寫出有效的歌曲

“詞曲作者和詩人患有相同的疾病……他們都認為自己有話要說。”

以下陳述中是否有任何描述了你？

“我每天花很多時間思考寫歌。”
“我閱讀經文，然後想……這肯定是一首歌的歌詞。”
“我記下我聽到的有趣的話語。”
“我投入很多精力去寫歌，並嘗試寫歌。”
“我看到我到處亂放的歌曲片段，這讓我抓狂。”
“我參加由靠寫歌為生的人舉辦的歌曲創作研討會。”
“我和其他詞曲作者共度時光。”
“我閱讀關於歌曲創作的書籍。”
“我認為我是一名詞曲作者。”
“我痴迷於歌曲。”
“有時我會對歌詞感到生氣，然後順其自然。”
“當我完成一首歌曲的創作時，我會感到一種強烈的滿足感。創作是困難的，但我總是被挑戰著盡力做到最好。有時我覺得歌曲創作應該被稱為歌曲重寫，因為我花了很多時間重寫，直到歌曲正確為止。”

如果這些陳述大體上描述了你，那麼請繼續閱讀，因為我們將討論“寫出有效的歌曲”。

音樂和歌詞來自內心。這並不是你可以輕鬆做到的事情。歌詞是根據你生活中發生的事情創作的，例如——前任情人、現在、夢想或日常生活。如果你足夠認真思考，你生活中所有的不同經歷都可以寫成歌曲。

歌曲的機械元素

對於初學者來說，瞭解歌曲的各個元素可能會有所幫助。以下是幾個定義

小節（節拍）：一段以特定時間段內一定數量的節拍定義的時間段。
旋律：歌曲中可以單獨演唱的部分，使歌曲可以識別；“主旋律”。旋律的元素包括
- 主題：一小串音符
- 短句：兩個主題組合在一起
- 樂句或句點：兩個短句組合在一起
- 段落：一組樂句
- 序列：重複但被轉調的旋律短句
和聲：與旋律線相輔相成或支撐旋律線的音符。這些音符可以演唱或演奏。在音樂理論中，它們被描述為垂直結構。如果使用和絃進行格式，則應基於進行來構建歌曲的和聲，只進行少量變化。
節奏：歌詞演唱時的節拍模式。有兩種版本：傳統的，每個音符都按所示演奏；以及“搖擺”，在布魯斯和爵士中使用，例如，兩個半拍以“轟-轟”的方式演奏（有點像心跳）。對搖擺的更具技術性的定義最好用八分音符來描述。而不是以“直線”的方式演奏，或在強拍和弱拍上演奏：強拍八分音符會加長，在較慢的速度下可能會停頓，而弱拍八分音符會加快。這是透過形成兩個三連音（假設是 4/4 或“常用拍”) 並在三連音中演奏第一個音符、一個靜音的第二個音符或“休止符”以及演奏第三個音符來實現的。搖擺可以在慢速下創造一種悠閒、懶散的感覺，而在較快速度下則可以提供一種推動音樂前進的驅動力。在極快的速度下，它可能會變得技術上不可能，或者會導致脈搏/節拍的丟失，但這主要隻影響電子音樂形式。
速度：歌曲的速度，以每分鐘節拍數 (BPM) 衡量。較高的 BPM 數字表示較快的速度，而較低的 BPM 則表示較慢的速度。
拍號：4/4、2/4、2/2、3/4、6/8 等。上面的數字表示小節/節拍中的節拍數，下面的數字表示小節中音符的音值。例如 4/4 = 小節中有四個四分音符/四分音符。6/8 = 小節中有六個八分音符/八分音符。

不同的拍號可以提供不同的節奏感覺，具體取決於節拍的強調。4/4 是一種非常標準的感覺，適合被稱為“常用拍”的拍號，而 6/8 通常演奏起來像 2/4，節拍被分成三等份的三連音或“帶點的四分音符感覺”，並且是“有彈性的”（它常見於許多愛爾蘭/凱爾特舞蹈/吉格音樂以及“海軍”/水手音樂，如民謠）。更復雜的音樂可以採用“奇數”、不常見的拍號，例如 7/8，它在不同歌曲中以不同的方式進行八分音符分組和強調，但每小節的節拍數不均勻會產生不均勻的節奏模式。在 7/8 中，可以計數 1-2、1-2、1-2-3（強調 1），並且感覺就像 3/4，但第三拍延長了。不同的八分音符分組和強調用於改變感覺。

通常，每首歌曲都包含以下部分

前奏：歌曲開頭簡短的器樂部分。
主歌：歌曲中具有自己旋律的部分，通常在引言之後出現，並在副歌之後再次出現。大多數歌曲有兩到三個主歌，重複相同的旋律，但歌詞不同。主歌通常有大約八個小節，但傳統的十二小節布魯斯可能使用十二個小節。
前副歌（又名通道）：一個簡短的部分，在主歌之上進行構建，通常通向副歌。
副歌：歌曲中具有不同旋律的部分，通常在主歌和橋段之後出現。副歌可能非常重複。
橋段或八小節：歌曲中與主歌和副歌不同的部分。橋段通常出現在主歌和副歌之間或兩個不同調的副歌之間的過渡部分；因此，它有時被稱為“橋段”。因為它通常有 8 小節長，所以它也被稱為“八小節”，特別是在英國和歐洲。無論其概念如何，其主要作用是為聽眾提供一種擺脫主歌和副歌重複的“放鬆”，在整體結構的背景下提供一個新的視角。
Hook：歌曲中重要的短語，令人難忘的主題。Hook 通常在歌曲的不同時間重複出現。也稱為主題。
尾聲：歌曲的結尾部分；通常重複 Hook 或歌曲的重要部分。可以整合到副歌中。在傳統的西方音樂中，尾聲是音樂中與其他部分不同的一個獨立部分，只有在指示時才會演奏（寫為：到尾聲），通常只演奏一次，並且通常用作具有重複迴圈的歌曲的解析或結尾，例如傳統的美國畢業歌曲《威風凜凜》或其他需要演奏不同持續時間（或其他創意用途，或作為節省書面音樂空間/墨水的辦法）的進行曲。

通常，值得努力從和絃（或吉他弦）序列中先創作一個旋律，歌曲將圍繞這個旋律展開。針對大眾創作的歌曲需要一個“Hook”，如我們所知。Hook 可能只是一個旋律結構，但可能最好是旋律與巧妙的歌詞相結合。

例如，在著名的“丹尼男孩”或有時被稱為“德里之歌”中，“Hook”出現在旋律似乎試圖衝向副歌，而歌詞“但你回來吧”伴隨和絃進行的衝刺。

反過來，將音樂與歌詞結合在一起要困難得多，並且在大多數格式中也不太成功。（將歌詞與旋律匹配會建立一些“強制性”的詞行或措辭以使其適合。在寫完歌詞後發展旋律，使你能夠從單詞的音節中形成基本的節奏結構，新增擴充套件和改變以發展有趣的旋律變化。瞭解特定詞行或部分的語調，也使你能夠更好地匹配音樂的情緒，以獲得更一致的感覺。許多人發現這些優勢很有幫助，並且絕不是錯誤的或更難的寫作方式。歌曲創作是一個對每個人來說都是獨一無二的過程，選擇適合你自己的方式。）

但是，在某些情況下，將音樂與歌詞結合起來是一個更好的選擇……例如，一首押韻詩或具有規律節奏的自由詩可以很容易地改編成歌曲。基本的和絃很適合，I-IV-V 程序和 iv-IV-V-I 和絃有效。

流行歌曲形式

流行音樂有幾種常用的形式。這些通常由四個 8 小節的短語組成，構成典型的 32 小節形式。通常，整個 32 小節是一個副歌。

A-A1-B-A（三部曲）是最著名的。主旨通常在 A 部分，這使得它可以重複，將主旨留在聽眾的腦海中。主旨是歌曲中令人難忘、朗朗上口的片段，可能包括以下一個或多個：標題、音樂短語、Riff 或製作效果。在 A1 部分，歌曲通常透過新增新的樂器或以其他方式提高能量水平來發展。B 部分，通常被稱為過渡，是一個音樂（通常也是歌詞）上的對比。

示例：Over the rainbow、Yesterday、Just the Way You Are、What'll I Do、Ain't Misbehavin'、As Time Goes By。

A-B-A-B（二元詩節/副歌）由 8 小節的 A 作為詩節，後面跟著 8 小節的 B 作為副歌組成。第二部分充當重複，在旋律、和聲或兩者方面略有不同。

示例：Material girl、"Sunrise, Sunset"

A-A-B-B（二元）：一個 8 小節的 A 短語，後面跟著它的重複，然後是 8 小節的 B 短語和它的重複。重複可能或可能沒有變化。

示例：E 小調的 Bouree

A-B-A-C：用 B 短語提供變化，用 C 短語重複 A 短語並加上新的結尾素材。
A-B-C-D：每個短語都用新的旋律素材提供變化。這比較少見，因為它需要聽眾更多的注意力，並且重複主旨的機會也更少。

另一種流行的形式，12 小節布魯斯，也很常見。參見音樂理論/布魯斯以瞭解各種型別的 12 小節布魯斯形式。

歌曲創作“工具箱”

一些有幫助但不是必需的東西

歌曲創作的天賦。顯然，如果你在這方面有天賦，你將領先一步。有些人天生就是優秀的作家。這對於他們來說就像呼吸一樣自然。另一些人則迫切地想要寫作，他們迫切地想要寫作，以至於快瘋了，但他們想不出任何能打動人的東西。我們大多數人處於兩者之間……相當不錯的作家，可以透過學習歌曲創作技巧來獲益。（那些天生有天賦的人很可能不會在這裡，對於“沒有天賦”的人來說，你實際上只是沒有練習。經驗比天賦更有用，你會學到所有錯誤的做法，這實際上會讓你對這門手藝有更好的瞭解，而不是“幸運地”創作出好的作品，卻不知道為什麼以及如何從那裡擴充套件。）
絕對音高。當然，這是一個有用的工具，但並非必要。（更常見的是被稱為“完美音高”，是指能夠透過名稱區分和識別正在演奏的音高、音符或和絃的能力。這是你天生就擁有或沒有的天賦。一個同樣有用且類似的工具是“相對音高”，是指能夠從已知的起始音高區分和識別音程和和絃變化的能力。同樣，你還會獲得更多音樂知識，例如音階度數和和絃傾向性，而如果你有完美音高，你就不可能僅僅“擁有”這些知識。經驗總是更好，天生的天賦只是給你一個先發優勢，同時也會阻止你真正學習正確的知識（走捷徑）。）
一些創造性的傾向。“大多數人看到太陽落下。我看到山峰升起。”
對詩歌寫作的深刻理解。（雖然如果你現在聽流行歌曲，你會注意到形式或押韻經常缺失。決定超越並繼續創作有意義的音樂，這是你的方法，也是你與任何聽你歌曲的人分享自己或資訊的機會。不要浪費它在物質化的女性和幻想的毒品上，除非那是你的意圖，對吧？）
唱歌或彈奏樂器的能力。（許多富有的歌曲作者實際上什麼樂器都不會彈奏……彈奏你創作的音樂當然很有用也很豐富，但完全有可能在不聽到它們的情況下創作歌曲。以貝多芬為例。他在聾了的情況下創作了 26 部交響曲。另一種選擇是走電子路線，就像許多現代藝術家一樣，使用軟體可以讓你分別準確地輸入音符/和絃/等等，然後播放出來。）
與其他作家的合作。（總的來說，學習和成長為音樂家的最佳方式是與他人合作和演奏，這與獨奏完全不同，而且通常更有趣）
多軌錄音機（卡式 4 軌、計算機程式、智慧手機應用程式等）
錄音機，用來記錄它的聲音。
音樂理論。雖然今天世界上被傳唱的一些最偉大的歌曲都是誕生於對音樂一無所知的人的心中，但如果一個人想以某種風格演奏，他們也應該遵循這種風格。例如，如果他們要創作一首布魯斯風格的歌曲，無論歌曲的內容是什麼，他們都不應該偏離 12 小節布魯斯太多。（任何有音高和音高關係的人，只要花一點時間，就應該能夠創作出一些音樂，理論可以讓你理解為什麼事情奏效，以及如何最好地實現某些效果，除了理解如何發展音樂理念之外，而不是猜想/實驗直到你找到你想要的東西。很多新的、有趣的理念可以透過這種方式發展，你應該做一些，但瞭解一些基本的理論會加快這個過程，並有助於防止因“卡住”而感到沮喪。）
來自經驗豐富的作家/音樂家的素材你不必聽任何人的音樂來創作你自己的音樂，但沉浸在其他有才華的人的作品中，有利於獲得靈感，瞭解哪些經過證明有效，以及獲得動力

那些完全不需要的東西

樂器上的精湛技巧。
優美的歌喉。（你絕對不需要聽起來很好，但至少要培養在調上唱歌和改正音高的能力。如果沒有唱歌，哼唱或吹口哨也可以。能夠用你自己的身體以外的任何額外材料來實驗音樂理念或原型，這非常有用。你甚至可以記錄下這些靈感閃現的理念，以便以後儲存，這也建議這樣做。最後，在歌曲中一起唱歌詞或音高會讓你與歌曲建立有機聯絡，並幫助你更好地理解分析中發生的事情；而演唱和聲或低音部分可以擴充套件你的創造力，為簡單的想法增添深度，而不僅僅是好玩。）

要求

與你的主題之間親密而重要的關係。
相對於你的目標受眾來說，你的精神很敏感。
耐心。（有時你會卡住或遇到障礙。克服它們。）
一份付薪工作，或正常的教育。（不要指望馬上就能簽下唱片合約，老兄）

成為一位有效的歌曲作者

你需要了解你的主題，這一點至關重要。畢竟，討論你不瞭解的主題充其量是困難的——而且要進行研究，儘可能多地瞭解主題內容

寫你所知的東西。如果你的歌曲對你沒有意義，它們可能對其他人也沒有意義，而且你對主題的缺乏瞭解以及你對它的缺乏熱情會顯露出來。

主要以表達你自己的感受的方式寫作，誰比你更瞭解你的感受呢？

努力擴大你的詞彙量。雖然一些短語可能很有意義，但也可能有更適合你試圖創造的意境的詞語。此外，如果可能的話，嘗試“身臨其境”地生活在主題中。

你需要脆弱；要成為一名優秀的作家，你必須在寫作中保持脆弱。如果你隱藏起來，那麼歌曲也會隱藏起來。對於歌曲作者來說，沒有安全的避風港。如果你選擇安全起見，而不是冒險，你的歌曲就會充滿陳詞濫調、膚淺、乏味。

你需要練習，你需要堅持；是的，有時，歌詞和旋律會自然而然地湧現出來。但大多數情況下，歌曲創作是一項艱苦的工作。歌曲創作需要工作、練習、導師、學習、勤奮和承諾。我們應該把自己投入到寫作技巧的發展中。

不斷地練習、唱歌和寫作。每天寫點東西，即使你想到的東西最初聽起來可能很俗套。你可以在以後修改它，使它變成好的作品。任何存在於你內心的音樂衝動都會迸發出來。

歌曲的重要元素

歌曲最重要的方面是“可唱性”

歌詞的重音音節是否與音樂的重音節拍相符？（如果你先寫歌詞，如前所述，這個問題就不那麼嚴重了。）
你想強調的詞是否用更長的音符演唱？（更高或對比的音調也比更低的音調更能引起人們對一個詞的注意，而更低的音調可能會在其他音樂中或重複的音調中消失，而重複的音調通常不會引起音樂興趣，除非以某種特殊的方式使用）
它是否有平滑的旋律？（偶爾的跳躍或斷奏，如果運用巧妙，是完全可以的，並且會增加趣味）
音程容易演唱嗎？（通常 2 度、3 度、4 度、5 度和 8 度是最容易的。）
旋律是否得到和絃進行的支援？
旋律是否落在大多數人可唱音域範圍內？（通常，不要低於 A；不要高於 D。）（哪個 A？哪個 D？八度音階存在。如果你想要一首頌歌，這一點很重要，但如果你的音域是非典型的，或者你的音域高於平均水平，不要覺得你不能炫耀它。人們喜歡跟著歌曲唱歌，但人們也喜歡被打動，並且欣賞才能/能力的展示）
它太冗長了嗎？太多的文字會讓人難以集中在主題上。
一個主題：專注於“種子思想”。
重複：這使得會眾更容易記住和背誦這首歌。（而且可能很無聊。很多音樂並不重複，你到底想要一首讚歌還是一些個人化的東西？）
意象：它是否捕捉到了一幅影像？它是否描繪了你對特定時間特定情況的感受的畫面？
內部一致：旋律是否與歌詞表達相同的意思？儘量避免將快樂的歌詞與令人難忘的旋律放在一起。當然，這也可以做到：例如，Asaki 的歌曲就是一個很好的例子（它們有令人難忘的，但卻是慶祝的歌曲）（偷偷告訴你，先寫歌詞通常會更容易）
它“朗朗上口”嗎？：它有創意的和絃進行嗎？它有有趣的押韻方案嗎？它有創意的旋律嗎？它有頭韻嗎？

建立聯絡

歌詞可以說是一首歌最重要的部分。要清晰。觀眾理解你的意思是最基本的要求。如果不理解。。。它就和器樂演奏沒什麼區別了。（人聲是一種樂器，許多音樂家把它當作樂器使用，專注於音節的音樂性而不是清晰的單詞。。。聽聽貝魯特的 Zac Condon，他有一半時間都聽不懂他在說什麼，但聽起來真的很不錯。還有很多演唱風格會扭曲聲音，比如在更硬核的音樂中咆哮和尖叫。）
它是否使用了集會的語言？如果針對年輕人，它是否“有節奏”？如果針對孩子，它是否快樂？
它是簡單的“ABC-搖滾”，還是 70 年代的“藝術搖滾”？
它是否適合小群體或大眾？它是否適合你選擇的陣容？
它是否有可以由主奏樂器填補的長時間停頓？
它可以有更多停頓讓你的節奏“休息”嗎？

簡潔

簡單的意象像一把鋒利的刀子一樣深深地切入人心。初學者歌曲作者最常見的錯誤之一就是試圖表達太多。最簡單的歌曲通常是最有力的。

用“程式碼”寫的複雜內容，聽起來像是其他一些好歌，並沒有什麼用。許多作者躲在含糊不清或複雜的歌詞後面尋求安全感。（而很多聽眾則樂於解讀它們的含義。你想怎麼做都可以。）

如果你試圖在三分鐘內表達你對生活中所有事情的感受，你會失去聽眾。展現你對某一件事的感受，此時此刻，更有力。

當你積累了相當的歌曲寫作經驗後，你可能會決定在你的作品中加入一些象徵主義、隱喻或反諷的元素。一首具有多層含義的歌曲會越來越有趣；如果歌曲比表面上聽到的更多，它就會保持新鮮感。

激發創作靈感

安靜的時間：富有表現力的歌曲和歌詞的關鍵是個人安靜的時間。

冥想是一種非常有效的方法。沒有比你內心的聲音更具有創造性的表達方式。內心的聲音既可以流動也可以被塑造：你可以讓想法湧現，也可以改變它們。它通常在你平靜思緒的時候出現。當你敞開心扉，聆聽你的內心聲音時，更容易聽到、把握和塑造想法。

困難與毀滅 從改變人生的個人經歷中汲取靈感。

這在民謠風格的歌曲中很重要，比如布魯斯和鄉村音樂。以積極的結局結尾的負面故事可以非常鼓舞人心。憤怒的歌詞可以是聽眾尋找的釋放。

頭腦風暴 如果你是一個音樂家，坐在你的樂器前，盡情演奏。

如果你是一個作詞者，寫下或唱出任何你想到的東西。即使是看似枯燥或奇怪的歌詞，也必須寫下來，這樣才能讓你對更有趣和熟悉的歌詞敞開心扉。重要的是，至少要考慮所有你想到的東西。你可以在以後重寫和重塑歌詞，隨著你對想要表達的內容越來越清晰，你意識到你可以說些什麼，或者你可以改成說些什麼。

這僅僅是一種感覺嗎？ 那就跟隨你的感覺——不要尋找其他任何東西。

把你這些感覺轉化為文字和音樂。要麼你必須尋找與感覺相匹配的情況，要麼尋找與文字相匹配的感覺，要情感豐富：寫各種情感的歌曲，但要意識到哪些情感不適合，不要在你的風格非常嚴肅的時候寫有趣的東西。

你只有旋律嗎？ 對它唱點什麼，什麼都可以。

翻轉音符：試著將第二個音符作為第五個，然後作為第四個和第三個。看看什麼有效。記住，越熟悉的東西聽起來越好，所以你必須嘗試你寫的任何新旋律好幾次，然後再把它扔掉。

它僅僅是一個想法嗎？

單一的想法是寫歌的一種有力方式。這種感覺通常已經蘊含其中。一個有趣的故事，擬聲詞，或擴充套件的推理或隱喻，很容易圍繞著一個簡單的想法寫，只要你花足夠的時間。你對每個短語、單詞和聲音的每一個想法都很重要。不要害怕嘗試任何你想到的東西。利用改進思想帶來的滿足感，繼續改進你的思想。

- 頭腦風暴 - 寫下你想到的所有相關想法，

永遠不要扔掉任何東西。鮑勃·迪倫在他的著名訪談“與更高力量的交易”中說，如果一首新歌寫不出來，他就會繼續寫其他歌。在另一篇關於迪倫的歌曲《迷失在藍調中》的訪談中，他說他花了數年時間將不同的女性嫁接到一個角色中，所以有時會繼續前進，但要儲存好每個想法，以便將來某個地方使用。

- 寫下你的想法和歌詞，並始終錄製你的歌曲的草稿。

聽錄音。它在整首歌中都有一個線性線索嗎？或者它像這個維基百科頁面一樣：由多個獨立的想法組成的拼湊？是否有任何短語不太通順？你是否可以用另一個短語替換它？你是否對任何東西感到反感？你在關於撲克的歌中談論你的鬆餅嗎？

- 大聲朗讀你的歌詞。

是否有詞語組合很笨拙？是否有任何東西含義非常強大，但聽起來並不那麼強大？那種強大的含義是什麼？你能直接寫出來嗎？

- 主題是普遍的，還是如此個人化，以至於只有對你才有意義？

記住，主題是細節背後的普遍意義，比如愛、勇敢、善良、邪惡等等。總有主題，你只需要讓它保持一致。

你有一個很棒的和絃進行嗎？ 如果你能接觸到鋼琴，用左手彈奏和絃，用右手即興創作旋律。

實際上，簡單的好的和絃進行的數量有限，而且它們都已經被人寫過了，這也解釋了為什麼你寫了那首非常酷的歌，然後意識到你從某某人那裡借鑑了它，他們也“借鑑”了它，因為我們幾個世紀前就用完了“新的”簡單的和絃進行，而更復雜的和絃進行實際上是簡單和絃進行的組合。

或者。。。你只是想發財嗎？

好吧，不要浪費時間在音樂上；有很多其他職業立即支付的薪水比 99.99% 的音樂家賺的都要多。即使是許多聲稱很富有的音樂家，也從未賺過一分錢，因為他們在製作、巡演和發行方面花了太多錢。如果你想發財，那就看看任何需求量很大的職業。是的，你可以透過音樂成為百萬富翁，但算一下熱門歌曲的數量，然後想想寫過的所有歌曲的總數，再想想有多少熱門歌曲是盈利的。此外，還要考慮到，即使你寫了一首熱門歌曲，你如何獲得成為百萬富翁所需的全國觀眾？唱片公司現在甚至不再聽取投稿了。在你花了數年時間懇求朋友來看演出，甚至不聽你完美寫的歌曲之後，你必須不停地巡演。然後還要考慮到，每個人都有自尊心，而你的歌曲並不像一開始看起來那麼好。實際上，成功取決於你開啟你的自尊心，除非你恰好是某個社會運動的一部分，而那樣的話，實際上沒有人真正傾聽。一個關於自尊心的練習是，拿你最喜歡的歌曲的前兩行歌詞，把它拆解開來，然後拆解你最好的歌曲的語言和詩歌。即使敞開心扉，寫得更好，也不能保證成功，有無數的歌曲作者在他們去世多年後才被認為是偉大的作家，但在他們有生之年卻沒有得到認可。

- 這並非完全不可能。只是幾乎不可能。

如果你只是為了發財而創作歌曲，你很可能會非常沮喪。我們對他人如何接受我們創作的東西幾乎沒有控制權。如果你試圖改變自己以符合你認為他們想要的東西，你永遠不會滿意，他們也永遠不會滿意你。但與此同時，如果你不願意為了讓歌詞更有意義而改變你的歌詞，因為某種無形的崇高感覺，那麼你可能是在欺騙自己，而你的成功取決於聾子的耳朵。

關於原創性的一句話。。。

作為歌曲作者，我們不必重新發明輪子；我們只需要以自己的方式旋轉它。當一位作曲家不傾聽他或她自己的音樂聲音時，他或她就無法成為原創。作曲家經常重新創造潛藏在他們潛意識中的旋律、和聲和節奏的織錦。最初，這並不是問題，因為所有的音樂都必須從某個地方開始。我們必須能夠把它帶到一個新的地方。。。一個對我們“理解”這種風格來說是原創的地方。有時，一位作曲家創作了一首成功的歌曲，卻發現它已經被寫過了。

或者，歌曲作者通常使用相同或類似的知名旋律。例如，月光花 (Gekkoka) 和翅膀 (Tsubasa) 都是基於古典鋼琴曲《綠色的薄霧》創作的。然而，由於旋律的變化（月光花更戲劇化，而翅膀更歡快），以及不同的歌詞，它們成為了兩首截然不同的歌曲。不過，在使用他人的旋律時要非常謹慎，尤其是在版權法最嚴格的發達國家。

音樂中最常被重複使用的是和絃結構。和絃的種類有限，幾個世紀以來，人們發現了許多最自然悅耳的和絃變化。你可以演奏無數首歌曲，它們都使用 C 調的和絃進行：C - Am - F - G 或其變奏（C - F - Am - G）。只要你用自己的音樂想法構建這些和絃，你的歌曲仍然會與其他無數歌曲一樣獨特。這為你的歌曲提供了絕佳的機會，可以透過創造性地使用其他和絃來脫穎而出。不要侷限於某個調或固定的進行，一些最有趣的音樂使用離調和絃（非屬音）或半音音階，以及調式互換。所有這些都是更高階的音樂理論，但當你厭倦了聽到你總是演奏的那些相同的進行時，可以朝著這個方向努力。你也可以用相同的進行演奏不同的調：例如，Bb 調的 I - vi - IV - V 進行將是 Bb - g - Eb - F。這些是不同的和絃，但它們會產生相同的“感覺”，因為它們是相同的張力構建和釋放模式。然而，它會改變音高和音域（確保它是你能演奏或演唱的調），這可以賦予歌曲更明亮或更暗沉的情緒，而且如果運用得當，在歌曲中改變調可以非常有效地賦予你的歌曲更獨特的個性。

結論

當你認為你的歌曲已經準備好給樂隊聽的時候，請幾個客觀和成熟的朋友進行誠懇的評論。不要害怕修改歌曲，並考慮他們的意見。
專注於過程，而不是結果。有目標很好。更重要的是每天做讓你開心的事。多年來的剝奪和犧牲來達到一個“地方”，很多時候等於多年的剝奪和犧牲。“地方”永遠無法彌補。問問那些身處你想要到達的“地方”的人。
如果你真的很強，你可以在你寫的歌中找到你的身份，就像任何一首詩一樣。

拍子是學習寫作的人並不總是完全理解的東西，簡而言之，歌曲中的拍子是每個音符的度量，研究最好的作家，看看他們在哪裡緩解了任何節奏枯燥的可能性，透過在每個詩節中插入對比部分。

風格參考