有效歌曲寫作

"歌曲作者和詩人患有相同的疾病. . . 他們都相信自己有話要說。"

以下哪些陳述描述了您？

"我每天花大量時間思考歌曲寫作。"
"我閱讀聖經並思考. . . 這些一定是一首歌的歌詞。"
"我記下我聽到的有趣的評論。"
"我投入大量精力寫作歌曲，並嘗試寫作歌曲。"
"我看到我周圍散落的歌曲片段，這讓我發瘋。"
"我去參加由靠歌曲寫作謀生的人舉辦的歌曲寫作研討會。"
"我和其他歌曲作者共度時光。"
"我閱讀關於歌曲寫作的書籍。"
"我認為我是一名歌曲作者。"
"我沉迷於歌曲。"
"我有時會對歌詞感到生氣，然後順其自然。"
"當我完成一首歌曲寫作時，我感到一種強烈的滿足感。寫作很困難，但我總是受到挑戰去盡我所能。有時我覺得歌曲寫作應該被稱為歌曲重寫，因為我花了很多時間重寫，直到歌曲正確為止。"

如果這些陳述總體上描述了您，那麼請繼續閱讀，因為我們將討論“有效歌曲寫作”。

音樂和歌詞來自內心。這並非易事。歌詞是根據你生命中發生的事情創作的，例如 - 前戀人、現在、夢想或日常生活。你生命中所有不同的經歷，只要你認真思考，都可以寫成歌曲。

歌曲的機械元素

對於初學者來說，瞭解歌曲的各個元素可能會有所幫助。以下是一些定義

小節 (小節): 一段時間，定義為給定數量的給定持續時間的拍子。
旋律: 歌曲中可以單獨演唱的部分，因此歌曲可以被識別；“主音”。旋律的元素包括
- 動機: 一組短音符
- 樂句: 兩個動機組合在一起
- 句子或句號: 兩個樂句組合在一起
- 段落: 一組句子
- 序列: 重複但轉調的旋律樂句
和聲: 補充或支援旋律線的音符。這些音符可以演唱或演奏。在音樂理論中，它們被描述為垂直結構。如果使用和絃進行格式，則應將歌曲的和聲建立在進行的基礎上，並且只進行一些變化。
節奏: 演唱歌詞的拍子模式。有兩種版本: 傳統版本，其中每個音符都按所示演奏，以及“搖擺”，用於布魯斯和爵士樂，例如，兩個半拍“bomp-bomb”（有點像心跳）。搖擺的更技術性的定義最好用八分音符來描述。與其“直演奏”，或在強拍和弱拍上演奏: 強拍的八分音符被拉長，在較慢的速度下可能會停頓，而弱拍的八分音符則被加快。這是透過形成兩個三連音（假設是 4/4 或“普通拍號”）並演奏三連音中的第一個音符、第二個音符或“休止符”靜音，以及演奏第三個音符來實現的。搖擺可以在慢速下創造一種悠閒、懶洋洋的感覺，而在高速下可以創造一種推動音樂前進的驅動力。在極端的速度下，這可能會在技術上變得不可能，或者導致脈搏/拍子的丟失，但這主要只對電子音樂形式而言是問題。
速度: 歌曲的速度，以每分鐘拍數 (BPM) 來衡量。較高的 BPM 數字表示速度更快，而較低的 BPM 表示速度較慢。
拍號: 4/4、2/4、2/2、3/4、6/8 等，上面的數字表示一個小節/小節中的拍子數量，下面的數字表示小節中音符的值。即 4/4 = 一個小節中有四個四分音符/四分音符。6/8 = 一個小節中有六個八分音符/八分音符。

不同的拍號可以根據拍子的強調提供不同的節奏感覺。4/4 非常標準的感覺，適合被稱為“普通拍號”的拍號，而 6/8 通常以 2/4 的方式演奏，拍子被分成三個相等的部分，形成三連音或“帶點的四分音符感覺”，並且是“有彈性的”（它常見於許多愛爾蘭/凱爾特舞蹈/吉格，以及“海軍”/水手音樂，如民歌）。更復雜的音樂可能包含“奇數”、不常見的拍號，如 7/8，其拍子細分從一首歌到另一首歌有所不同，但每個小節中的拍子數量不均會導致節奏模式不均。7/8 中的一個例子可以計數為 1-2、1-2、1-2-3（強調 1），並且感覺像 3/4，第三拍延長。不同的八分音符分組和強調被用來改變感覺。

通常，每首歌都包含以下內容

引言: 歌曲開頭簡短的器樂部分。
主歌: 歌曲中具有自己旋律的部分，通常緊隨引言，並在副歌之後再次出現。大多數歌曲有兩個或三個主歌，用不同的歌詞重複相同的旋律。主歌通常大約有八個小節，但傳統的十二小節布魯斯可以使用十二個小節。
前副歌 (又稱通道): 一個短部分，它比主歌更進一步，通常引導到副歌。
副歌: 歌曲中具有不同旋律的部分，通常緊隨主歌和過渡段。副歌可能非常重複。
過渡段，或中段: 歌曲中與主歌和副歌不同的部分。過渡段通常出現在主歌和副歌之間或兩個不同調的副歌之間；因此，它有時被稱為“過渡段”。因為它通常是 8 小節長，所以它也被稱為“中段”，特別是在英國和歐洲。無論它如何構思，它的主要功能是在整體結構的背景下，為耳朵提供一種與主歌和副歌的重複性相區別的“解脫”，提供一種新的視角。
副歌: 歌曲中重要的短語，令人難忘的主題。副歌通常在歌曲中重複出現多次。也被稱為動機。
尾聲: 歌曲的結束部分；通常重複副歌或歌曲的重要部分。可能與副歌融為一體。在傳統的西方音樂中，尾聲是音樂中獨立於其他部分的片段，只有在指示的情況下才演奏（寫為：到尾聲），通常只演奏一次，並且經常用作涉及重複迴圈（如傳統的美國畢業歌曲《威風堂堂》或其他需要演奏不同持續時間的進行曲）的歌曲的解決方案或結尾，或其他創造性的用途，或者作為節省書面音樂空間/墨水的工具。

通常，值得付出努力，首先從一個和絃（或吉他弦）序列中創作出旋律，你的歌曲將圍繞它展開。針對大眾的歌曲寫作需要一個“副歌”。副歌可能只是一個旋律結構，但最好是旋律和巧妙的歌詞的混合。

例如，在著名的“丹尼男孩”或“德里曲”中，正如它有時被稱為，“副歌”出現在旋律似乎要衝進副歌，而歌詞“但是你回來”伴隨著和絃進行的衝刺。

反向過程，為歌詞配樂，要困難得多，而且在大多數格式中也更不成功。（將歌詞與旋律匹配可能會建立一些“強迫”的線條或措辭，以使其匹配。在寫完歌詞後發展旋律允許你根據詞語的音節形成基本的節奏結構，新增擴充套件和改變以發展有趣的旋律運動。瞭解特定線條或部分的音調，也讓你能夠更好地匹配音樂上的情緒，從而獲得更一致的感覺。很多人發現這些優勢很有幫助，而且以這種方式寫作並不錯誤或更困難。歌曲寫作是一個對每個人來說都是獨特的過程，做最適合你的方式。）

但有些情況下，為歌詞配樂會是一個更好的選擇... 例如，一首押韻詩或帶有規律韻律的自由詩很容易被改編成歌曲。基本和絃很適合，I - IV - V 進行和 iv - IV - V - I 和絃都適用。

流行歌曲形式

流行音樂有幾種常用的形式。這些形式通常由四個 8 小節的樂句組成，構成典型的 32 小節形式。通常，這整個 32 小節就是一個副歌。

A-A1-B-A (三部曲) 是最著名的形式。副歌通常在 A 部分，這使得它可以重複，將副歌深深地印在聽眾的腦海中。副歌是歌曲中令人難忘、朗朗上口的的部分，可能包含以下一項或多項：標題、音樂短語、Riff 或製作效果。在 A1 部分，歌曲通常透過新增新的樂器或以其他方式提高能量水平來發展。B 部分，通常被稱為過渡段，是一種音樂（通常也是歌詞）上的對比。

示例：彩虹之上、昨日、你就是這樣的、我會怎麼辦、不亂來、隨著時間的流逝。

A-B-A-B (二元主歌/副歌) 由 8 小節的 A 作為主歌，接著是 8 小節的 B 作為副歌。第二部分作為重複部分，在旋律、和聲或兩者上略有不同。

示例：物質女孩、“日出日落”。

A-A-B-B (二元): 8 小節的 A 樂句，接著是它的重複，然後是 8 小節的 B 樂句，接著是它的重複。重複可能或可能沒有變化。

示例：E 小調佈雷舞曲

A-B-A-C：提供 B 段的變奏，並重復 A 段，並在 C 段中加入新的結尾材料。
A-B-C-D：每個樂句都以新的旋律材料提供變奏。這種形式較為罕見，因為它需要聽眾更多地關注，並且減少了透過重複來強化主旋律的機會。

另一種流行的形式，12 小節布魯斯，也很常見。請參見音樂理論/布魯斯瞭解 12 小節布魯斯形式的多種型別。

歌曲創作“工具箱”

一些有幫助但並非必需的要素

歌曲創作的天賦。顯然，如果你在這方面有天賦，你就會領先一步。有些人天生就是優秀的詞作者。創作對他們來說就像呼吸一樣自然。而有些人渴望創作，甚至為此感到痛苦，但他們卻無法創作出打動人心的作品。我們大多數人介於兩者之間……相當不錯的詞作者，可以從學習歌曲創作技巧中獲益。（那些天生有天賦的人很可能不會出現在這裡，對於“沒有天賦”的人來說，你其實只是沒有練習。經驗比天賦更有用，你會學習到所有錯誤的方式，這實際上會讓你更好地理解歌曲創作的技巧，而不是“幸運”地創作出好作品，卻不知道為什麼以及如何從那裡擴充套件。）
絕對音高。當然，這是一個有用的工具，但並非必需。（更常被稱為“完美音高”，是指能夠辨別和識別演奏的音高、音符或和絃的能力。這是一種與生俱來的天賦。同樣有用且相似的工具是“相對音高”，即能夠從已知起始音高辨別和識別音程和和絃的移動的能力。同樣，你會獲得更多音樂知識，例如音階度數和和絃傾向性，這些知識如果你有完美音高是不會“擁有”的。經驗總是更好，天賦只會讓你在開始時佔有優勢，同時也會阻止你真正學習正確的方法（走捷徑）。）
一定的創造力。“大多數人看到太陽下山，我看到山峰升起。”
對詩歌寫作的良好理解。（儘管如果你聽聽現在的流行歌曲，你會發現它們經常缺乏形式或押韻。選擇超越，繼續創作有意義的音樂，這是你的方法，也是你與任何聽你歌曲的人分享自己或資訊的機會。不要浪費它在物質化的女人和幻想的毒品上，除非這是你的意圖，是嗎？）
唱歌或演奏樂器的能力。（許多富有的詞作者實際上什麼樂器都不會演奏……演奏你創作的音樂當然很有用且充實，但完全可以在不聽到音樂的情況下創作歌曲。以貝多芬為例。他失聰時創作了 26 部交響曲。另一個選擇是走電子路線，就像許多現代藝術家使用軟體，可以讓你單獨精確地輸入音符/和絃/任何東西，然後播放出來。）
與其他詞作者合作。（總的來說，學習和成長為音樂家的最佳方法是與他人合作和演奏，這與獨自演奏是完全不同的層次，通常也更有趣）
多軌錄音機（卡帶四軌、電腦程式、智慧手機應用程式等）
錄音機，用於錄製聲音。
音樂理論。雖然如今世界上最偉大的歌曲中有一些是由那些對音樂一無所知的人從內心創作出來的，但如果一個人想以某種風格演奏，那麼他們也應該遵循這種風格。例如，如果他們要以布魯斯風格創作一首歌曲，無論歌曲的內容是什麼，他們都應該不要偏離 12 小節布魯斯太多。（任何對音高和音高關係有一點耳力的人，只要花一點時間，就能創作出一些音樂，理論可以讓你理解為什麼事情奏效，以及如何最好地實現某些效果，除了理解如何發展音樂想法之外，而不是猜測/實驗直到找到你想要的。很多新穎有趣的想法可以透過這種方式發展，你應該做一些嘗試，但瞭解一些基本的理論可以加快這個過程，並有助於防止因“卡住”而感到沮喪。）
來自經驗豐富的詞作者/音樂家的素材你不必聽任何其他人的音樂來創作自己的音樂，但沉浸在其他有才華的人的作品中，對獲得靈感、瞭解已經被證明有效的方法以及獲得動力都有好處。

絕對不必要的要素

樂器上的精湛技巧。
美妙的歌喉。（你絕對不必唱得好，但至少要培養能夠在音調和音高上準確唱歌的能力。如果不會唱歌，哼哼或吹口哨也可以。能夠在沒有任何額外材料的情況下，用自己的身體在任何地方試驗音樂想法或原型，是非常有用的。你甚至可以記錄這些想法，以便在靈感來臨時儲存以備後用，這也是鼓勵的。最後，與一首歌曲一起唱歌詞或音高，可以讓你與歌曲建立有機的聯絡，並幫助你更好地理解分析中的內容；而唱和聲或低音部分可以擴充套件你的創造力，讓你在簡單的想法中新增深度，而不僅僅是樂趣。）

必需要素

與主題的親密而重要的關係。
對目標受眾的敏感精神。
耐心。（有時你會遇到障礙或卡殼。要克服它們。）
一份薪酬工作或正常的教育。（不要指望很快就能簽下唱片合同，老兄。）

成為一名有效的詞作者

你需要了解你的主題，這是至關重要的。畢竟，討論你不瞭解的主題是最困難的——並且要儘可能地進行研究，瞭解主題。

寫你所知道的。如果你的歌曲對你沒有意義，它們可能對其他人也沒有意義，你對主題的缺乏瞭解和你對它的缺乏熱情會顯露出來。

主要以表達你自己的感受的方式寫作，誰比你更瞭解你的感受呢？

努力擴充套件你的詞彙量。雖然某些短語可能非常有意義，但可能有一些詞語更適合你想要創造的意象。另外，如果可能，嘗試“沉浸”在主題中。

你需要脆弱；要想成為一名優秀的詞作者，你必須在寫作中保持脆弱。如果你隱藏，歌曲也會隱藏。對於詞作者來說，沒有安全的天堂。如果你選擇規避風險，不冒險，你的歌曲就會充滿陳詞濫調，膚淺乏味。

你需要練習，你需要堅持；是的，有時，詞語和旋律會自然而然地流淌出來。但大多數時候，歌曲創作都是艱苦的工作。歌曲創作需要努力、練習、導師、學習、勤奮和投入。我們應該致力於發展自己的寫作技巧。

不斷練習、唱歌和寫作。每天寫點東西，即使你想到的東西最初聽起來很俗套。你可以修改它，以後把它變成好作品。無論內心有什麼音樂衝動，都會流露出來。

歌曲的重要元素

歌曲最重要的方面是“易唱性”。

歌詞的重音音節是否與音樂的重音節拍相匹配？（如果你先寫歌詞，如前所述，這個問題就不那麼重要了。）
你想要強調的詞語是否用較長的音符演唱？（較高的音調或對比音調也能更好地吸引人們對一個詞語的注意，而較低的音調可能會在音樂的其餘部分中消失，或重複的音調通常不會產生音樂興趣，除非以特定方式使用）
它是否擁有流暢的旋律？（偶爾的跳躍或斷奏，如果運用巧妙，是完全可以的，而且會增加興趣）
音程是否容易演唱？（通常，2 度、3 度、4 度、5 度和八度音程最容易演唱。）
旋律是否得到了和絃進行的支撐？
旋律是否處於大多數人能夠演唱的音域內？（通常，不要低於 A；不要高於 D。）（什麼 A？什麼 D？有八度音程存在。如果你想要一首頌歌，這一點很重要，但如果你的音域非典型，或者你的音域大於平均音域，不要覺得你不能展示它。人們喜歡跟著歌曲唱歌，但人們也喜歡被感動，並欣賞才華/能力的展示）
它是否過於冗長？太多的詞語會讓人難以集中注意力於主題。
一個主題：專注於“核心思想”。
重複：這使歌曲更容易被會眾記住和背誦。（並且可能很無聊。很多音樂並不重複，再說一遍，你是想要一首頌歌，還是一些私人的東西？）
意象：它是否捕捉到了意象？它是否描繪了你對特定時刻特定情況的感受？
自身一致：旋律是否“表達”與歌詞相同的意思？儘量避免將歡快的歌詞與憂鬱的旋律搭配在一起。當然，這是可以做到的：例如，Asaki 的歌曲就是一個很好的例子（它們有憂鬱的，但卻是慶祝的歌曲）（悄悄說一句，先寫歌詞通常會更容易做到這一點）
它是否“朗朗上口”？：它是否擁有創造性的和絃進行？它是否擁有有趣的押韻方案？它是否擁有創造性的旋律？它是否擁有頭韻？

建立聯絡

歌詞可以說是歌曲中最重要的部分。要清晰。觀眾理解你在說什麼至關重要。如果沒有...它可能和純器樂演奏一樣。（人聲是一種樂器，許多音樂家把它當作樂器來使用，專注於音節的音樂性而不是清晰的詞語... 聽聽貝魯特的扎克·康登，他一半時間都說不清他在說什麼，但聽起來真的很不錯。還有很多歌唱風格會扭曲聲音，比如在更硬核的音樂中咆哮和尖叫。）
它是否使用了集會的語言？如果是針對年輕人，它是否“有節奏”？如果是針對孩子們，它是否快樂？
它是簡單的“ABC搖滾”，還是70年代的“藝術搖滾”？
它是為一小群人還是一大群人準備的？它可以由你選擇的陣容演唱嗎？
是否有長時間的停頓，可以用主奏樂器填充？
可以增加一些停頓，讓你的節奏“休息”一下嗎？

簡潔

簡單的意象像一把鋒利的刀子一樣深深地切入。初學者寫歌最常見的錯誤之一就是試圖說太多。最簡單的歌通常是最有力的。

複雜的“程式碼”寫作，聽起來像是某個地方的其他好歌，並不能奏效。許多作者在模糊或複雜的歌詞背後尋求安全感。（許多聽眾也喜歡解讀這些歌詞的含義。你想做什麼就做什麼。）

如果你試圖在三分鐘或更短的時間內表達你對生活中所有事情的感受，你會失去觀眾。現在，展示你對一件事的感受，更有力。

一旦你在寫歌方面積累了相當多的經驗，你可能會決定在你的作品中加入一些象徵主義、比喻或反諷的元素。一首有幾層的歌會變得越來越有趣；如果這首歌比第一次聽到的更豐富，它會保持新鮮感。

激發創作靈感

安靜時間：富有表現力的歌曲和歌詞的關鍵是個人安靜時間。

冥想是一種非常有效的方法。沒有什麼比你的內心聲音更具有創造性的表現力了。內心聲音既可以流動，也可以被塑造：你可以讓想法湧現，也可以改變它們。它通常在你平靜內心的時候出現。當你向你的內心聲音敞開心扉時，就更容易聽到、抓住和塑造想法。

困難與毀滅 從改變人生的個人經歷中汲取教訓。

這在民謠風格的歌曲中很重要，比如布魯斯和鄉村音樂。帶有積極結局的負面故事可以非常鼓舞人心。憤怒的歌詞可以成為聽眾所需要的宣洩。

頭腦風暴 如果你是一個音樂家，就坐在你的樂器前，盡情演奏。

如果你是一個作詞者，就寫下或唱出腦海中浮現的一切。即使是看似枯燥乏味或奇怪的歌詞，也要寫下來，開啟你的心扉，去感受更有趣和熟悉的歌詞。重要的是，至少要考慮腦海中出現的每一件事。你可以在以後重新修改和塑造歌詞，因為它會變得越來越清晰，你想要說什麼或者你意識到你本來可以說什麼。

這只是一種感覺嗎？ 那就跟隨你的感覺——不要尋找其他任何東西。

把這些感覺用文字和音樂表達出來。要麼你必須尋找與感覺相匹配的情境，要麼尋找與詞語相匹配的感覺，要情感飽滿：寫各種情感的歌曲，但要意識到哪些情緒不適合，如果你認為你的型別非常嚴肅，就不要寫有趣的東西。

你只有一段旋律嗎？ 唱點什麼，任何東西，都可以。

把音符顛倒過來：嘗試把第二個音符作為五度，然後作為四度和三度。看看什麼有效。記住，越熟悉的東西聽起來越好，所以你要嘗試你寫下的任何新旋律幾次，然後再扔掉它。

這只是一個想法嗎？

單一的想法是寫歌的一種有力方式。這種感覺通常已經暗示出來了。一個有趣的故事、擬聲詞或擴充套件推理或比喻，可以很容易地圍繞一個簡單的想法寫成，只要花足夠的時間。你對每一個短語、詞語和聲音所產生的每一個細微的想法都很重要。不要害怕嘗試任何出現在你腦海中的東西。利用從改進想法中獲得的滿足感，繼續改進你的想法。

- 頭腦風暴——寫下腦海中出現的每一個相關想法，

永遠不要把任何東西扔掉。鮑勃·迪倫在他的著名採訪中與更高的力量達成了協議，他說如果一首新歌沒有出現，他就會繼續寫其他的歌。在另一個關於迪倫的歌曲《迷失在藍色中》的採訪中，他說他花了數年時間把不同的女人嫁接到一個角色中，所以有時要繼續前進，但要保留每一個想法，以便在某個地方使用。

- 寫下你的想法和歌詞，並始終錄製歌曲的草稿。

聽錄音。整首歌曲是否有一條貫穿始終的線性線索？還是像這個維基百科一樣：許多獨立的想法在同一個標題下的拼湊？是否有任何短語不太通順？你能用另一個短語來代替它嗎？是否有任何你感到反感的地方？你在關於撲克的歌裡談論你的鬆餅嗎？

- 大聲朗讀你的歌詞。

是否有任何笨拙的詞語組合？是否有任何詞語非常有力量，但大聲朗讀起來卻不像那樣？這個強大的意義是什麼，你能直接寫出來嗎？

- 主題是普遍的，還是如此個人化，以至於只有你才能理解它的含義？

記住，主題是細節背後的普遍意義，比如愛、勇敢、善、惡等等。總有一個主題，你只需要保持一致即可。

你有一個很棒的和絃進行嗎？ 如果你能接觸到鋼琴，就用左手彈和絃，用右手即興創作旋律。

實際上，簡單的好的進行的數量是有限的，而且它們都被寫過了，這解釋了為什麼你寫了那首非常酷的歌，然後意識到你從某人那裡借鑑了它，他們也“借鑑”了它，因為幾個世紀前，我們已經用光了“新的”簡單和絃進行，而更復雜的進行實際上是簡單進行的組合。

或者...你只是想發財嗎？

好吧，不要浪費時間在音樂上；還有很多其他職業，它們的收入比 99.99% 的音樂家要高得多。即使是許多聲稱很富有的音樂家也從未賺過一分錢，因為他們在製作、巡演和發行上花費了太多錢。如果你想發財，那就去看看任何需求量很大的職業。是的，你可以透過音樂成為百萬富翁，但是數一下熱門歌曲的數量，然後想想寫過的歌曲的總數，然後想想有多少熱門歌曲是有利可圖的。此外，即使你寫了一首熱門歌曲，你如何獲得成為百萬富翁所需的全國觀眾？唱片公司現在甚至不聽投稿了。在你花了數年時間懇求朋友來看演出，甚至不聽你的完美作品之後，你必須不懈地巡演。然後想想每個人都有自尊心，你的歌不像一開始看起來那麼好。實際上，成功取決於你是否能夠開啟你的自尊心，除非你碰巧是某個社會運動的一部分，否則沒有人會真正傾聽。一個關於自尊心的練習是，把你最喜歡的歌的前兩行拆開，然後拆開你最好的歌的語言和詩歌。即使是開放接受更好的寫作也不能保證成功，有無數的歌曲作者在他們去世多年後才被人們認為是偉大的作家，但在他們有生之年卻無人知曉。

- 這並非完全不可能。只是幾乎不可能。

如果你僅僅為了發財而創作歌曲，你很可能會感到非常沮喪。我們無法控制別人如何接受我們創作的東西。如果你試圖改變自己以適應你認為他們想要的東西，你永遠不會滿意，他們也不會滿意。但同時，如果你不願意改變你的歌詞，讓它們更有意義，因為某種無形的崇高感覺，那麼你可能是在欺騙自己，你的成功取決於聾子的耳朵。

關於原創性的一句話...

作為歌曲作者，我們不必重新發明輪子；我們只需要以我們自己的方式旋轉它。當作曲家沒有傾聽他或她自己的音樂聲音時，他或她就無法保持原創性。作曲家經常重新創造潛意識中深處的旋律、和聲和節奏編織。最初這並不成問題，因為所有的音樂都必須從某個地方起步。我們必須能夠把它帶到一個新的地方...一個對我們對這種風格的“理解”來說是原創的地方。有時作曲家在一首歌上獲得了成功，卻發現它已經被寫過了。

或者，歌曲作者經常使用相同的（或類似的）眾所周知的旋律。例如，《月夜花》和《翼》都是基於古典鋼琴曲《綠色的霧靄》。然而，透過對旋律的變化（一個是更戲劇化的，而《翼》則更歡快），以及不同的歌詞，它們成為了兩首截然不同的歌曲。儘管如此，在使用他人的旋律時，我們應該非常謹慎，尤其是在發達國家，這些國家通常擁有最嚴格的版權法。

音樂中最常重複使用的一部分是和絃結構。和絃的數量是有限的，幾個世紀以來，人們發現了許多最自然令人愉悅的和絃變化。你可以演奏大約一百萬首歌曲，它們都具有 C 調的和絃進行：C - Am - F - G，或者順序的某些變奏（C - F - Am - G）。只要你有自己的音樂想法，從這些和絃開始構建，你的歌曲就會獨一無二，就像其他的百萬首歌曲一樣。這為真正地透過創造性地使用其他和絃使你的歌曲脫穎而出提供了絕佳的機會。不要把自己侷限於一個調或一組進行，一些最有趣的音樂使用了離調（非自然）和絃或半音變化，以及模態交換。所有這些都是更高階的音樂理論，但當你厭倦了聽你總是聽到的相同的進行時，它是值得努力的方向。你也可以用相同的進行在不同的調上演奏：例如，在 Bb 調上的 I - vi - IV - V 將是 Bb - g - Eb - F。這些是不同的和絃，但它將具有與之前相同的“感覺”，因為它具有相同的張力構建和釋放模式。然而，它會改變音調和音域（確保它是你能實際演奏或演唱的調），這可以營造更明亮或更黑暗的情緒，並在歌曲中間改變調可以非常有效，如果做得恰到好處，除了讓你的歌曲更有獨特的標識外，還可以為你的歌曲增添獨特的標識。

結論

當你認為一首歌曲準備好了要與團隊分享時，可以找一些客觀成熟的朋友來進行誠實的批評。不要害怕完善它，認真考慮他們的意見。
專注於過程，而不是結果。目標固然重要，但更重要的是每天做一些讓你開心的事。為了達到某個“位置”而多年的匱乏和犧牲，往往等同於多年的匱乏和犧牲。“位置”永遠無法成為足夠的補償。問問那些在你想要到達的“位置”上的人就知道了。
如果你足夠強大，你可以在你創作的歌曲中找到自己的身份，就像詩歌一樣。

對於學習寫作的人來說，節拍並不是完全理解的概念。簡而言之，歌曲中的節拍就是每個音符的度量。研究優秀的作家，看看他們在每個詩節中插入對比部分，避免任何可能出現的節奏單調。

風格參考