有效歌曲創作

"歌曲作者和詩人患有相同的疾病......他們都認為自己有話要說。"

以下陳述中有哪一項描述了你？

"我每天的大部分時間都在思考如何寫歌。"
"我閱讀經文，然後想......這些一定是歌曲的歌詞。"
"我會記下我聽到的有趣的話語。"
"我在寫歌和嘗試寫歌方面投入了大量精力。"
"我看到我周圍散落著各種各樣的歌曲片段，這讓我感到很瘋狂。"
"我去參加由以寫歌為生的人舉辦的歌曲創作研討會。"
"我花時間與其他歌曲作者在一起。"
"我閱讀關於歌曲創作的書籍。"
"我認為我是一個歌曲作者。"
"我沉迷於歌曲。"
"我有時會對歌詞感到憤怒，然後順其自然。"
"當我寫完一首歌時，我會有一種強烈的滿足感。寫作很難，但我總是在挑戰自己盡力做到最好。有時我覺得歌曲創作應該叫做歌曲重寫，因為我花了很多時間重寫，直到歌曲正確為止。"

如果這些陳述總體上描述了你，那麼繼續閱讀，我們將討論"有效歌曲創作"。

音樂和歌詞來自內心。這不是你可以輕鬆完成的事情。歌詞是從你生活中發生的事情中創作出來的，例如 - 前任戀人、現在、夢想或日常生活。你一生中所有的不同經歷都可以寫成歌曲，只要你認真思考。

歌曲的機械元素

對於初學者來說，瞭解歌曲的各種元素可能會有所幫助。以下是幾個定義

小節 (拍子): 一段特定時間，定義為給定數量的給定持續時間的節拍。
旋律: 一首歌中可以單獨演唱的部分，使歌曲可以識別；“主旋律”。旋律的元素包括
- 主題: 一組簡短的音符
- 樂句: 兩個主題組合起來
- 樂段或句點: 兩個樂句組合起來
- 樂節: 一組樂段
- 序列: 一個旋律樂句，重複但被轉調
和聲: 與旋律線相輔相成或支援旋律線的音符。這些音符可以演唱或演奏。在音樂理論中，它們被描述為垂直結構。如果使用和絃進行格式，應該根據進行來確定歌曲的和聲，只做一些細微的改變。
節奏: 歌詞演唱時的節拍模式。有兩種版本：傳統版本，每個音符都按所示播放，以及“搖擺”版本，用於布魯斯和爵士，例如，兩個半拍“bomp-bomb” (有點像心跳)。對搖擺的更技術性的定義最好使用八分音符來描述。與其“直拍”或在強拍和弱拍上演奏，不如延長強拍的八分音符，在較慢的節奏中可能停頓一下，然後快速演奏弱拍的八分音符。這是透過形成兩個三連音 (假設是 4/4 或“普通拍子”) 並演奏三連音中的第一個音符，第二個音符為靜音或“休止符”，並演奏第三個音符。搖擺可以在慢節奏中創造一種悠閒的、慵懶的感覺，在較快的節奏中可以產生推動音樂前進的驅動力。在極快的節奏中，它可能變得技術上不可行，或者導致失去脈衝/節拍，但這主要只在電子音樂形式中是一個問題。
速度: 歌曲的速度，以每分鐘節拍數 (BPM) 衡量。較高的 BPM 數表示速度更快，而較低的 BPM 表示速度更慢。
拍號: 4/4、2/4、2/2、3/4、6/8 等。上面的數字與小節/拍子中的節拍數相關，下面的數字與小節中音符的值相關。即 4/4 = 小節中包含四個四分音符。6/8 = 小節中包含六個八分音符。

不同的拍號可以提供不同的節奏感覺，具體取決於節拍的強調。4/4 是一種非常標準的感覺，適合被稱為“普通拍子”的拍號，而 6/8 最常以 2/4 的形式演奏，節拍被分成三個相等的部分，形成三連音或“帶點的四分音符感覺”，並且“有彈性” (它常見於許多愛爾蘭/凱爾特舞蹈/吉格曲以及“海軍”/水手音樂，如民謠)。更復雜的音樂可以包含“奇怪的”、不常見的拍號，如 7/8，它在歌曲之間變化很大，但每個小節中不均勻的節拍數創造了不均勻的節奏模式。7/8 中的一個例子可以這樣計算：1-2、1-2、1-2-3 (強調放在 1 上)，並且感覺就像 3/4，但第三拍被延長了。不同的八分音符分組和強調用於改變感覺。

通常，每首歌都包含以下部分

前奏: 歌曲開頭簡短的器樂部分。
主歌: 歌曲中擁有自己旋律的部分，通常在引言之後出現，並在副歌之後再次出現。大多數歌曲有兩個或三個主歌，重複相同的旋律，但歌詞不同。主歌通常有大約八個小節，但傳統的十二小節布魯斯可能會使用十二個小節。
前副歌 (也稱為過渡): 一個簡短的部分，在主歌的基礎上進行擴充套件，通常引導至副歌。
副歌: 歌曲中具有不同旋律的部分，通常在主歌和橋段之後出現。副歌可能非常重複。
橋段或中段: 歌曲中與主歌和副歌不同的部分。橋段通常出現在主歌和副歌之間或兩個不同調的副歌之間的過渡期間；因此，它有時被稱為“橋段”。因為它通常有 8 個小節，所以它也被稱為“中段”，特別是在英國和歐洲。無論如何構思，它的主要功能是在整體結構的背景下為耳朵提供一種從主歌和副歌的重複性中“解脫”的感覺，提供一種新的視角。
副歌: 歌曲中重要的短語，令人難忘的主題。副歌通常在歌曲中重複多次。也稱為主題。
尾聲: 歌曲的結尾部分；通常重複副歌或歌曲中的重要部分。可能與副歌融合在一起。在傳統的西方音樂中，尾聲是音樂中與其他部分分離的部分，只有在指示時才會演奏 (寫成：to Coda)，通常只演奏一次，並且通常用作對包含重複迴圈 (如傳統的美國畢業歌曲《威風堂堂》或其他需要演奏不同持續時間的進行曲) 的歌曲的解決或結尾 (或其他創造性用途，或作為節省書面音樂中的空間/墨水的辦法)。

通常，從和絃 (或吉他弦) 序列中先創作一個旋律，你的歌曲將圍繞它而展開，這是值得的。為大眾創作的歌曲需要一個“副歌”。副歌可能僅僅是一個旋律結構，但也可能最好是旋律和一句巧妙的歌詞的結合。

例如，在著名的“丹尼男孩”或有時被稱為“德里之歌”中，“副歌”出現在旋律似乎試圖向前衝入副歌的地方，而歌詞“但請你回來”伴隨著和絃進行的衝動。

相反的過程，為歌詞配樂，要困難得多，在大多數格式中也效果不佳。 (為旋律配歌詞可能會導致一些“強迫”的歌詞或措辭，以適應旋律。在寫完歌詞後創作旋律可以讓你從歌詞的音節中形成基本的節奏結構，然後新增擴充套件和改變，以創造有趣的旋律變化。瞭解特定歌詞或部分的語氣也有助於你更好地匹配音樂情緒，以獲得更一致的感覺。許多人發現這些優勢很有幫助，而且這種創作方式絕不是錯誤的，也不是更難。歌曲創作是一個每個人獨有的過程，做最適合你的事。)

但也有一些情況，為歌詞配樂是更好的選擇......例如，一首押韻詩或有規律的韻律的自由詩可以很容易地改編成歌曲。基本的和絃非常適合，I-IV-V 進行和 iv-IV-V-I 和絃都很好用。

流行歌曲形式

流行音樂有幾種常用的形式。這些形式通常由四個 8 小節的樂句組成，構成了典型的 32 小節形式。通常，這整個 32 小節是一個副歌。

A-A1-B-A（三元）是最著名的。鉤子通常在 A 部分，這使得它可以重複，並將鉤子留在聽眾的腦海中。鉤子是歌曲中令人難忘、朗朗上口的片段，可能包括以下一項或多項：標題、音樂短語、即興演奏或製作效果。在 A1 部分，歌曲通常會透過新增新的樂器或以其他方式提高能量水平來發展。B 部分通常被稱為橋段，是音樂（通常也是歌詞）上的對比。

例如：《彩虹之上》、《昨日》、《就這樣愛你》、《我會怎麼做》、《別耍賴》、《時光流逝》。

A-B-A-B（二元詩歌/合唱）由八小節的 A 作為詩歌，接著八小節的 B 作為合唱組成。第二部分充當重複，在旋律、和聲或兩者方面略有不同。

例如：《物質女孩》、《日出，日落》。

A-A-B-B（二元）：一個 A 短語持續 8 小節，接著重複，然後是 B 短語持續 8 小節，接著重複。重複可能會有變化，也可能沒有變化。

例如：《E 小調佈雷舞曲》。

A-B-A-C：透過 B 短語提供變化，並透過 C 短語中新的結束材料重複 A 短語。
A-B-C-D：每個短語都透過新的旋律材料提供變化。這比較罕見，因為它需要聽眾更多地關注，而且透過重複來突出鉤子的機會更少。

另一種流行的形式，12 小節布魯斯，也很常見。有關各種 12 小節布魯斯形式的資訊，請參閱音樂理論/布魯斯。

歌曲創作“工具箱”

一些有幫助但並非必需的東西

歌曲創作天賦。顯然，如果你在這方面有天賦，你將領先於他人。有些人天生就是優秀的作家。這就像呼吸一樣自然。另一些人則非常渴望寫作，以至於快要崩潰了，但他們想不出任何能打動人的東西。我們大多數人處於兩者之間……相當優秀的作家，可以透過學習歌曲創作技巧來提升自己。（那些天生有天賦的人很可能不會出現在這裡，對於“沒有天賦的人”，你實際上只是缺乏練習。經驗比天賦更有用，你將學會所有錯誤的做事方式，這實際上會讓你更好地理解技巧，而不是“幸運”地創作出好的東西，但不知道為什麼以及如何擴充套件。）
絕對音高。當然，這是一個有用的工具，但不是必需的。（更常見的是被稱為“完美音高”，指的是能夠透過名稱辨別和識別演奏的音調、音符或和絃。這是一種你天生就有或沒有的天賦。一個同樣有用且類似的工具是“相對音高”，指的是從已知的起始音高辨別和識別音程和和絃變化的能力。同樣地，你將獲得更多關於音樂知識的理解，比如音階度數和和絃傾向，這些是你沒有“完美音高”就無法獲得的。經驗總是更好，天生天賦只會給你一個起步優勢，同時也會阻止你真正地學習正確的方法（走捷徑）。）
一些創造性天賦。“大多數人看到太陽落下，我看到山峰升起。”
對詩歌寫作的深刻理解。（雖然如果你聽聽現在的流行歌曲，你會發現它們經常缺乏形式或押韻。決定超越並繼續創作有意義的音樂，這是你分享自己或與任何傾聽你歌曲的人分享資訊的方法和機會。不要把它浪費在物質化女性和幻想藥物上，除非這是你的意圖，對吧？）
能夠唱歌或演奏樂器。（許多富有的歌曲作者實際上不會演奏任何樂器……演奏你創作的音樂當然是有益且充實的，但完全有可能在沒有聽到的情況下創作歌曲。以貝多芬為例，他耳聾時創作了 26 首交響曲。另一個選擇是走電子音樂路線，就像許多現代藝術家一樣，他們使用軟體允許你分別準確地輸入音符/和絃/任何東西，然後播放出來。）
與其他作家的合作。（一般來說，作為一名音樂家學習和成長的最佳方式是與他人合作和演奏，這與獨奏完全不同，通常也更有趣）
多軌錄音機（盒式磁帶 4 軌、計算機程式、智慧手機應用程式等）
錄音機，用於錄製歌曲的聲音。
音樂理論。雖然今天世界上最偉大的歌曲中的一些是由對音樂一無所知的人創作的，但如果一個人想以某種風格演奏，他們也應該遵循這種風格。例如，如果一個人要創作布魯斯風格的歌曲，無論歌曲的內容是什麼，他們都不應該偏離 12 小節布魯斯太多。（任何對音高和音高關係有耳的人，只要花點時間，都能創作出音樂，理論讓你理解為什麼事情奏效，以及如何最好地實現某些效果，此外還讓你瞭解如何發展音樂想法，而不是猜測/實驗直到找到你想要的東西。很多新的、有趣的想法可以透過這種方式發展，無論如何你都應該做一些，但瞭解一些基本的理論會加快這個過程，並有助於防止由於“卡住”而導致的沮喪。）
來自經驗豐富的作家/音樂家的素材你不需要聽任何其他人的作品來創作自己的音樂，但沉浸在其他有才華的人的作品中，可以激發靈感，看到哪些已經被證明是有效的，以及獲得動力

永遠不需要的東西

樂器演奏的精湛技巧。
美妙的歌喉。（你絕對不需要聽起來很好，但至少培養能唱出調和糾正音高的能力是個好主意。如果不能唱歌，可以哼唱或吹口哨。能夠隨時隨地用自己的身體嘗試音樂想法或原型非常有用。你甚至可以記錄下這些靈感，以備將來使用，這也鼓勵你這樣做。最後，與歌曲一起演唱歌詞或音調，可以與歌曲建立有機聯絡，幫助你更好地理解分析中發生的事情；而演唱和聲或低音部分，可以擴充套件你的創造力，為簡單的想法增加深度，而不僅僅是好玩。）

要求

與你的主題之間親密而重要的關係。
與你的目標受眾相關的敏感精神。
耐心。（有時你會遇到障礙或卡住。堅持下去。）
一份有償工作或正常的教育。（不要指望很快就能簽下唱片合約，老兄）

成為一名有效的歌曲作者

你需要了解你的主題，這是必不可少的。畢竟，討論你不瞭解的主題是相當困難的——而且研究、儘可能多地瞭解主題

寫你所知道的。如果你的歌曲對你沒有意義，它們可能對其他人也沒有意義，你對主題的缺乏瞭解以及你對主題的缺乏熱情將暴露無遺。

主要以表達你自己的感受為主，誰比你更瞭解你的感受呢？

努力擴大你的詞彙量。雖然有些短語可能很有意義，但可能有一些詞更適合你想要創造的意象。此外，如果可能的話，試著“沉浸”在主題中。

你需要脆弱；要成為一名優秀的作家，你必須在寫作中保持脆弱。如果你隱藏，那麼歌曲也會隱藏。對於歌曲作者來說，沒有安全的避風港。如果你選擇安全行事，而不是直面風險，你的歌曲將充斥著陳詞濫調，膚淺而無聊。

你需要練習，你需要堅持不懈；是的，有時，詞語和旋律會自然而然地湧現出來。但大多數時候，歌曲創作都是艱苦的工作。歌曲創作需要付出努力、練習、導師、學習、勤奮和投入。我們應該把自己投入到寫作技能的提升中。

不斷練習、唱歌和寫作。每天寫點東西，即使你寫出來的東西最初聽起來很俗套。你可以修改它，並把它變成好東西。你內心任何音樂上的衝動都會爆發出來。

歌曲的重要元素

歌曲最重要的方面是“易唱性”

歌詞的重音音節與音樂的重音節拍匹配嗎？（如果你先寫歌詞，如前所述，這將不再是一個問題。）
你想要強調的詞語是用較長的音符演唱的嗎？（較高的音調或對比音調也能比較低的音調更好地突出一個詞語，較低的音調可能會在其他音樂或重複音調中丟失，重複音調通常不會產生音樂興趣，除非以特殊的方式使用）
它有平滑的旋律嗎？（偶爾的跳躍或斷裂，如果使用得當，是完全可以的，並且會增加趣味性）
音程容易唱嗎？（通常，2 度、3 度、4 度、5 度和 8 度最容易。）
旋律得到和絃進行的支援嗎？
旋律是否落在大多數人可唱音域內？（通常，不要低於 A；不要高於 D。）（哪個 A？哪個 D？八度音程是存在的。如果你想要一首雄壯的歌曲，這一點很重要，但如果你的音域非典型，或者你擁有高於平均水平的音域，不要覺得你不能炫耀。人們喜歡跟著歌曲唱歌，但人們也喜歡被震撼，並欣賞才華/能力的展示）
它是否過於冗長？太多詞語會讓人難以集中精力於主題。
一個主題：集中在“種子思想”上。
重複：這使歌曲更容易被聽眾記住和記憶。（並且可能變得枯燥乏味。很多音樂並不重複，再次強調，你想要一首雄壯的歌曲還是個人作品？）
意象：它是否捕捉到一個意象？它是否描繪了你在特定時間對特定情況的感受？
內部一致：旋律是否與歌詞表達相同的意思？儘量避免將歡快的歌詞與憂鬱的旋律放在一起。當然，可以這樣做：例如，Asaki 的歌曲就是一個很好的例子（他們的歌曲憂鬱，但充滿慶祝意味）（噓，先寫歌詞通常會更容易）
它是否“朗朗上口”？：是否有創意的和絃進行？是否有有趣的押韻方案？是否有創意的旋律？是否有頭韻？

建立聯絡

歌詞可以說是歌曲中最重要的部分。要清晰明瞭。觀眾理解你的意思至關重要。如果不是... 它可能和器樂曲一樣。（人聲是一種樂器，許多音樂家將其用作樂器，專注於音節的音樂性而不是清晰的詞語…… 聽聽貝魯特的 Zac Condon，他有一半時間都聽不懂他在說什麼，但聽起來真不錯。還有許多演唱風格會扭曲聲音，比如在更硬核的音樂中咆哮和尖叫。）
它是否使用了受眾的語言？如果針對年輕人，它是否“有節奏”？如果針對兒童，它是否快樂？
它是否只是簡單的“ABC-搖滾”，還是 70 年代的“藝術搖滾”？
它是否適合小型團體或大型人群？它可以由你選擇的陣容演唱嗎？
是否有長時間的停頓，可以用主奏樂器填充？
是否可以增加停頓，讓你的節奏“休息”？

簡潔

簡單的意象就像一把鋒利的刀子，可以切入內心深處。初學者詞作者最常見的錯誤之一就是試圖說太多。最簡單的歌曲通常是最有力的。

複雜的“程式碼”寫作，聽起來像是其他一些好歌曲，並不能奏效。許多詞作者在模糊或複雜的歌詞背後尋求安全感。（而許多聽眾則喜歡解碼歌詞的含義。隨你便。）

如果你試圖在三分鐘內表達你對生活中所有事物的感受，你會失去聽眾。表達你對某一件事物的感受，在此時此刻，更有力。

當你積累了相當的歌曲創作經驗後，你可能會決定在你的作品中新增一些象徵、隱喻或反諷的元素。一首有多層含義的歌曲會越來越有趣；如果這首歌比初聽時更耐人尋味，它將保持新鮮感。

激發創意

安靜時光：富有表現力的歌曲和歌詞的關鍵是個人安靜時光。

冥想是一種非常有效的方法。沒有比你的內心聲音更富有創造力的表達方式了。內心聲音可以流動，也可以被塑造：你可以讓想法湧現，也可以改變它們。它通常在你安靜思緒時出現。當你向你的內心聲音敞開心扉時，你更容易聽到、抓住和塑造想法。

困難和毀滅 從改變人生的個人經歷中汲取靈感。

這在民謠風格的歌曲中很重要，比如布魯斯和鄉村音樂。負面故事以積極的結果告終，非常鼓舞人心。憤怒的歌詞可以是聽眾尋求的釋放。

頭腦風暴 如果你是一位音樂家，就坐在你的樂器前演奏。

如果你是一位詞作者，就寫下或唱出你腦海中想到的一切。即使看似無聊或奇怪的歌詞也要寫下來，這樣可以開啟你的思維，讓你想到更有趣和熟悉的歌詞。重要的是，至少要考慮你腦海中想到的一切。你可以在以後重新編寫和重塑歌詞，隨著你越來越清晰地表達自己，你想要說什麼，或者意識到你還可以說什麼。

這僅僅是一種感覺嗎？ 那就跟隨你的感覺——不要尋找其他任何東西。

將這些感覺融入文字和音樂中。要麼你必須尋找與感覺相匹配的情境，要麼尋找與文字相匹配的感覺，要情感豐富：創作表達不同情感的歌曲，但要意識到哪些情緒不合適，如果你認為你的音樂型別非常嚴肅，就不要創作幽默的歌曲。

你只有旋律嗎？ 對它唱點什麼，任何東西都可以。

顛倒音符：嘗試將第二個音符作為第五個音符，然後作為第四個音符和第三個音符。看看什麼有效。記住，越熟悉的東西聽起來越好，所以你必須嘗試幾遍你寫的新旋律，然後再扔掉它。

這僅僅是一個想法嗎？

單一的想法是寫作的一種強大的方式。感覺通常已經暗示了。一個有趣的故事、擬聲詞、擴充套件推理或隱喻，都可以圍繞一個簡單的想法展開，只要你花足夠的時間。你對每一個短語、詞語和聲音的想法都很重要。不要害怕嘗試你腦海中想到的一切。利用從改進你的想法中獲得的滿足感來繼續改進你的想法。

- 頭腦風暴 - 寫下你腦海中想到的每一個相關想法。

永遠不要扔掉任何東西。鮑勃·迪倫在接受著名的“與更高力量的交易”採訪時說，如果一首新歌創作不出來，他就會轉向其他歌曲。在另一篇關於迪倫歌曲“迷失在藍色之中”的採訪中，他說他在歌曲上花費了數年時間，將各種女性嫁接到一個角色中，所以有時可以放棄，但要保留每一個想法，以便在某些地方使用。

- 寫下你的想法和歌詞，並始終錄製你的歌曲的草稿。

聽錄音。它是否貫穿整首歌曲有一條線性線索？或者它像這個維基頁面一樣：在一個主題下，許多不同的想法拼湊而成？是否有任何短語不太通順？是否有其他短語可以替換它？是否有任何讓你感到尷尬的地方？你是否在一首關於撲克的歌曲中談論你的鬆餅？

- 大聲朗讀你的歌詞。

是否有笨拙的一堆詞語？是否有任何詞語意義非常強大，但在朗讀時聽起來並不那麼強大？那強大的含義是什麼，你可以直接寫下來嗎？

- 主題是普遍的，還是如此個人化，以至於只有你才能理解？

記住，主題是細節背後的普遍含義，比如愛情、勇敢、善良、邪惡等。總有一個主題，你只需要保持一致。

你有一個很棒的和絃進行嗎？ 如果你有鋼琴，可以用左手彈和絃，用右手即興創作旋律。

實際上，簡單的優秀和絃進行的數量有限，它們都已經寫過了，這就解釋了為什麼你寫了那首非常酷的歌曲，然後意識到你從某個人那裡抄襲了它，他們也“抄襲”了它，因為我們幾個世紀前就用完了“新的”簡單和絃進行，而更復雜的和絃進行實際上是簡單和絃進行的組合。

或者……你只是想發財嗎？

那麼不要浪費時間在音樂上；還有很多其他職業，它們的薪酬比 99.99% 的音樂家賺到的錢都要多得多。即使是許多看似富有的音樂家也從來沒有賺過一分錢，因為他們在製作、巡迴演出和發行上花費了太多錢。如果你想發財，那就看看任何需求量很大的職業。是的，你可以從音樂中成為百萬富翁，但統計一下熱門歌曲的數量，然後想想寫過的歌曲的總數，再想想其中盈利的熱門歌曲的數量。此外，即使你寫了一首熱門歌曲，你如何才能獲得成為百萬富翁所需的全國觀眾？唱片公司甚至不再收聽投稿作品。你必須在花費了數年時間懇求朋友來觀看你的演出，甚至不聽你寫的完美的歌曲後，無休止地巡迴演出。然後考慮每個人都有自尊心，你的歌曲並沒有你最初想象的那麼好。實際上，成功取決於你開啟你的自尊心，除非你恰好是某個社會運動的一部分，然後就沒有人真正傾聽你的聲音。一個關於自尊心的練習是，取你最喜歡的歌曲的前兩行，分解它，然後分解你最好的歌曲的語言和詩歌。即使你敞開心扉，寫出更好的作品，也不能保證成功，有無數的詞作者在他們去世多年後才被認為是偉大的詞作者，但在他們有生之年卻無人問津。

- 這並非完全不可能。只是幾乎不可能。

如果你創作歌曲只是為了發財，你很有可能會非常沮喪。我們對他人如何接受我們創作的東西幾乎沒有控制權。如果你試圖改變自己，以適應你認為他們想要的東西，你永遠不會滿意，他們也不會滿意你。但同時，如果你不願意改變你的歌詞，為了讓它們更有意義，因為某種無形的崇高感覺，那麼你可能是在欺騙自己，而你的成功取決於聾子的耳朵。

關於原創性的一句話...

作為詞作者，我們不必重新發明輪子；我們只需要用自己的方式旋轉它。當作曲家沒有傾聽他或她自己的音樂聲音時，他或她就無法成為原創。作曲家經常重新創作潛藏在他們潛意識中的旋律、和聲和節奏織錦。最初這沒有問題，因為所有音樂都必須從某個地方開始。我們必須能夠把它帶到一個新的地方……一個對我們對這種風格的“詮釋”來說是原創的地方。有時，作曲家創作了一首成功的歌曲，卻發現它已經被寫過了。

或者，詞作者經常使用相同（或類似的）著名的旋律。例如，“月光花”和“翅膀”都是以古典鋼琴曲“綠色的薄霧”為基礎的。但是，透過對旋律的改變（一個是更戲劇性的，而“翅膀”更歡快），以及不同的歌詞，它們成為了兩首不同的歌曲。不過，在使用他人的旋律時，應該非常謹慎，特別是在發達國家的國家，這些國家通常擁有最嚴格的版權法。

音樂中最常被重複利用的部分是和絃結構。和絃的數量是有限的，幾個世紀以來，人們已經發現了許多最自然悅耳的和絃變化。你可以演奏大約一百萬首歌曲，它們都具有 C 調的和絃進行：C - Am - F - G 或一些順序的變化（C - F - Am - G）。只要你擁有自己的音樂理念，從這些和絃中發展出來，你的歌曲仍然會是獨一無二的，就像其他一百萬首歌曲一樣。這提供了一個絕佳的機會，可以透過創造性地使用其他和絃來使你的歌曲脫穎而出。不要侷限於一個調或固定的進行，一些最有趣的音樂使用了離調（非自然）和絃或音階變化以及模態互換。所有這些都屬於更高階的音樂理論，但當你厭倦了總是聽到同樣的進行時，可以朝著這個方向努力。你也可以用相同的進行演奏不同的調：例如，在 Bb 調中，I - vi - IV - V 將是 Bb - g - Eb - F。這些是不同的和絃，但它會與相同的緊張和釋放模式具有相同的“感覺”。然而，它會改變音高和音域（確保這是一個你可以演奏或演唱的調），這可以賦予歌曲更明亮或更暗淡的情緒，並且在歌曲中間改變調可以非常有效，如果做得得體的話，除了給你的歌曲更獨特的身份之外。

結論

當你認為你的歌曲已經準備好給樂隊聽的時候，把它給幾個客觀成熟的朋友聽，讓他們誠實地評論。不要害怕完善它，考慮他們的意見。
專注於過程，而不是結果。擁有一個目標是好的。更重要的是花時間做你喜歡的事情。多年來，為了到達一個“地方”而進行的剝奪和犧牲，大多數情況下等於多年的剝奪和犧牲。“地方”永遠不能彌補這些。問問那些在你想要去的“地方”的人吧。
如果你真的足夠強大，你可以在你寫的歌曲中找到你的身份，就像任何一首詩一樣。

節奏是學習寫作的人並不總是完全理解的東西，簡而言之，歌曲中的節奏是衡量每個音符的。研究最優秀的作家，看看他們在哪裡緩解了任何節奏單調的可能性，透過在每個詩節中插入對比部分。

風格參考