了好幾年時間將各種女性融入一個角色，所以有時要繼續前進，但要保留每一個想法，以便在某個地方發揮作用。

- 寫下你的想法和歌詞，並始終錄製歌曲的草稿。

聽錄音。它在整首歌中都有一個線性線索嗎？還是像這個維基百科一樣：在一個傘狀結構下，許多獨立的想法拼湊而成？有什麼短語不太通順嗎？你能用另一個短語替換它嗎？你有沒有什麼讓你感到尷尬的地方？你在關於撲克的歌曲中談論你的鬆餅嗎？

- 大聲朗讀你的歌詞。

是否有笨拙的詞語組合？有什麼詞語意義非常深刻，但讀起來並不那麼深刻？那種深刻的含義是什麼？你能直接寫出來嗎？

- 主題是普遍的，還是如此個人化，以至於只有你才能理解？

記住，主題是細節背後的普遍含義，例如愛、勇敢、善、惡等。總會存在主題，你只需要讓它保持一致。

你有一個很棒的和絃進行嗎？如果你可以接觸到鋼琴，用左手彈和絃，用右手即興創作旋律。

事實上，簡單的優秀和絃進行數量有限，而且這些和絃進行已經被寫過了，這也解釋了為什麼你寫了那首非常酷的歌曲，然後意識到你從某人那裡借鑑了它，他們也“借鑑”了它，因為幾個世紀前我們就已經沒有“新的”簡單和絃進行，更復雜的和絃進行實際上是簡單和絃進行的組合。

或者……你只是想發財嗎？

好吧，不要浪費時間在音樂上；還有很多其他職業的收入比 99.99% 的音樂家賺得多。即使是許多聲稱很富有的音樂家，也從未賺過一分錢，因為他們在製作、巡演和發行上花費了太多錢。如果你想發財，那就選擇任何需求量大的職業。是的，你可以透過音樂成為百萬富翁，但請統計一下熱門歌曲的數量，然後想想歷史上創作歌曲的總數，然後再想想有多少熱門歌曲是盈利的。另外，即使你創作了一首熱門歌曲，你如何才能獲得成為百萬富翁所需的全國性受眾？唱片公司甚至不再接受投稿。在你花了好幾年時間懇求朋友來參加演出，甚至不聽你精心創作的歌曲之後，你必須不停地巡演。然後想想每個人都有自我，而你的歌曲並不像最初看起來那麼好。事實上，成功取決於你是否能夠開啟自我，除非你恰好是某個社會運動的一部分，而此時，沒有人真正傾聽。開啟自我的一種練習是，將你最喜歡的歌曲的前兩行分解，然後分解你最棒歌曲的語言和詩歌。即使敞開心扉寫出更好的作品，也不能保證成功。有無數的歌曲作者在去世多年後才被認為是偉大的作家，但在他們生前卻無人問津。

- 這並非完全不可能。只是近乎不可能。

如果你創作音樂僅僅是為了發財，你很有可能會非常沮喪。我們無法完全控制他人如何接受我們的創作。如果你試圖改變自己，以適應你認為他們想要的東西，你永遠不會對此感到滿意，他們也不會對你感到滿意。但同時，如果你不願改變你的歌詞，使之更有意義，因為某種難以捉摸的高尚情感，那麼你可能是在欺騙自己，你的成功取決於耳聾的聽眾。

關於原創性的一句話……

作為歌曲作者，我們不必重新發明輪子；我們只需要以自己的方式轉動它。作曲家未能保持原創性，是因為他沒有傾聽自己的音樂聲音。作曲家經常重新創作潛意識深處的旋律、和聲和節奏織體。最初這不是問題，因為所有音樂都必須從某個地方開始。我們必須能夠將它帶到一個新的地方……一個對我們對風格的“理解”來說是原創的地方。有時，作曲家創作了一首成功的歌曲，卻發現它已經被寫過了。

另一種常見做法是，詞曲作者使用相同（或類似）的知名旋律。例如，《月光花》和《翅膀》都是基於古典鋼琴曲《綠色的薄霧》。然而，透過旋律的變奏（一個是更戲劇化，而《翅膀》更歡快），以及不同的歌詞，它們成為了兩首截然不同的歌曲。不過，在使用他人的旋律時要格外小心，尤其是在版權法最為嚴格的發達國家。

音樂中最常被重複利用的部分是和絃結構。和絃的數量有限，幾個世紀以來，人們已經發現了許多最自然悅耳的和絃變化。你可以演奏大約一百萬首歌曲，它們都具有C調和絃進行：C - Am - F - G，或者其順序變體（C - F - Am - G）。只要你擁有自己的音樂想法，建立在這些和絃之上，你的歌曲仍然是獨一無二的，就像其他一百萬首歌曲一樣。這提供了一個絕佳的機會，可以透過創造性地使用其他和絃來使你的歌曲脫穎而出。不要侷限於一個調或固定的進行，一些最有趣的音樂使用離調（非自然音階）和絃或音階變化和模態交換。所有這些都屬於更高階的音樂理論，但當你厭倦了聽到你一直聽到的相同進行時，它是你努力的方向。你也可以在同一個進行中使用不同的調演奏：例如，Bb 調的 I - vi - IV - V 將是 Bb - g - Eb - F。這些是不同的和絃，但它將具有相同的“感覺”，因為它具有相同的張力建立和釋放模式。然而，它會改變音高和音域（確保它是你實際可以演奏或演唱的調），這可以賦予歌曲更明亮或更暗淡的氛圍，並且在歌曲中改變調，如果處理得當，可以非常有效，此外還可以賦予你的歌曲更獨特的個性。

結論

一旦你認為你的歌曲已經準備好與樂隊分享，讓幾個客觀而成熟的朋友幫你進行誠實的評論。不要害怕進行修改，並考慮他們的意見。
專注於過程，而不是結果。擁有目標是好的。更重要的是，將你的時間花在讓你感到愉悅的事情上。為了達到一個“地方”而經歷多年的剝奪和犧牲，很多時候都會換來多年的剝奪和犧牲。“地方”永遠無法給予足夠的補償。問問任何身處你想要去的地方的人。
如果你足夠強大，你可以在你創作的歌曲中找到自己的身份，就像任何一首詩一樣。

拍子是一個學習中的作家並不總是完全理解的東西。簡而言之，歌曲中的拍子是每個音符的測量。研究最好的作家，看看他們在哪裡減輕了任何節奏單調的可能性，透過在每個節中插入對比部分。

風格參考