文化人類學/遊戲、體育和藝術

遊戲

兒童甚至成年人透過玩耍訓練他們的身體和大腦以應對現實生活中的情況。透過玩耍，兒童可以獲得和學習許多新技能，這些技能有助於他們的成長和發展，例如合作、決策，以及提高創造性思考和行動的能力。根據肯尼斯·R·金斯伯格的一份報告，“玩耍對健康的大腦發育至關重要。” [9]。大腦中神經細胞和神經元之間的模式和連線受到兒童參與的活動，例如玩耍的刺激和影響。應該鼓勵兒童玩耍，因為它對他們大腦的整體發展具有極大的建設性，並且有效地在大腦中形成新的連線。這種重要的發展影響著“精細運動技能和粗大運動技能、語言、社交、自我意識、情緒健康、創造力、解決問題的能力和學習能力”，這些都是兒童未來發展的重要基石。 因此，鼓勵兒童玩耍，並在整個生命中繼續玩耍。

玩耍還促使兒童以創造性和富有想象力的方式使用大腦。這不僅發展和加強了他們大腦中的連線，還使他們能夠體驗到許多他們可能無法體驗到的世界方面。這些“超凡脫俗”的體驗，可以說，可以透過兒童的創造性和想象力過程來實現，在這些過程中，他們經常在遊戲中創造虛構的或“假裝”的世界。這些遊戲允許孩子們一起玩耍和創造性地思考。心理學家桑德拉·希納博士這樣評價幻想遊戲：“我們應該鼓勵孩子這樣做，因為創造性思維者必須先幻想出想法，然後才能將這些想法變為現實。”

孩子們創造的遊戲通常有一套規則，玩家被期望遵守這些規則。這些透過玩耍進行的規則制定合作不僅教會孩子們如何有邏輯地想出想法和規則，還教會他們如何與他人互動、交流，以及理解如何社交和在群體中工作。研究還表明，“在自由玩耍中，孩子們傾向於根據性別和顏色將自己分成不同的群體”。 許多年來，大多數人類學家很少關注人類玩耍的重要性。直到最近，現代人類學家才意識到人類玩耍是一個重要因素，並且有必要對其進行研究，因為它對人類行為有著巨大的影響。玩耍的行為現在被人類學領域的許多人視為一種普遍的行為，並且對於理解人類文化至關重要。

兒童玩耍

美國兒童中的遊戲

在美國的學前教育體系中，玩耍得到了體現和鼓勵。在美國，父母通常會把孩子送到幼兒園，在那裡他們會與同齡的孩子互動，並學習重要的社交技能。鼓勵父母把孩子送到幼兒園，以便他們學習翫耍和互動的技巧，這些技巧在他們長大後融入社會時將成為重要的技能。幼兒園以及在這種情況下玩耍的概念對幼兒有益，因為它教會他們分享的生存技能，以及許多其他技能，如友誼、耐心和接受他人。 幼兒園不僅教會兒童必要的生存技能，而且對他們的健康也有益。例如，有特殊需要的兒童可以去幼兒園進行治療，例如發展精細運動技能、練習人際交往、進行創造性思考，最重要的是，有機會玩樂。許多專門為有特殊需要的兒童設立的學校採用了一種名為“地面時間”的技術，其核心是玩耍時間。與成年人進行一對一的玩耍時間是特殊需要的兒童探索特定興趣領域和發展自我價值感的絕佳方式，否則他們可能無法接觸到這些領域和價值感。

幼兒社交遊戲中的性別差異

兒童玩耍中的性別差異並非隨著時間推移而始終如一。對學齡前兒童的研究發現，女孩通常比男孩在更小的年齡發展出社會性和結構化的玩耍形式，然而，男孩則表現出更多的獨處玩耍。“在獨處玩耍中，孩子（年齡從三歲到十八個月）非常專注於玩耍，他們似乎沒有注意到附近有其他孩子坐著或玩耍。他們透過觀察、抓取和搖晃物體來探索他們的世界，並且經常花費大量時間獨自玩耍。獨處玩耍從嬰兒期開始，在蹣跚學步的兒童中很常見。這是因為蹣跚學步的兒童的社會、認知和身體技能有限。然而，所有年齡段的孩子都需要一些獨自玩耍的時間”。 [10] 在下一個發展階段，當合作玩耍成為主要焦點時，男孩通常會趕上女孩。女孩在社會玩耍方面具有優勢的原因有很多。玩耍涉及溝通、角色扮演和合作。女孩比男孩更早地獲得社會認知技能，例如語言和心智理論。在第一年內，女孩表現出更強的社會定向反應和麵部識別能力，以及更多的眼神接觸。這些技能轉化為與同伴的社交能力。另一個導致女孩的玩耍質量似乎更高的原因可能與性別玩具有關。一項研究表明，與玩中性或男性典型玩具相比，當男孩和女孩玩耍女性典型玩具時，他們的玩耍複雜性最高。[11]

成年後的活動

巴塞羅那派對上的成年人

在整個童年時期，玩耍對於兒童的文化習得至關重要。隨著人類成長為成年人，玩耍的概念似乎逐漸消失。具有內在價值的休閒活動對於身心健康、獲得人生的成就感以及整體幸福感至關重要。在應對壓力時，玩耍和休閒的重要性經常被忽視。壓力已被證明對從國民健康到經濟等各個領域都有負面影響。一項加拿大研究估計，每年因壓力造成的損失高達 120 億美元，43% 的美國人報告稱遭受與工作相關的倦怠。這些問題通常歸咎於美國缺乏休假時間，或者換句話說，缺乏休閒和玩耍。

當成年人有機會參與玩耍的活動，例如運動、愛好、跳舞或其他各種娛樂活動時，他們的生活質量會明顯改善。在吉姆·賴斯 (Jim Rice) 的文章“為什麼玩耍”中，他寫道，成年人經常覺得自己是時間的受害者，被迫將所有時間都用於生產性活動。大多數成年人沒有意識到的是，玩耍和休閒是有生產力的，因為它們對於整體幸福感至關重要，並且可以減輕壓力，從長遠來看，可以提高其他領域的生產力。成年人可以玩耍的一些方式包括進行戶外活動，例如遠足或划船，與朋友互動，或外出喝酒跳舞。

運動

運動是一種受規則約束的玩耍形式。在大多數情況下，它被認為是身體上的運動和競爭性的。在幾乎所有形式的運動中，競爭決定了勝者和敗者。身體運動量在不同運動專案中差異很大，例如高爾夫球與足球。運動往往包含玩耍、工作和休閒。體力消耗較少的運動形式往往構成玩耍，而體力消耗更多、對運動要求更高的運動往往充當運動員和運動隊老闆的工作。然而，運動通常以衝突為特徵，目標始終是讓一方對手或球隊獲勝。在一些文化中，衝突解決通常是目標。這種型別的玩耍，因為它由既定的規則定義，創造了一個虛擬世界，參與者可以在其中創造英雄、敵人、遭受痛苦和慶祝，而不會產生現實世界的影響。運動員和球隊不僅相互對抗，而且代表他們自己作為運動員和他們的球隊。

運動與文化

一名守門員在禁區內撲救了一記近距離射門

地圖顯示了足球在世界範圍內的流行程度

足球/足球

運動在不同文化中具有不同的意義。足球起源於歐洲，已有數千年的歷史。一些最早的形式被記錄為戰後儀式，他們用敵人的頭部代替球。在對巴西足球的研究中，珍妮特·萊弗 (Janet Lever) 博士發現，有組織的運動有助於政治團結以及對民族國家的忠誠。 在巴西，每個城市至少有一支職業足球隊。有趣的是，不同的球隊往往代表不同的文化群體，例如不同的經濟水平和種族。這在地方一級建立了忠誠度，但代表一個城市參加全國錦標賽的球隊將獲得該城市所有人的支援，從而在更大程度上建立政治團結。對球隊代表的支援給了人們認同感。他們對球隊的支援可以被視為對他們國家的支援。在世界盃錦標賽中更是如此，因為整個巴西團結一致地支援他們國家的官方球隊。巴西球迷喜歡吹噓“五星巴西”，因為他們是唯一一個五次贏得世界盃的國家；1958 年、1962 年、1970 年、1994 年和 2002 年。 足球將巴西團結在一起，但需要注意的是，運動並不總是創造團結。運動會在所有運動員中激發出好鬥和競爭的一面。它們還突出了不平等現象，例如男性和女性之間的性別隔離。巴西女性對足球的興趣遠不如男性，因此，她們在這一方面仍然與男性分開。（最後一句話可能並不完全準確，因為許多巴西女性是世界上最狂熱的足球迷。此外，巴西女子國家隊是這項運動中最成功的俱樂部。）

在塞爾維亞共和國，人們認為踢足球可以增強素質。這些方面包括侵略性、競爭性、身體力量、協調性、團隊合作、紀律和速度。這些都是與男性性別相關的品質。男性一起觀看比賽已成為一種常見的做法，他們會在家中、商店前等地方觀看比賽。女性不被歡迎參加這些聚會，通常會在比賽開始前被要求離開，或者被要求在比賽結束後才來。塞爾維亞文化中這種男性主導的方面與巴西發現的男性和女性之間的性別隔離相呼應。 足球突出的另一個不平等現象是上層社會和下層社會之間的差異。在整個 20 世紀，足球尤其受到窮人的喜愛。許多窮小子夢想著成為下一個貝利或羅納爾多，正因為如此，他們更加推崇國家足球文化。對足球的夢想是數百萬想要擺脫貧困的窮孩子的動力。在巴西人的生活中，足球文化的影響力往往大於政治或經濟。

美式足球

美式足球有許多在電視上廣泛轉播的比賽，每年都會吸引大量的觀眾。這些比賽包括超級碗，每年 2 月初都會吸引數百萬電視觀眾，以及大學橄欖球的多個 BCS（碗錦標賽系列）碗賽，這些比賽在新年前後舉行。

國家橄欖球聯盟 (NFL) 是一個組織，在美國各地擁有 32 支職業球隊。NFL 在全球範圍內越來越受歡迎。在 2008-09 年的 NFL 賽季，新奧爾良聖徒隊和聖地亞哥閃電隊在倫敦進行了常規賽，並且從那以後每年至少進行一場國際比賽。這樣做是為了幫助 NFL 變得更加全球化，並擴充套件比賽文化。足球是一項暴力運動，職業級別的撞擊通常以兩個出色的運動員全速衝向對方為特徵，他們佩戴的護具和頭盔消除了危險感。足球的侵略性是其受歡迎程度的主要貢獻因素，堅韌和毅力是其主要的優點。然而，科學研究揭示了球員晚年遭受的健康問題，包括 CTE 和痴呆症，這讓人們開始擔心，玩這項運動的負面影響是否超過了積極影響。

棒球

一名多明尼加共和國的年輕男孩在練習賽中與志願裁判爭論球和好球壞球。

這項全民運動已成為多明尼加共和國文化生活的中心，它將多明尼加人彼此聯絡起來，並將他們與加勒比海其他地區聯絡起來，已有100多年。^[15] 這個小小的加勒比海島嶼孕育了許多美國職業棒球大聯盟中最好的球員，那裡是美國職業棒球大聯盟的總部所在地，也是世界系列賽的舉辦地。職業棒球大聯盟的英雄人物，例如 薩米·索薩、佩德羅·馬丁內斯 和 大衛·奧蒂茲，都在多明尼加共和國的這項運動中取得了優異成績，以實現他們最終在美國職業聯賽中打球的夢想。由於多明尼加共和國是一個經濟貧困的國家，儘管大衛·奧蒂茲和其他球員回到這裡幫助推廣這些孩子，幫助他們實現夢想，並向他們展示他們可以使用棒球來體驗其他文化，同時玩著他們喜歡的運動，但小男孩和青少年都終其一生努力成為最好的棒球運動員。這種持續不斷的競爭是娛樂的重要來源，這就是為什麼棒球比賽是多明尼加文化的重要組成部分的原因。大多數女性被禁止參加這項運動。這條規則與其說是性別歧視，不如說是為了保護女性的安全，因為大多數多明尼加人認為棒球對女性來說是一項危險的運動，因為硬球可以在任何時間任何地點選中任何地方。儘管沒有法律禁止女性打棒球，但她們傳統上不會參與這項文化消遣活動。對於女性，她們創造了一項名為壘球的運動，類似於棒球，但球更大更軟。對於多明尼加共和國的男性來說，棒球不僅僅是一種很棒的愛好和彼此交流的方式，它也是他們努力成為最優秀運動員的機會。棒球一直是美國的重要組成部分，並且幫助塑造了歷史上的體育運動。隨著亞洲開始打棒球，美國接手並掀起了一場革命。^[16]

雖然符號和語言在各種體育運動中都有使用，但它們對於棒球運動絕對是必不可少的。在一場完整的九局棒球比賽中，球場上幾乎沒有片刻的完全寂靜。在美國文化中，三壘教練會使用某些手勢和手勢來傳達給擊球手執行的特定動作（揮擊、觸擊、接球等）。球員在場上的手勢和語音指令用於傳達位置變化、出局數以及關於擊球手通常擊球位置的提示。棒球中符號和手勢最重要的用途來自接球手，並指向投手。這些手勢是比賽中必不可少的方面，因為它們告訴投手接下來要投什麼球（曲線球、快速球、滑球等）。棒球中的指令來自球隊的不同成員（三壘教練、一壘教練、主教練、球員等），具體取決於比賽所在的文化和國家。例如，在美國文化中，擊球訊號來自三壘教練，接球訊號來自主教練。^[17] 正如棒球離不開球和球棒一樣，也離不開溝通、符號和手勢的使用。此外，棒球在美國是一種主流運動，與美式足球或足球等其他運動不同，棒球的比賽沒有計時器。這使球員能夠展示他們的技能，而不用擔心時間管理，從而創造出緊張的技巧展示。

籃球

在美國同樣流行的籃球，其全球影響力也在不斷增長。籃球由每隊五名球員組成，主要目標是透過將球成功地投進籃筐來得分。籃球在美國各地廣泛開展，受到男性和女性的歡迎。它也是世界上最受歡迎和最受關注的運動之一。

女子體育平等的鬥爭已經持續了多年。WNBA直到1997年才成立，但憑藉謝麗爾·斯伍普斯、辛西婭·庫珀、麗莎·萊斯利、黛安娜·陶樂西和坎迪斯·帕克等明星的加入，其受歡迎程度迅速提高。謝麗爾·斯伍普斯和辛西婭·庫珀率領休斯頓彗星隊在首屆四屆 WNBA 錦標賽中獲勝，併成為 WNBA 首個王朝。WNBA 越來越受歡迎，其觀眾數量已超過 NHL 和 MLB。第九條條款對 WNBA 產生了巨大影響，因為它幫助了大學籃球運動員，為她們提供了獎學金。除了美國，籃球在許多其他國家也很受歡迎。籃球在國家全球化中發揮了重要作用。美國在籃球世界中對全球化的影響最大，因為它擁有最大和最受歡迎的職業聯賽。NBA 是美國最大的職業籃球聯賽，並持續努力與世界各地的籃球聯賽進行互動。今年，NBA 希望透過讓 12 支球隊在 10 個不同的國際城市進行 10 場比賽，來繼續其全球化努力。NBA 希望透過在這些國家和城市舉行比賽，影響更多國際城市組建籃球隊和聯賽。^[18]

拳擊

拳擊是一項起源於古代格鬥的運動，在世界各地（包括美洲、歐洲和亞洲）都很流行。拳擊起源於史前時代，這項運動經過多年的發展，其受歡迎程度也經歷了起伏。在美國，目前有四個主要的拳擊認證機構：世界拳擊組織（WBO）、國際拳擊組織（IBF）、世界拳擊協會（WBA）和世界拳擊理事會（WBC）。拳擊的受歡迎程度因國家而異，因為它與該地區的文化相關聯。文化與拳擊有著密切聯絡的國家包括墨西哥、俄羅斯和美國，這些國家的大多數著名冠軍都來自這些地區。然而，許多職業拳擊界的名人設法成為跨文化的國際偶像，例如邁克·泰森、穆罕默德·阿里和羅伯託·杜蘭等等。雖然職業拳擊的收視率自 2000 年代以來有所下降，但業餘拳擊仍然是一項在各個文化中都很流行的運動，因為它是一項奧運會運動。

遊戲和電子競技

電子遊戲由於缺乏體力消耗，傳統上不被視為一項運動，但它們在主流中越來越受歡迎。電子競技是一種透過線上裝置進行的競賽形式，通常在家裡進行，但最近它們開始在競技場舉行。電子競技通常採用有組織的多人影片遊戲比賽的形式，尤其是在職業玩家之間進行。電子競技甚至在發達國家舉辦大型賽事和比賽，這些玩家會在這裡齊聚一堂，爭奪獎金。電子競技在美國、亞洲、歐洲以及最值得注意的是韓國最為流行。電子競技獎金可以超過 10,000 美元（團隊賽），個人賽獎金約為 6,000 美元。許多這樣的錦標賽甚至由 ESPN 等體育網路報道。 [12]. 除了現金獎勵外，玩家和戰隊還受到公司贊助，與納斯卡車手、職業單板滑雪運動員和美國足球隊一樣，贊助商包括雷蛇、紅牛、羅技、Geico 和怪獸能量等公司。反恐精英、英雄聯盟、Dota 2、守望先鋒、PUBG 和星際爭霸是主要的比賽遊戲。越來越多的遊戲加入了競技場，例如 Smash 和鐵拳等格鬥遊戲。

具體來說，在“多人線上戰鬥競技場”型別遊戲（MOBA）中，例如英雄聯盟和 Dota 2，它們自身的實踐類似於傳統體育的形象。2016 年的國際邀請賽獎金池為 20,770,640 美元。 1. 同年，英雄聯盟世界巡迴賽的觀看人數超過了同年超級碗的觀看人數。圍繞這些型別遊戲的社群創造了“電子競技”（電子體育）一詞，並獲得了美國政府的權利，可以為職業玩家發放體育簽證。MOBA 社群中的玩家通常會將自己的遊戲視為電子競技，然而，這種觀點並未得到公眾的認同。

然而，這是一個充滿艱辛的行業。在韓國，有抱負的職業玩家每天訓練 14 到 16 個小時並不罕見，而少數成功人士的收入遠低於全國平均水平。在韓國，頂尖職業玩家的年收入可以達到 35,000 至 40,000 美元，但小戰隊中的玩家平均年收入在 9,000 至 10,000 美元之間。也就是說，許多電子競技玩家無論是在團隊還是個人方面，都可以蓬勃發展，並擁有漫長而成功的職業生涯。此外，職業玩家通常會擁有漫長的職業生涯，具體取決於年齡組和遊戲型別。 [13].

參與體育運動的積極影響

參與運動有很多好處。它促進健康的生活方式、團隊合作機會、力量、毅力、領導能力和紀律。它還能增強在球場內外自信。所有這些都是幫助孩子們成長為獨立、積極個體的重要品質。有研究表明，特別是參與運動的少女可能會過上更安全、更富有成效的生活。^[19]

事實證明，運動員在學習方面取得更好的成績，並在標準化考試中表現更好。例如，游泳、網球和田徑是學術表現最好的運動之一。運動的習慣會延續到學習成績中。女孩們設定目標，幫助她們保持專注並與身心健康保持一致。教練和父母開始潛意識地對運動員形成期望，這會阻止他們參與不應參與的活動。

一項由 Russell R. Pate 博士、Stewart G. Trost 博士、Sarah Levin 博士和 Marsha Dowda 博士進行的研究發現，大約 70% 的男性學生和 53% 的女性學生報告他們在學校和/或校外參加了 1 個或多個運動隊；比率因年齡、性別和種族而異。與男性非運動參與者相比，男性運動參與者更有可能報告前一天食用水果和蔬菜，並且不太可能報告吸菸、吸食可卡因和其他非法藥物以及嘗試減肥。與女性非運動參與者相比，女性運動參與者更有可能報告前一天食用蔬菜，並且不太可能報告在過去 3 個月內發生性關係。

參與運動與數學和科學方面的成功聯絡在一起，這些科目傳統上由男性主導。對此的一種解釋可能是，運動幫助女孩抵制傳統上的性別模式，這些模式限制了他們在這些領域的堅持和競爭。為了探索這一點，我們將對比運動對男孩和女孩在被視為男性化（物理）和女性化（外語）的學術領域的影響。此外，我們將根據被稱為男性化或女性化的運動進行區分，以確定可能加強或挑戰傳統性別規範的活動。總體而言，參與運動產生了積極的影響。與同性別的非運動參與者相比，女孩更有可能學習物理和外語，而男孩更有可能學習外語。運動類別揭示了男孩和女孩之間不同的模式，其中男性化的運動與女孩的物理和男孩的外語相關，而女性化的運動僅與女孩的外語相關。這些發現證實了先前的研究，即運動可以改善學習成績，但表明運動並非產生統一的效果。雖然某些運動可能會抵消傳統的女性氣質並幫助女孩在男性化的領域中堅持，但其他運動可能無法提供相同的好處。（Crissey, S. R., Pearson, J. 和 Riegle-Crumb, C.“運動參與對學術成果的影響的性別差異”）

當高度參與運動時，整體健康也會成為重中之重。學習時間管理技巧是關鍵，因為每天都包括六個小時的學習、運動、家庭時間和作業，否則人體會筋疲力盡，無法發揮最佳狀態。當人們的身體狀況更好時，就會更有動力去培養持之以恆的健康飲食習慣。培養健康的飲食習慣可以讓人們有更多能量在運動和鍛鍊中表現出色，也有助於預防心臟病和糖尿病等疾病。因此，運動必須伴隨健康的生活方式。

團隊運動的好處

與團隊中的其他運動員一起工作會創造一個緊密的社群，人們學會信任其他球員並依靠他人的幫助來實現共同目標。一個功能齊全的團隊的環境是協作且不具威脅性的；這使人們能夠更開放和專注地學習。在比賽中，團隊合作和妥協等技能學習得更快。這些聯絡可以超越比賽場地，並延續到運動員的社交和商業生活中。例如，一個人在球場上如何比賽和交流可以反映出他在商務會議上如何與成員交流以及他們如何努力實現目標。團隊合作可以使團隊克服困難的挑戰，因為團隊的思想和工作比一個人更有力、更成功。它們允許對如何應對挑戰進行不同的思考，並使團隊能夠透過持續的支援而得以維持。^[20] 運動可以使運動員更加註重健康、更有動力、更專注、更有活力。成為團隊的一員可以使運動員更好地與他人溝通，考慮他人的需求，解決批判性思維問題併成為領導者。

健康的生活

目前美國正面臨著暴飲暴食和不健康生活方式的流行病。一個主要問題是兒童肥胖率的上升。孩子們在沒有正確飲食和運動知識的情況下成長，到他們成熟時，他們已經參與了一種不健康的生活方式。與其他國家相比，美國在走向更健康世界的運動中落後了。造成美國近期肥胖率飆升的其他原因是過去一個世紀中技術發展迅速，這幾乎完全消除了我們日常生活中除有意識的鍛鍊之外的體力活動。技術中的一些被指責的例子包括汽車的發明，它消除了步行從一個地方到另一個地方的方面，以及工廠裝配線的發明，它以更快、更高效的方式生產、包裝和運輸食物。^[21] 這些發展還使我們能夠以大量生產的廉價、高熱量、美味的食物供應雜貨店的貨架。^[22] 這些技術發展使美國作為一個社會在人口方面實現了增長，同時也損害了其公民的健康。

健康的生活和身體健康是我們日常生活中的非常重要的方面。身體健康不僅有助於人們過上健康的生活，也有助於人們活得更長久。如果你能夠在一生中保持活躍的生活方式，你將能夠減緩骨質疏鬆症的發生，並降低患慢性病的風險。此外，在年輕時將體育活動和鍛鍊納入日常生活的人更有可能在他們長大後繼續保持這種習慣，並在一生中從中受益。體育活動是指任何消耗能量的運動。鍛鍊是體育活動的一個子集，但它是有組織和計劃的活動。雖然許多孩子會進行體育活動，通常是透過與朋友玩耍和團隊運動，但隨著他們成長為青少年，他們獲得的體育活動量通常會下降。如今，在美國，超過 20% 的兒童超重或肥胖。除此之外，不活動和不良飲食每年在美國造成 30 萬人死亡。事實證明，透過每週至少進行 3 次、每次至少 30 分鐘的中等強度體育活動，可以獲得顯著的健康益處，甚至可以將 30 分鐘分成三個 10 分鐘的時間段，這將產生與一個 30 分鐘的時間段相同的效果。然而，更頻繁的運動肯定會導致更快的改善。^[23][24]

參加運動有很多積極的影響。首先，參與運動會在你所參與的運動中，以及在生活中灌輸許多價值觀和紀律。參加運動有助於你與隊友發展團隊合作精神。每個隊員都努力實現共同的目標（獲勝），而成功需要無私的團隊合作。成功並非易事，為了在運動和生活中取得成功，你需要努力工作才能實現目標。當你練習對某項運動的奉獻和勤奮時，你會意識到成功需要付出多少努力，並且在未來，你更有可能在生活中取得成功。運動非常積極。^[25]

運動與全球化

可以觀察到，幾十年來，運動已經成為推動全球化影響力的載體，全球化是企業或其他組織在國際上發展影響力或開始在國際上開展業務的過程。這一過程對世界各地社會的環境、文化、政治制度、經濟發展和繁榮以及人類身體健康產生了影響。

國際團隊和聯盟以及參與大型體育賽事推動了一個有角市場的形成，該市場背離了體育的小型社群意識，將其轉變為一個產業。其中一些最大、最容易識別的例子包括奧運會和世界盃。這些賽事透過遵循營銷和商業策略，而不是僅僅投資於專業比賽的驚險壯麗，變得如此龐大。

“世界各地的體育經理使用的許多積累策略通常是在美國構思的”——這可以支援這樣的觀點：體育的全球化實際上是國際產業的美國化。體育作為一個市場意味著一些大型企業在全球生產的過程中擁有股份。這包括少數大型全球電信網路、世界知名運動品牌、跨國公司和國際體育管理公司。這些集團決定大型全球體育賽事的日程安排和製作，利用海外廉價勞動力生產體育器材和服裝，在國際上推廣某些聯盟和球隊，以銷售商品和特許經營權，並控制圍繞運動員何時何地參賽的職業生涯。

布羅克大學的露西·蒂博 (Lucie Thibault) 提到了世界各地職業聯盟中可以追溯到的多元化運動員起源，以前從未參加過國際體育賽事的國家參與國際體育賽事的增加，以及在打破性別、宗教和氣候諸多障礙的運動中競爭的運動員數量增加，所有這些都是體育全球化的積極意義。然而，她也觸及了體育產業全球化的負面真相。蒂博提到了將運動員從祖國吸引到國外為外國國家比賽，在運動服和裝置生產中對第三世界人民的海外剝削，以及大型體育賽事的生態足跡。

在當今市場，“媒體擁有專業知識和技術裝置，可以將體育製作成一個可以輕鬆被觀眾消費的套餐”，世界各地的文化都參與其中。國際大型體育賽事的走向及其對全球經濟、文化和環境的影響可能正在走向最壞的方向，也可能沒有。有些人可能會認為，它造成的危害和負面影響大於其帶來的正面影響。當然，這並沒有大肆宣傳，但這並不意味著所有影響都不存在。奧運會、世界盃、殘奧會和英聯邦運動會只是推動這一產業的眾多大型活動中的幾個例子，並將持續由跨國公司、全球電信公司以及主要運動服和裝置公司製作。運動員、球隊和聯盟將被控制、展示和利用來推廣活動和品牌，以努力推動這種全球化方式創造的永無止境的鉅額利潤。

透過國際競爭分享文化

國際比賽為社會做出宣告提供了一個獨特的平臺。廣播、電視和流媒體技術使世界舞臺上的運動員能夠直接向世界各地的人們傳達價值觀。與聯邦或聯盟比賽類似，國際比賽吸引了大量持續的觀眾群。然而，國際比賽擁有更大的全球觀眾群。“大型賽事”，例如奧運會，是“...國家內部和國家之間變革和現代化程序的重要參考點...”

1989 年在墨西哥城舉行的奧運會為美國黑人運動員提供了平臺，讓他們關注美國持續存在的種族主義。湯米·史密斯和約翰·卡洛斯分別是 200 米金牌和銅牌獲得者， 站在領獎臺上，赤腳，穿著黑色襪子，史密斯戴著黑色圍巾。每個人都舉起了一隻戴著黑色手套的拳頭，象徵著黑人力量和黑人團結。200 米銀牌得主、澳大利亞的彼得·諾曼穿著 OPHR（人權奧林匹克專案）徽章，表達了對這項事業的支援。 史密斯和卡洛斯遭到國際奧委會的譴責，並收到了死亡威脅。回到家後，他們受到非裔美國社群的讚揚。

藝術

藝術源於富有創意的玩樂；這是所有人類都擁有的東西。請記住，那些被描述為“藝術”的活動與自由玩樂不同，因為它們遵循某些規則。藝術包括體育、舞蹈、戲劇藝術等。藝術規則將特定注意力集中在藝術家/玩家制作的活動或物品的形式上，併為評估這些形式提供標準。雖然藝術最終是主觀的，並且受其產生和創作的文化所支配。

人類學家亞歷山大·艾蘭 (Alexander Alland) 將藝術定義為“玩弄形式，產生一些美學上成功的轉化-表現”(1977 年，39 頁)。在艾蘭的定義中：形式是對正在組織的玩樂型別施加的適當限制。例如，繪畫是一種二維形式。“美學上成功”意味著藝術品的創造者和/或觀眾對藝術品“產生正面或負面的反應”。美學質量較差的東西會產生不成功的反應，導致觀眾甚至作者對藝術作品感到漠不關心。理解轉化-表現這個詞的最簡單方法是注意到任何事物的象徵意義都比表面現象更深，並且文化指導著什麼是適當和有價值的。由於艾蘭認為轉化-表現相互依賴，因此應該將兩者合稱為轉化-表現。轉化-表現是另一種談論隱喻的方式。繪畫是對經驗轉化為二維表面上的可見標記的隱喻。同樣，詩歌也是將經驗轉化為濃縮和緊湊的語言的隱喻。

有意而為之的藝術包括為了成為藝術而製作的物品，例如印象派繪畫。然而，透過挪用的藝術包括所有其他“成為藝術”的物品，因為在某個時刻，某些人決定這些物品屬於藝術類別。大多數情況下，這一類別是由西方社會形成的，這些物品或活動可能不一定適合另一個社會的文化中的相同類別。

人類學家謝麗爾·埃靈頓 (Shelly Errington) 認為，為了將一件物品轉化為藝術，必須有人願意展示它。當西方社會看到符合其藝術定義的物品時，它就會將其置於“藝術”市場。埃靈頓還指出，西方對藝術的看法傾向於選擇以下物品：‘便攜的、耐用的、在世俗西方無實用價值的，並且具有表現力的。’一個問題是，西方的藝術定義開始剝削某些文化，以獲取提供“奇異”魅力的物品。例如，西方社會對“奇異”藝術的需求很強烈。這種藝術通常在某一時刻是時尚的裝飾品，而下一年就過時了。這種“來來去去”的時尚會威脅到國際經濟政策和資源開採專案，以及帶有文物的人類社會。與玩樂一樣，藝術挑戰其貢獻者，為他們提供替代現實，並有機會評論或改變世界觀。

藝術運動

印象派

印象派一詞用來描述那些看起來沒有完成的繪畫，因為它們顯示出明顯的筆觸。這些繪畫描繪了日常生活。1874 年，印象派畫家在巴黎舉辦了一場展覽，拉開了印象派運動的序幕。他們稱自己為“匿名藝術家協會”。最著名的成員包括克勞德·莫奈、埃德加·德加和卡米爾·畢沙羅。

後印象派

後印象派始於 19 世紀 80 年代後期。後印象派藝術家以與印象派藝術家相似的風格繪畫，但他們添加了一些新的理念。他們不僅畫他們日常生活中的所見所聞。他們使用了更多的象徵主義。這場運動中最著名的成員包括保羅·高更、喬治·修拉、文森特·梵高和保羅·塞尚。然而，他們各自為戰，並沒有把自己看作運動的一部分。

立體主義

立體主義是一種藝術風格，由巴勃羅·畢加索和喬治·布拉克於1907年開創。立體主義將普通形狀分解成抽象的幾何形式。^[36] 立體主義玩弄透視和形式，打破了傳統的西方藝術長期以來的規則，為當時的藝術界注入了活力。立體主義被許多人認為是現代藝術的首要形式之一。

達達主義和超現實主義

達達主義被描述為反藝術，它挑戰了什麼是藝術。達達主義是對第一次世界大戰開始時混亂時期的回應，是整個歐洲的先鋒叛逆。它反戰，是對當時社會一致性的社會批判。它迅速蔓延到柏林，在那裡，它得到了包豪斯藝術學院的幫助，以及現代主義和超現實主義，運動在那裡蓬勃發展。也許最著名的達達主義作品是馬塞爾·杜尚的“噴泉”，它是一個立在柱子上的陶瓷小便池，上面刻著“R. Mutt”的名字。“噴泉”是杜尚試圖將藝術從創作過程轉變為解釋過程的嘗試，這是達達主義運動的關鍵部分。其他知名作品，如薩爾瓦多·達利創作的“記憶的永續性”，其特點是融化的鐘表，以及“一條安達盧西亞狗”，一部超現實主義短片，至今仍被廣泛研究。達達主義和超現實主義在國際上享有盛譽，是藝術史不可分割的一部分。

現實主義 現實主義是一種存在多年的藝術形式，它包括逼真的精確繪畫或繪畫，幾乎可以複製影像，可以在一些著名的繪畫中找到，例如蒙娜麗莎。這種藝術形式更加耗時和注重細節。

波普藝術

波普藝術將美術和流行文化偶像融合在一起，並將其分解，是對美國大規模生產文化的諷刺。波普藝術與當時嚴肅而極具創造力的抽象藝術形成鮮明對比，它是玩世不恭的，不把自身看得太重。波普藝術對我們所知道的影像提出了質疑，並利用它們。

音樂

音樂是使用有節奏的聲音和靜默來形成歌曲。從抒情到器樂，有許多不同的風格和型別，中間有無數的子型別。就像藝術一樣，音樂型別包括某個時代的音樂（如古典音樂和經典搖滾），或者取決於歌曲的內容，如流行音樂或金屬音樂。每首歌都是由詞曲作者精心製作的，以表達某種意義或一系列意義，但它由聽眾來辨別音樂對他們的意義，並且因人而異。

音樂

音樂被定義為聲音和靜默的組織。音樂的創造可以追溯到幾乎與人類歷史一樣久遠的年代。最早發現的音樂作品，一首名為“赫梯聖歌第6號”的古代蘇美爾旋律，是在敘利亞烏加里特城的遺址中發現的，可以追溯到公元前14世紀。像這種蘇美爾記錄的音樂和古代樂器（如骨笛）的發現表明，歷史上許多不同文化的人們都將音樂的創作和表達納入了他們的文化中。在古代，希臘人會使用簡單的管子來創造音調並創作曲調。然而，直到後來，音樂才成為人們日常生活中真正的娛樂。在中世紀，人們開始透過書寫來記錄音樂。教會投入鉅額資金編寫格里高利聖詠，以當時教皇的名字命名。教堂為記錄和儲存音樂提供了寶貴的場所。然而，隨著印刷術的發明，更多世俗音樂變得可供公眾使用。隨著時間的推移，新的技術進步使得新老音樂都能在不同文化之間共享。音樂已被證明是人類在整個歷史上分享故事和表達情感的方式。然而，其他生物也使用音樂作為表達或傳達思想的方式。音樂可以來自小到一隻鳥，大到一頭鯨魚。音樂在不同文化中差異巨大，並適應於聆聽、創作和創作音樂的人。事實上，20世紀和21世紀的作曲家進一步突破了音樂發展的界限，提出了“什麼是音樂？”這個問題。答案通常是“一切”。^[37]

歌曲和文字

雖然文字和文學的主要討論在關於[交流和語言]的章節中，但對歌曲或文字作為藝術的文化人類學研究值得在玩耍和藝術的背景下在此單獨討論。在研究音樂和舞蹈等文化藝術時，請牢記以下引言：“蘇格拉底最值得注意的事情是他年老時仍能找到時間學習音樂和舞蹈，而且他認為這是值得花的時間。”——米歇爾·德·蒙田^[38]

古典音樂

在口語中，古典音樂是指任何在1820年之前創作或創作的西方音樂，儘管該術語仍然適用於今天創作的音樂。古典音樂通常分為七個不同的時代，包括格里高利（來自公元600年代格里高利教皇的時代）、中世紀（500-1400）、文藝復興（1400-1600）、巴洛克（1600-1750）、古典（1730-1820）、早期浪漫主義和浪漫主義（1780-1910）。每個時代都包含其自身的風格元素，將它們彼此區分開來。然而，雖然所有“古典”音樂通常被認為是一樣的，但實際上，每個時代之間的差異使得每個時代都獨一無二，並且可以相互區分。

現代影響

透過這一發展鏈，從巴洛克到浪漫主義，再到現代音樂，我們今天在電影和影片遊戲中聽到的音樂如果沒有這些先前的影響，就不會是現在的樣子。許多現代作曲家，如約翰·威廉姆斯和漢斯·季默，都深受浪漫主義時代的薰陶。一個著名的例子可以在約翰·威廉姆斯為星球大戰電影系列創作的電影配樂中找到。威廉姆斯借鑑的浪漫主義作曲家之一是古斯塔夫·霍爾斯特：“《行星》已被用於許多科幻巨片，尤其是火星，是包括威廉姆斯在內的許多電影作曲家最喜歡的，他們讓衝鋒隊員的步伐踏著明顯的火星節奏”。[14] 另一個威廉姆斯受到影響的作曲家是瓦格納，他也受到霍爾斯特的影響。最接近瓦格納作品的電影配樂是達斯·維達的標誌性主題：“普通影迷在《星球大戰》中最明顯地聽到瓦格納的地方，是在為達斯·維達和他的邪惡帝國創作的銅管樂主題中——它明顯地讓人想起瓦格納為其宏偉的瓦爾基里創作的音樂”。[15]。古典音樂對《星球大戰》的影響只是一個例子。幾乎所有現代作曲家都從這七個時代中發現的音樂中汲取靈感和影響。

電子舞曲

電子舞蹈音樂，也稱為 EDM，是電子音樂的總稱，通常由 DJ（唱片騎師）電子創作，並在俱樂部、狂歡派對和音樂節上播放。它起源於 20 世紀 80 年代的迪斯科時代。EDM 音樂在派對或舞池中的吸引力在於“電子舞蹈音樂的化學和音樂物件能夠虛擬化其直接環境並調整主體的日常生活”。 EDM 通常與毒品使用相關，因為許多聽眾會使用合法和非法藥物（儘管並非所有人）。狂歡派對中最受歡迎的毒品包括莫利（搖頭丸）、阿德拉、可卡因、酒精和大麻。由於 EDM 最受歡迎的狂歡派對或音樂節的毒品使用量增加，反狂歡文化和法律應運而生。“隨著 EDM 文化在全球範圍內不斷擴充套件，有必要採用紮根於當地同時參與全球的方法。這種方法將更有成效，並且比專注於一個特定的研究地點提供更準確的圖景。” 經常可以看到大多數年輕人聽 EDM 並去播放 EDM 的地方。狂歡派對通常在晚上舉行，那時大多數人要睡覺，所以“狂歡者滑入一個存在的空虛，在那裡權威和公眾的目光無法滲透。電子舞蹈音樂也被藝術家像 Radiohead、LCD Soundsystem、Suicude、Afrika Bambaataa、David Bowie 等等融入其他型別。”

獨立音樂

獨立音樂是指在沒有大型唱片公司幫助的情況下製作的音樂。Indie 是“Independent”的縮寫，獨立音樂人通常不與大牌唱片公司合作。它更像是一種“自己動手”的音樂型別。許多樂隊，不僅在美國，而且在世界各地，都以能夠在沒有大型唱片公司幫助的情況下取得成功而自豪。獨立樂隊也往往更注重對音樂的熱愛，而不是僅僅試圖賺錢。雖然獨立音樂在當代越來越受歡迎，但獨立音樂人最早是在 20 世紀 80 年代被認可的，例如 B-52's 和後來的 Nirvana。這些為自己贏得獨特聲譽的樂隊曾經被認為是“大學電臺音樂”，並在獨立音樂界打下了自己的事業。

**美國民謠音樂** 在美國文化中，民謠音樂指的是 20 世紀 60 年代出現的音樂風格。民謠藝術家通常使用民謠樂器和人聲來傳達關於當前事件的資訊，歌詞通常表達藝術家對社會或政治問題的觀點。這種音樂的創作和全國發行在將公眾與自身當前事件聯絡起來以及就正在發生的事情展開對話方面極其重要和寶貴。 民謠型別在 20 世紀 60 年代隨著鮑勃·迪倫和瓊·貝茲等藝術家的出現而爆炸式發展。在 20 世紀 60 年代民謠音樂進入流行文化之前，民謠音樂在伍迪·格思裡 和漫步者傑克·艾略特等藝術家那裡蓬勃發展。現代民謠藝術家包括 The Tallest Man On Earth、Bon Iver 和 Fleet Foxes。

幾乎不可能在不提及卡爾·桑德堡的情況下討論民謠音樂。桑德堡出生於 1878 年的伊利諾伊州，在他早期的職業生涯中，他花了很多時間旅行，並在鐵路做苦力。在這段時間裡，桑德堡收集了大量不同的歌曲和曲調。桑德堡成為第一個被認為是“民謠歌手”的音樂家，因為他表演了他在工作期間積累的歌曲。桑德堡將所有他最喜歡的歌曲彙集到他稱之為《美國民謠集》的東西中。他最喜歡的歌曲之一，也是傳奇人物約翰·亨利的象徵。 約翰·亨利象徵著黑人工人的力量以及他們反對機器勞動和非黑人工人的鬥爭。對於當時的黑色文化來說，這是一件大事。卡爾·桑德堡是第一個公開支援黑人工人的音樂家之一。透過約翰·亨利的歌曲和象徵，桑德堡能夠徹底改變民謠音樂，並傳播反對虐待黑人的強有力資訊，尤其是在工作場所。

搖滾樂

搖滾樂是一種音樂形式，起源於 20 世紀 40 年代末和 50 年代初的美國。搖滾樂融合了多種型別的元素，包括 Doo-wop、鄉村、靈魂和福音，但它與布魯斯聯絡最緊密，一個著名的例子是貓王埃爾維斯·普雷斯利的音樂。正是從這裡它獲得了最早的和絃進行和抒情風格。許多藝術家繼續翻唱和重現早期布魯斯音樂家的聲音，例如 Son House、Robert Johnson、Ledbelly 和 BB King（布魯斯之王）。這種風格傳播到世界各地，對社會產生了巨大影響。搖滾樂的特點是強調弱拍，或四四拍的第二拍和第四拍，吉他使用、電子放大樂器和主題範圍廣泛的歌詞。 自 20 世紀 40 年代末搖滾樂誕生以來，出現了許多新的搖滾樂型別，包括重金屬、朋克搖滾、軟搖滾、另類音樂、獨立音樂和另類音樂。

紐約是幾種流行音樂風格的重要中心。搖擺舞樂隊和與這些樂隊一起演唱的歌喉在二戰期間幫助保持了美國人的樂觀精神和鬥志。搖滾音樂發展於 40 年代存在的多種不同型別的音樂，並在 50 年代初發展成為一種獨特的風格。在許多方面，搖滾音樂在黑人和白人音樂家和粉絲中的流行幫助推動了種族融合和對任何種族背景的人的相互尊重的運動。 音樂在公民中充當了一種統一的共同基礎，尤其是在政治、社會或經濟動盪時期。音樂是每個人，無論他們的生活方式如何，都能產生共鳴並享受的東西。

說唱

小韋恩是美國說唱界的一位說唱偶像。

說唱通常被稱為以節奏為伴奏背誦押韻，但它的根源遠不止於此。說唱音樂的起源可以追溯到西非。那些擁有這種音樂天賦的人受到周圍人的高度重視。後來，當這些“語言大師”被帶到新大陸時，非洲音樂和美國音樂的全新創作融合在一起，創造了一種新的聲音。 縱觀歷史，說唱已經顯現出各種形式的口頭雜技，包括押韻方案，包括校園和童謠以及雙荷蘭跳繩吟唱。現代說唱音樂的直接根源在於雷鬼音樂中伴隨著朗讀和配音的元素。然而，雷鬼音樂並沒有立即被接受，因此演變成了一種完全不同的東西。Kool Herc 是最早採用這種風格的藝術家之一。

早期的說唱包括在流行歌曲的器樂或打擊樂部分背誦即興押韻，通常會加入常用的俚語。說唱在 70 年代蓬勃發展，演變成一種口頭技巧和自由表達的音樂形式。它很快在年輕人中流行起來，為他們提供了一個渠道，讓他們能夠自由表達個性。如今，說唱在世界各地的文化中仍然很流行，它不斷發展，並適應它接觸到的每種文化。 說唱音樂全球化的一個例子是樂隊 Orishas [16]。Orishas 起源於古巴哈瓦那，他們的音樂中經常加入傳統的薩爾薩和倫巴節奏。Orishas 的成員移民到法國巴黎，現在在歐洲以及他們的祖國古巴非常受歡迎。說唱是一種最近在美國青年中流行起來的音樂型別。有節奏的聲樂特徵類似於日語口語。這種“黑幫生活”的含義源於美國夢——能夠從貧民窟努力奮鬥到說唱巨星的高階生活。歌詞中經常包含暴力、毒品、勒索和性行為。這種誕生於 90 年代初的亞文化已經充斥著主流音樂，在流行電視臺的排行榜上名列前茅，並囊括了廣播電臺。儘管說唱音樂界存在一些有爭議的方面，但它仍在不斷發展，影響著世界各地的音樂。非洲嘻哈/說唱樂隊最近開始創作更多音樂，宣稱原本的說唱型別是他們自己的，而人們認為它起源於數千年前。

雖然“匪幫說唱”更廣為人知，被稱為“說唱”，但它並非唯一型別。說唱伴隨著許多亞文化，其中一些脫離了這種“匪幫”心態。你並不需要是匪幫成員，也不需要來自貧民窟才能成為說唱歌手。人們常常認為說唱音樂除了性、毒品和暴力之外沒有更多內容，因為大多數主流說唱和說唱影片讓大多數人相信這就是說唱的本質。說唱最初起源於一種抗議形式，為那些以前沒有發言權的人發聲。南非青年利用它作為反抗種族隔離和壓迫的方式，這在1976年爆發。 在非洲的部分地區（主要在西非），我們所知的說唱變得非常流行，但帶著一種轉變。非洲說唱歌手在他們的製作和歌曲結構中借鑑了許多美國的影響，但他們的唱腔、樂器和歌詞卻大不相同。這種西方說唱和非洲音樂的融合有時被稱為“高音”。 說唱只是一種音樂型別——它比在廣播中聽到的要深刻得多。

說唱在世界各地的文化中發揮著作用。世界各地的說唱歌手，甚至一個城鎮或街區不同的部分，都有自己獨特的風格和創意。雖然大多數說唱歌手“模仿”或複製其他藝人的風格，但他們希望以自己的風格著稱，以獨特的方式獨樹一幟。在美國，說唱的影響力非常大。說唱歌手可以發展出一種被稱為“Beef”的關係，他們之間因說唱文化中的問題而產生仇恨關係/爭端。他們有時會用說唱來攻擊他們的敵人，作為一種報復的方式，而不會升級為暴力。然而，這有時會導致暴力，藝術家會失去生命。以2Pac（圖帕克·沙庫爾）和The Notorious B.I.G.（克里斯托弗·華萊士）為例，他們都是最知名的說唱歌手，他們用暴力解決了他們的“Beef”，並都在20世紀90年代中期被槍殺。

說唱音樂中的暴力和語言一直是美國國會的關注點。2008年9月25日，在伊利諾伊州民主黨眾議員鮑比·L·拉什主持的一次聽證會上，立法者向音樂行業高管詢問了他們公司在製作露骨說唱中的作用，並在某一時刻邀請他們大聲朗讀說唱歌手50 Cent的歌詞（歌詞以露骨著稱）。一些家長認為他們的孩子受到說唱音樂中暴力的威脅，因為它讓他們不重視生命。美國國會和社會都處於一種兩難境地，既希望有更“乾淨”、更積極的音樂，也希望維護藝術家言論自由。

嘻哈

嘻哈誕生於20世紀70年代後期，起源於紐約市，是一種街頭藝術形式。嘻哈起源於南布朗克斯，起源於非洲裔美國人、西印度人和拉丁美洲人中的工人階級。青年嘻哈包括四個主要元素：說唱（人聲）、DJ（唱片播放和技術操作）、塗鴉（噴繪藝術）和B-boy或B-girl（自由式舞蹈）。嘻哈的這四個組成部分源於試圖透過這些具有競爭力、創新和表達力的活動來代表自己的年輕人口。 這種型別的音樂也傳遍了世界各地，許多不同文化的人現在正在從美國借鑑“嘻哈”理念並創造自己的風格。例如，在塞內加爾達喀爾，藝術家們利用嘻哈來表達政治觀點，以及他們在沒有正確政府的情況下經歷的鬥爭。這在音樂家拍攝的一部名為“達喀爾的民主”的紀錄片中有所討論。達喀爾的嘻哈音樂總體上比美國嘻哈音樂更具爭議性和政治性，因為他們與政府之間存在鬥爭。

嘻哈被比作現代的藍調，因為它是一種表達痛苦和掙扎的形式。這種掙扎是嘻哈在全球範圍內不同的原因。世界不同地區有不同的痛苦和掙扎，這些都可以從歌曲中聽到和突出。表面上，所有的嘻哈文化看起來和聽起來都差不多，但人們可以注意到歌詞內容和節拍結構的巨大差異。

在政治意識更強的國家，嘻哈藝術家會說唱他們國家正在經歷的政治鬥爭，比如塞內加爾。在美國，你可以聽到歌詞中既有在艱難社群中生存的鬥爭，也有政治資訊。嘻哈藝術家將選舉、戰爭、經濟鬥爭和壓迫融入他們的歌詞。一些更主流的藝術家可能沒有像一些地下藝術家那樣多的爭議性歌詞，但他們的資訊依然存在。

伊恩·康德里是一位文化人類學家，他在1995年花了1年半的時間研究日本嘻哈。他的研究表明，日本嘻哈最初起源於美國，但現在已經形成了自己的身份。日本嘻哈文化與美國相似，人們會去俱樂部聽知名錶演者的表演。然而，在東京，一場演出會在午夜開始，凌晨5點結束。在這些俱樂部，人們不僅跳舞，還會做生意。另一個區別是，知名的嘻哈藝術家住在父母家裡，過著和其他人一樣的生活。這與美國大不相同，在美國，嘻哈藝術家是這個國家最富有、最有名的人之一。

日本舞者和藝術家認為某些夜總會是日本嘻哈建立的“玄場”（或“實際場所”。這些夜總會是嘻哈表演、消費，然後通過當地語言和這些俱樂部的社會進行轉化的場所。這些夜總會也是舞者、藝術家、作家和音樂公司人士交流的場所。

鄉村音樂

約翰尼·卡什

鄉村音樂起源於20世紀20年代初，起源於民間音樂。這種音樂風格主要來自美國南部地區。早期的鄉村音樂誕生了歷史上兩位最具影響力的藝術家：約翰尼·卡什和漢克·威廉姆斯。儘管他們的音樂影響力直到他們去世後才被認可，但他們無疑塑造了歌詞的寫作方式和所有音樂型別歌曲的演唱方式。2006年，鄉村音樂增長了17.7%，達到3600萬。幾十年來，這種音樂一直保持穩定，每天在電臺播出，覆蓋7730萬成年人。鄉村音樂不僅在美國是一個重要的型別，在澳大利亞和加拿大等世界各地也廣受歡迎。鄉村音樂包含許多風格和聲音，這些風格和聲音被歸入不同的類別。山區民謠、藍草、民間、福音、酒館音樂、搖滾鄉村、鄉村靈魂、鄉村搖滾、叛逆鄉村、鄉村流行、新鄉村、卡車司機鄉村和另類鄉村都是鄉村音樂提供的所有型別。

無伴奏合唱

無伴奏合唱是一種純人聲表演風格。它的獨特之處在於它是在沒有任何伴奏的情況下的人聲表演。很多時候，人們唱歌時，都是伴隨著鋼琴、吉他或其他各種樂器。然而，無伴奏合唱的演唱風格的特點是沒有任何額外的器樂演奏。 無伴奏合唱字面意思是“教堂風格”，因為音樂傳統上是在教堂裡沒有樂器的情況下演奏的。

雖然耶路撒冷聖殿的禮拜儀式包括樂器，但在聖殿被毀後，傳統的猶太宗教禮拜儀式不包括樂器。[需要引用] 傳統上，在安息日使用樂器是被禁止的，因為擔心演奏者會忍不住修理他們的樂器，而這是安息日被禁止的。（這種禁令在許多改革派和一些保守派教會中已經放鬆了。）同樣，當猶太家庭和更大的團體在正式宗教儀式之外演唱傳統的安息日歌曲，即齊默裡特時，他們通常會選擇無伴奏合唱，而安息日的巴米茨法和巴特米茨法慶祝活動有時會由無伴奏合唱團進行娛樂。在三週期間，傳統上禁止使用樂器。許多猶太人認為逾越節和五旬節之間為期49天的數算歐麥爾期間的一部分是一個半哀悼的時期，在這個時期不允許演奏器樂音樂。 這導致了一種無伴奏合唱的傳統，有時被稱為“數算歐麥爾音樂”。

barbershop style

迪士尼樂園的 barbershop 四重奏。

“讓全世界一起歌唱”（barbershop.org）是 barbershop 和諧協會的座右銘。該協會與世界各地的國家都有聯絡，比如芬蘭、澳大利亞、紐西蘭、德國、愛爾蘭、南非、瑞典、荷蘭和英國，該協會的目的是慶祝 barbershop 風格的和諧，在善良的人們之間促進友誼和友誼。

人們可以找到來自不同時期和不同型別的 barbershop 歌曲，這使每個人都有機會與 barbershop 風格產生共鳴。例如，賈斯汀·汀布萊克的“性感迴歸”、邁克爾·傑克遜的“顫慄”、楊百翰大學的“超級馬里奧兄弟旋律”和“來和我一起飛翔”，由 Realtime 四重奏演唱。

一個常見的誤解是，理髮店風格的音樂只為男性創作和演唱。女性四重唱，有時被稱為“美容院四重唱”，也存在並且許多都蓬勃發展。一個為四部分女性組合設立的協會是甜美女聲國際（觀看 youtube 影片）。一個更熟悉的“流行”組合是“絃樂四重奏”，因其歌曲“沙人先生”和“棒棒糖”而聞名。

卡真、克里奧爾和扎德科音樂

卡真風格和克里奧爾音樂的影響，演變成更現代的扎德科音樂，只能在路易斯安那州西南部找到；融合了歐洲、非洲和美洲印第安人的風格。這種音樂在品質上是獨一無二的，據說起源於 1755 年的諾瓦斯科舍，因為阿卡迪亞人帶來了帶有法國起源的音樂。透過音樂講述的故事來自歐洲故事，這些故事已被修改以適應新世界南部的日常生活和生活經歷。隨著時間的推移，到了 19 世紀，這種音樂在非洲節奏、布魯斯和即興演唱的影響下發生了轉變，以及許多來自美洲原住民的演唱風格和技巧。小提琴被用來演奏歌曲和舞蹈。巴里·安塞萊，他的專著《卡真音樂：起源和發展》的作者，描述了卡佩拉舞是如何用來跳舞的，透過鼓掌和跺腳提供節奏和節拍。

牙買加：曼陀

1951 年，牙買加第一家錄音室開張。一種新的音樂型別透過將歐洲和非洲民間舞蹈音樂結合在一起而形成。唱片騎師，如克萊門特·多德（“低音區”）和杜克·雷德（“特洛伊”），在島嶼周圍旅行，演奏他們的音樂。牙買加貧民窟的人們無力負擔樂隊，因此他們僱傭了像多德和雷德這樣的人。到 1950 年代末，它轉變為加勒比音樂和新奧爾良的“節奏布魯斯”。隨著時間的推移，音樂轉變為以主導貝斯樂器為主，並加入了斯卡。

斯卡

斯卡是一種音樂型別，起源於 1950 年代的牙買加，並導致了雷鬼和穩固雷鬼的誕生。斯卡的歷史通常分為三個部分或三波。第一波是最初在牙買加發展起來的斯卡場景。第二波是在 1970 年代在英國發展起來的場景。這種音樂不同於最初的牙買加斯卡，因為它通常擁有更完善的作曲、更快的節奏和更不精緻的美學。此外，兩者都受到了朋克搖滾的影響。來自英國考文垂的 2-Tone 斯卡樂隊 The Specials 通常被視為典型的第二波斯卡樂隊。第三波斯卡涉及來自西方世界大多數地區的藝術家。這段時期始於 1980 年代後期，是斯卡在美國首次流行起來的時候。第三波樂隊包括街頭燈柱宣言、Reel Big Fish 和芥末塞子。http://www.sfgate.com/entertainment/article/A-brief-history-of-ska-3221107.php

雷鬼

鮑勃·馬利可以說是最大的雷鬼偶像，是和平與愛的象徵。

雷鬼音樂是一種起源於 1960 年代後期的牙買加的音樂型別，它講述了基層戰士的鬥爭。崇拜離拍，雷鬼通常強調每個小節的第二拍和第四拍。對牙買加人來說，雷鬼的意思是“國王的音樂”，而它所指的國王是海爾·塞拉西，衣索比亞皇帝。雷鬼樂隊使用現代擴音樂器，包括主音吉他、節奏吉他、鋼琴、風琴、鼓和電貝斯，以及牙買加打擊樂器（查爾頓，凱瑟琳。“搖滾音樂風格”）。雷鬼唱片中常見的主題包括和平、愛、宗教、貧困和/或不公正。一個熟悉的流行搖滾歌曲展現雷鬼風格的例子是披頭士的“Ob-La-Di, Ob-La-Da”。雷鬼的根源與拉斯特法裡運動密切相關，有時鼓勵透過吸食大麻來讚美雅赫。

菲律賓音樂

西方音樂極大地影響了菲律賓的音樂。這背後的最合理的解釋是菲律賓是亞洲最古老的西方殖民國家。他們暴露在兩種主流的西方文化中超過三個半世紀。地中海，透過西班牙、盎格魯-撒克遜和美利堅合眾國。

[17]. 菲律賓音樂的古典演繹展現了各種文化的融合。這並不是說你不會遇到本土作品，只是西方音樂形式的細微差別，如交響曲、奏鳴曲和協奏曲，被過度使用。菲律賓音樂產生了國際作曲家，如安東尼奧·莫利納、費利佩·帕迪拉·德萊昂、埃利西奧·帕哈羅和何塞·馬塞達，他被稱為該國先鋒作曲家。

菲律賓音樂通常使用傳統和土著樂器演奏，如帶竹弦的齊特琴、管狀竹共鳴器；木製琉特琴和吉他，以及吉特吉特，一種三絃木製弓弦樂器。事實上，你可能會遇到菲律賓社群，他們有自己的民間歌曲，在特殊場合演唱，如 hele，搖籃曲，talindaw，航海歌曲，kumintang，戰士歌曲，以及 kundiman，情歌。

K-pop

自 90 年代以來，韓國流行音樂一直在韓國流行，但直到最近幾年才走向全球。也被稱為“韓流”，韓國流行音樂已成為一種全球現象，在《公告牌》排行榜和 iTunes 排行榜上名列前茅。最近，韓國流行樂團 BTS 成為頭條新聞，在 2016 年 10 月的第二個星期，在《公告牌》排行榜的全球專輯中排名第一。 K-pop，一個更短的術語，其根源可以追溯到 20 世紀初的韓國社會，當時有一種流行的音樂型別叫 trot，其聲音類似於狐步舞。直到 90 年代，韓國的流行音樂才開始轉變，融入了美國風格，如電子音樂、說唱和搖滾。男子組合和女子組合的形成也成為了一種固定模式。這種新的 K-pop 風格在東亞國家，如中國、臺灣、新加坡、越南和日本，獲得了人們的興趣。
圍繞 K-pop 的文化一直是一個既迷人又充滿爭議的文化。大型娛樂公司會舉行試鏡或物色 10-20 歲的年輕人。這些青少年接受舞蹈、唱歌和娛樂技巧的多年訓練，直到他們適合在組合中出道。與西方音樂組合不同，許多樂隊對自己的作品有很大的自由意志，大多數韓國流行樂團對他們創作的內容有限制。管理這些樂隊的娛樂公司通常有團隊來創作音樂、編排舞蹈，甚至控制成員的外表。這些組合大多是全男性或全女性。許多 K-pop 偶像甚至不是完全的韓國人，甚至根本不是韓國人。在過去幾年中，娛樂公司一直在其他國家進行物色和舉辦試鏡，尋找外國潛力，這真正將自己置於全球水平。

文學

文學是世界各地文化的重要組成部分。人們花費大量時間閱讀和討論重要的文學作品，這些書籍將讀者與不同的時代和社會領域聯絡起來。小說有很多東西可以教給讀者，友誼、愛情和忠誠等主題經常被提及，其效果是觸及讀者並發展不同的視角。關於過去的書籍可能是對從錯誤中吸取教訓的重要性的警告，或者是一種讓讀者與來自不同文化的人建立聯絡的方式。文學研究對社會和基於我們對過去了解的新思想的發展有很大影響。

有影響力的作者

J.R.R. 托爾金

J.R.R. 托爾金，《指環王》和《霍位元人》系列叢書的作者，被稱為“高幻想”型別的鼻祖。^[68] 他影響了許多藝術家和音樂家[18]。

在寫作中，托爾金探討了人類狀況、保護和權力腐敗等全球性和永恆的主題。與許多作家不同，托爾金不喜歡使用類比，而是以一種將人類歷史上總體意識形態而不是特定時間點（例如喬治·盧卡斯的“星球大戰”帝國是納粹德國的類比）概括起來的方式寫作。托爾金還以其故事中對自然的細緻描寫而著稱，這使得他的史詩《指環王》對於除了最忠實的讀者之外的任何人都難以理解。

在他晚年，托爾金在牛津大學與另一位作家 C.S. 劉易斯（《納尼亞傳奇》的作者）一起任教，他們共同建立了一個名為“墨水社”的寫作俱樂部。在他的學術同事的鼓勵下，他創造了中土世界、精靈語、阿拉貢、湯姆·邦巴迪爾和邪惡的西貢這樣的角色。在創造中土世界時，托爾金結合了英格蘭民間傳說和神話的影響，以及北歐神話和聖經傳說。托爾金花了十多年時間撰寫《指環王》系列的主要敘事和附錄，在此期間，他一直得到“墨水社”的支援，尤其是他親密的朋友劉易斯。[19]。托爾金的小說，例如《霍位元人》，通常包含成長元素，並遵循英雄之旅的情節。^[69] 他的遺產由他的兒子克里斯托弗繼承，他一生都在編輯他父親的遺作，例如《精靈寶鑽》和《胡林的孩子》。^[70]

J.K. 羅琳

J.K. 羅琳，最出名的是她的青少年奇幻小說系列《哈利·波特》，自從她的系列作品成名以來，她一直是具有影響力的文學人物。《哈利·波特》系列是一個全球性的文化現象，這些小說在兒童、青少年和成人中都很受歡迎，成為歷史上最暢銷的書籍系列之一。

在創造《哈利·波特》的奇幻世界時，羅琳從各種神話中汲取了許多靈感，尤其是在居住在這個世界的奇幻生物方面，以及歐洲關於巫術和魔法的民間傳說。

這些神話和民間傳說的特徵使《哈利·波特》系列能夠被熟悉類似故事和神話的廣泛觀眾所接受，這些故事和神話幾個世紀以來一直是西歐和美國文化的一部分。它們之所以能夠被廣泛的讀者接受，還因為它們的可讀性，因為它們是青少年小說，對於兒童來說足夠簡單，但對於成人來說也足夠複雜，可以吸引他們的注意力。

因此，《哈利·波特》小說滲透到流行文化中，並且一直是文學價值的源泉，因為它們鼓勵了許多年輕讀者參與文學活動，並在過去二十年中影響了兒童和青少年的閱讀習慣。

這些小說不僅在巨大的受歡迎程度方面可以被視為一種文化影響，而且在它們所宣揚的價值觀方面也具有文化影響力，這些價值觀通常被西方文化標準認為對兒童道德發展是積極的。寓言、神話、傳奇和其他奇幻故事長期以來一直被用作鼓勵兒童（甚至成人）的行為工具，這些行為符合道德的文化規範——這種趨勢在《哈利·波特》系列中得以延續，其影響力確保了小說中呈現的文化美德被灌輸給無數年輕讀者。

恰克·帕拉尼克

查爾斯·邁克爾·帕拉尼克寫過一些受歡迎且獨特的小說。他創作的小說被歸類為恐怖小說，但沒有包含超自然事件。他的書被歸類為恐怖小說，因為他的角色受到社會的影響，經歷了導致他們自我毀滅的創傷事件。恰克的書可以創造人們用來觀察社會能夠導致人們做出的行為的無形視窗。據說恰克·帕拉尼克受到了極簡主義作家湯姆·斯潘鮑爾的的影響。^[71] 正是湯姆·斯潘鮑爾的寫作研討會讓恰克開始創作他的小說，例如他的第一部小說“無形怪物”。這部作品第一次被出版商拒絕，因為它被認為過於令人不安。人們發現恰克揭示的可怕真相對於社會中的普通人來說可能太過沉重。

柏拉圖

柏拉圖關於修辭學和詩歌的討論既廣泛又有影響力。他在中學、高中和大學裡教授學生，為隨後的傳統制定了議程，然而，理解他對這兩個主題——修辭學和詩歌——的評論，給我們帶來了重大的哲學和解釋上的挑戰。他不清楚為什麼他將這兩個主題如此緊密地聯絡在一起（他認為詩歌是一種修辭學）。柏拉圖的著名論述“哲學與詩歌之間存在著古老的爭論”（《理想國》，607b5-6）表明，這兩個論述之間存在著價值觀衝突。柏拉圖以其著作中詩歌和修辭學的品質而聞名（也許是自相矛盾的），例如在《伊利亞特》中，並透過《奧德賽》得以體現。^[72]

村上春樹

村上春樹是出生於京都的日本作家。他的寫作中經常顯露出西方文化的影響。這是將他與其他作家區分開來的特徵之一。另一個特徵是他在寫作的主題和標題中頻繁地引用古典音樂。他的作品主要由超現實主義的後現代小說組成。村上以獨特的將日本傳統與西方影響融合的方式，使作品既熟悉又陌生。^[73]

斯蒂芬·金

他是近年來最具影響力的恐怖小說作家之一，他的文學作品跨越了世界多個地區，並進入了電影領域。他創作的故事對近幾十年來使用的參考產生了持久的影響。例如，《它》、《克里斯汀》、《寵物公墓》等，這些標誌性的書籍和電影改編作品見證了恐怖小說發展的興起，並經受住了時間的考驗。近年來，一些電影也重新制作。這些文學作品改變了超自然和現實恐怖的融合方式，創造出對看似正常的物體或概念的真實恐懼，從而形成了強大的追隨者和文化。^[74]

數字出版

近年來，隨著數字出版時代的到來，電子書（電子書）的興起，文學領域發生了重大變化。數字出版為閱讀提供了一種環保且便捷的方式，取代了傳統的紙質書籍、報紙和雜誌。數字出版與印刷出版的主要區別在於，數字出版沒有實體副本。這意味著不需要紙張，也不需要油墨來製作產品。這對文學來說是一個巨大的改變。

這種變化帶來的好處是便捷性和可訪問性。電子書可以在任何電子閱讀器、手機、平板電腦或筆記型電腦上訪問，因此它們具有以下優點：少量空間即可儲存大量閱讀材料。例如，電子書在日本公共交通工具上變得非常流行。在電子書出現之前，人們會在公共交通工具上攜帶和閱讀小型漫畫（日本漫畫）。現在，小型漫畫已經被電子書版本所取代。 可訪問性是讀者獲取文學作品的重要改進。數字出版對儲存量沒有限制，不像圖書館或書店那樣。圖書館和書店只提供預計會被租借或購買的書籍。電子書創造了源源不斷的文學供應，從像《哈利波特》或《指環王》這樣的大熱作品到自出版作者的鮮為人知的作品。作家漢斯·羅斯恩達爾對這一過程總結得很好，他說數字出版“賦予作者提高作品知名度的能力，或使讀者更容易進行資料庫搜尋。它的使用縮短了資訊週期”。 電子書的知名發行商包括蘋果 iBook、亞馬遜 Kindle、巴諾書店 Nook 或 Google Play 圖書店等大型公司。印刷出版物的衰落可以從圖書館的衰落和尚未適應電子書新世界的主要書店的破產中看出來。

舞蹈

舞蹈是隨著音樂有節奏地移動以增加體驗的樂趣。但是，如果移動不是隨著音樂進行，那麼沉默則被用來證明一個觀點。舞蹈可以透過一組順序的步驟來創造。它被用作不同文化中的表達方式、社互動動和展示方式。舞蹈也可以被視為人類之間的一種非語言交流方式，也由其他動物表演。不同的舞蹈需要不同的技能水平，有些可能比其他舞蹈更費體力。無論技術或風格如何，如果沒有考慮適當的物理因素，可能會造成傷害。

南美洲的舞蹈

阿根廷探戈

阿根廷探戈起源於1880年左右的阿根廷布宜諾斯艾利斯郊區。這種舞蹈在酒吧、咖啡館、賭場和妓院流行起來。由於原始歌詞經常涉及性愛和淫穢內容，因此這種流行發生在地下社會是合乎邏輯的。在此期間，即使彼此跳舞或接觸都被認為太過分，因此探戈的親密擁抱和臉頰貼臉的舞蹈被認為是粗俗的。最初，聲譽良好的人瞧不起探戈，不願參與。這意味著，如果一個男人想練習這種舞蹈，他唯一可能的舞伴就是另一個男人。男人們聚在一起練習舞蹈，以此來吸引女人的注意。

最終，探戈開始在移民住宿的集體宿舍公共區域慢慢流行起來。它花了些時間才傳播開來，但最終在一些動作被“淨化”後流行起來。即使在那時，探戈通常仍然是中上層階級會保密的活動；它仍然被認為是可恥和罪惡的。直到阿根廷探戈傳入歐洲，它才真正被上流社會接受。在被介紹給巴黎貴族後，它成為當時的風潮。當探戈最終回到阿根廷時，它被“視為最心愛的兒子”——塞爾吉奧·蘇帕

菲律賓的舞蹈

菲律賓的傳統舞蹈反映了西班牙人、穆斯林、印度人、中東人和西歐人的文化影響。菲律賓的每個受不同文化影響的地區都發展了自己的傳統舞蹈風格。許多民間舞蹈也模仿菲律賓人的早期生活方式，並出於精神目的，例如避開邪靈。 菲律賓最傳統的舞蹈包括以下一些

受穆斯林影響的舞蹈

在12世紀末，來自婆羅洲和馬來半島的商人定居者來到菲律賓群島，將伊斯蘭教傳播給了菲律賓人。如今，在棉蘭老島和蘇祿群島居住著超過100萬菲律賓穆斯林。當西班牙人來到菲律賓時，菲律賓穆斯林（也被稱為摩洛人）能夠抵禦被征服，因此，他們的伊斯蘭生活方式在很大程度上仍然保持不變，即使在今天，儘管菲律賓人口的其餘部分有著完全不同的生活方式。主要有四個穆斯林族裔：馬拉瑙族、馬京達瑙族、薩瑪族和陶蘇格族。這套舞蹈中的傳統舞蹈使用鮮豔的顏色和有節奏的動作，代表了中東和印度-馬來西亞文化對菲律賓文化的影響。這套舞蹈中還有一種絲帶舞，很可能源於阿拉伯文化的影響。據說最難的菲律賓舞蹈是馬京達瑙族的辛吉爾舞，在這種舞蹈中，一位王室女性用一把雨傘、一把扇子或兩者都沒有優雅地跳舞，同時熟練地穿梭於竹竿之間，以此向追求者展示自己。 另一種受穆斯林與基督教徒之間戰爭啟發的舞蹈是馬拉拉提克舞，起源於拉古納省。在舞蹈的第一部分，描繪了爭奪椰奶殘渣的戰爭，然後是兩個群體之間的和解。 這套舞蹈有特定的服裝：馬龍，一種可以以多種方式穿著的管狀連衣裙，以及昆邦，一種傳統的頭飾。伴隨舞蹈演奏的樂器有：阿貢，一種黃銅鑼，中心有一個旋鈕；庫林坦，一群放在木架上的黃銅鑼。

巴里奧狂歡節舞蹈

菲律賓村民對節日和特殊場合做出了巨大的準備。食物、音樂、舞蹈、遊戲和傳統遊行都是菲律賓村莊這種傳統習俗的一部分。如果節日是為婚禮慶祝活動而舉辦的，稱為加拉（博霍爾語），那麼新娘和新郎習慣上會帶著他們的朋友到達，並由招待他們的人們進行娛樂。娛樂活動包括舞蹈和音樂表演，以及敲打鍋碗瓢盆、勺子和其他餐具，以透過噪音製造興奮。然後，按照傳統，客人們會在最後的舞蹈之前把紙幣粘在新郎新娘的衣服上，最後的舞蹈包括新婚夫婦參與有趣的追逐遊戲。這套舞蹈中另一個流行的舞蹈叫做卡拉通，這是一種來自巴丹加斯省的舞蹈，它將竹管用作打擊樂器。這套舞蹈中的最後一個舞蹈是蒂尼克林舞；這是一種模仿長腿蒂尼克林鳥動作的舞蹈，蒂尼克林鳥跳過農民在稻杆中設定的陷阱。當菲律賓舞者表演這種舞蹈時，他們會跳過竹竿，進行復雜而高度協調的跳躍，同時竹竿被拍打在一起，並在他們下方拍打在地板上。蒂尼克林舞是一種有趣的求愛舞蹈，就像大多數土著舞蹈一樣，隨著舞蹈的進行變得越來越複雜。蒂尼克林舞起源於萊特島，是菲律賓的官方民族舞蹈。 這套舞蹈中的服裝是巴林塔瓦克，一種長裙，有硬的蝴蝶袖和與袖子顏色相匹配的鮮豔彩色襯裙。男士們穿著彩色的襯衫，叫做卡米薩·德·奇諾。這些舞蹈的道具通常包括一個叫做廷戈伊的油燈，以及叫做巴克亞的木屐。

瑪麗亞·克拉拉舞蹈

瑪麗亞·克拉拉是菲律賓的一個傳奇人物，她象徵著菲律賓女性的優良品質和高貴。她是何塞·黎剎創作的一部文學作品中的主要女性角色，這部作品講述了西班牙人殖民菲律賓的故事。為了紀念她，創造了一種舞蹈和服飾風格，並展現了其西班牙文化的影響。瑪麗亞·克拉拉的服裝是正式服裝，由設計精美的上衣和飄逸的裙子組成，肩膀上繫著一條叫做帕紐羅（天然纖維方塊）的圍巾。男士們穿著巴隆·塔加洛格，這是一種傳統的菲律賓襯衫，通常由菠蘿纖維製成，長袖，帶有精美的刺繡。這種舞蹈的道具包括竹製響板和阿巴尼科（亞洲扇子）。這套舞蹈包括許多不同的舞蹈，對菲律賓文化有著不同的意義。

伊戈羅特舞蹈

伊戈羅特是菲律賓的一個部落民族，居住在呂宋島北部的中央科迪勒拉地區。這六個不同的部落，統稱為伊戈羅特，分別是：阿帕亞奧族、邦托克族、伊巴洛伊族、伊富高族、卡林加族和坎卡奈族。這些部落更喜歡用他們各自的部落名稱來稱呼自己，而不是簡單地用伊戈羅特來稱呼自己，伊戈羅特是西班牙人對他們的分類詞。這些部落有著共同的宗教信仰，將他們與自然聯絡在一起。他們還用特殊的供品來崇拜家庭神靈。舞蹈在他們的儀式上表演，作為表達社群和諧的方式，作為對他們神的安撫，為了紀念他們的祖先，為了治癒疾病，為了獲得他們神的支援來進行即將到來的戰爭，為了避開厄運，為了尋求擺脫自然災害，為了確保豐收，天氣宜人，以及為了慶祝生命迴圈。在這些舞蹈中，婦女將罐子和/或籃子放在頭上，以展示婦女在社群中作為食物收集者和取水者的作用。對於男人來說，有一種叫做曼馬諾克的舞蹈，他們使用鮮豔的編織毯子來吸引婦女，還有一種叫做塔基林的舞蹈，男人在舞蹈和吟唱時會敲打他們的甘沙（黃銅鑼），以展示他們在武器和狩獵方面的技巧。

菲律賓的舞蹈受西班牙統治的影響很大。舞蹈和音樂採用了歐洲舞蹈的節奏和風格。例如，Tinikling 舞蹈和 Itik-Itik 舞蹈的節奏採用了 Jota 和 Polka 的節奏。^[85] 菲律賓人著名的其他舞蹈還有：

Pandango Sa Ilaw：一種西班牙舞蹈，需要很高的平衡技巧，因為需要在頭上和兩隻手的背面各拿三盞油燈。這種舞蹈起源於民都洛島的魯邦島。

Cariñosa：這種舞蹈的名字描述了一個女人，她充滿愛意，友善，惹人喜愛。這種舞蹈包括使用扇子和手帕，同時以一種調情的方式進行。

Rigodon：這種舞蹈起源於西班牙，最常用於正式場合。

Tinikling：這種民族民間舞蹈包括一對舞者在兩根竹竿之間跳躍，兩根竹竿被抬離地面，並隨著音樂的節奏互相敲打。^[86] 這種舞蹈模仿了鳥類敏捷地躲避稻田裡農民設定的竹製陷阱的靈活性。舞者象徵著鳥類，因此透過舞步展示了它們的敏捷性，而竹竿象徵著陷阱。^[87]

祖魯人和馬賽文化的舞蹈

介紹

舞蹈是許多非洲文化中非常重要的一部分。這對祖魯人和馬賽人來說尤其如此。這兩種文化都是遊牧民族，並且在文化方面有許多相似之處。儘管如此，他們在舞蹈表達方式上卻大相徑庭。為了解釋這一點，我們將深入研究馬賽和祖魯社會中舞蹈使用的各種文化方面，以找出社會相似之處以及舞蹈風格差異。首先，我們必須先看看祖魯人和馬賽人之間的一些社會相似之處。這包括年齡組、襲擊傳統以及牛的重要性。祖魯社會強調戰爭和襲擊。年齡組在這個過程中發揮了重要作用，因為年輕男性被分到這些組中，並在特定年齡組時成為襲擊者和戰士。在襲擊中，祖魯戰士會搶奪牛，這在他們的社會中是財富的衡量標準。沙卡，古代祖魯民族的統一者，透過他的王朝賦予了祖魯人對戰爭的驕傲。服兵役是強制性的，訓練也很嚴格。他還用牛角法和短刺矛改革了作戰方式，這也被用在戰士舞蹈中。他不斷入侵其他社會，正是這一點讓他的帝國獲得瞭如此強大的力量，並在他的人民中灌輸了一種民族主義意識。戰士由他們所在的年齡組來選擇。年齡組是年齡相差大約十年的群體。很多時候，這些年齡組被組織成老人、戰士和兒童。在青春期後的入會儀式中，女性會表演一種特殊的舞蹈。在沙卡的社會中，牛是財富的衡量標準。如果你沒有牛，你就不能結婚或支付奢侈品。牛可以透過襲擊其他社會或透過傑出的軍事行動來獲得。犧牲牛也是他們社會的重要組成部分；為了從戰鬥中安全返回或為取得勝利而進行準備而進行犧牲。相比之下，馬賽文化認為自己是一個純粹的遊牧社會，因此非常重視牛。他們也是一個襲擊社會。儘管他們在入會儀式中使用狩獵，但在馬賽社會中並不常見。與祖魯人一樣，馬賽人用牛作為財富的形式。他們認為牛是如此神聖，以至於他們不會在同一頓飯中吃牛的肉和喝牛的奶，因為他們認為將從活著的動物身上取下的東西與從死去的動物身上取下的東西混在一起是不尊重的。馬賽人還認為，上帝給了他們所有的牛，因此他們有權從其他部落那裡奪走牛。

戰爭舞蹈

祖魯人和馬賽王國都強調戰爭和襲擊。因此，他們有一個舞蹈來伴隨和描繪這些行為是自然的。他們都對這些戰士有一個稱呼。祖魯戰士被稱為 Indlamu，馬賽戰士被稱為 Moran。在祖魯人的例子中，他們的舞蹈以他們的戰士命名。祖魯舞蹈的特徵很多時候是踏步動作，這種動作給人一種沉重感，與大地相連。Indlamu 或戰士舞蹈就是一個例子。這種舞蹈在婚禮和其他舞蹈中都會表演。通常，Indlamu 或祖魯戰爭舞蹈由一大群人表演，舞者兩兩進入。它以整齊劃一的方式進行，在一些版本中包含三個部分，即入場和準備，然後是兩個套路。有一個領舞者，他負責發出開始和結束的訊號。這通常以踏步來表示。在包含三個部分的版本中，舞蹈的第一部分是入場，男人們蹲著，繞著舞蹈區域轉圈；然後舞者坐下，領舞者單獨表演。當他的獨舞結束後，領舞者發出開始舞蹈主部分的訊號，所有版本都會表演這一部分。最後這一部分使用一系列踏步，以棍棒或鼓的節奏進行。它還包括一系列踢腿動作，這些動作因部落而異，但通常包括一條腿向前直直伸出，或者從前面伸出，然後繞到側面。在這兩種情況下，腿都保持彎曲。在這種情況下，服裝通常是傳統的。鴕鳥羽毛被綁在膝蓋以下的腿上，在一些情況下還會綁在上臂上。他們還穿著丁字褲。當他們跳舞時，他們會拿著盾牌和長矛。他們還有一個頭飾，其風格類似於皇冠。馬賽人也有一種被稱為 Adumu 的戰士舞蹈。這是一種儀式舞蹈，他們自己表演：為戰士進入恍惚狀態而表演。與祖魯舞蹈不同，這種舞蹈不是為婚禮而表演，而是作為一種精神準備。它是對力量和耐力的考驗。舞蹈從戰士們形成一個圓形陣形開始。與祖魯人不同，馬賽戰士一開始站在圓圈的外面，來回搖擺，然後一兩個人來到中心開始跳舞。他們以直立杆狀的方式跳上跳下，目標是進入恍惚狀態。對於馬賽人來說，當中間的人累了時，就會被圓圈外的人替換。這種舞蹈的節奏來自圓圈邊緣的戰士們唱的頌歌，而中間的舞者跳得越來越高。在表演這種舞蹈的戰士階段，馬賽人會將頭髮編成長辮子。他們傳統的服裝是由紅色棉布製成的，與祖魯人穿的丁字褲相比非常保守。布料覆蓋了他們從胸部到下方的身體，有時看起來很像裙子。這兩種戰士舞蹈風格之間有著非常明顯的對比。祖魯人透過身體與大地的聯絡，幾乎與馬賽人形成鮮明對比，馬賽人透過跳躍動作向上伸向天空。馬賽人的陣形與祖魯人的陣形不同，祖魯人的舞蹈採用了一種非常軍事化的直線陣形，而馬賽人則站成一個圓圈。馬賽舞蹈沒有指定的人開始，而祖魯人版本中則是由軍事領袖開始。表演這些舞蹈的環境也是一個區別。馬賽舞蹈作為精神準備而表演，並非旨在成為一項公開活動，而祖魯舞蹈則在婚禮和其他場合表演。祖魯舞蹈的節奏來自棍棒，而不是像馬賽舞蹈那樣來自頌歌。馬賽人和祖魯人在服裝選擇方面也大相徑庭。祖魯人選擇穿丁字褲。馬賽人選擇穿長長的紅色長袍，這與丁字褲形成了鮮明的對比。

婚禮舞蹈

如前所述，這兩個社會都強調牛。一旦一個年輕人賺到了足夠的牛，他就可以結婚，並舉行一個儀式。在儀式中，會有跳舞。這對祖魯人和馬賽人來說都是如此。

祖魯人有一種不同的舞蹈，他們在婚禮上表演，叫做 Inkondlo。這種舞蹈是在新娘進入城鎮時表演的。新娘和她由她年齡組的其他女孩組成的伴娘團，在她們進入村莊時表演這種舞蹈。

舞蹈從新娘站在伴娘團後面開始。女孩們唱著 Inkondlo 婚禮歌曲。伴娘團一開始是彎著姿勢，然後逐漸直立起來。在一些版本中，舞者組成兩列，向外旋轉，彼此分開，然後在運動結束時在中心轉回來，形成一條直線。這部分動作很快，充滿活力，有前後移動的動作。伴娘團開始了舞蹈的下一部分，新娘和伴娘從伴娘團後面出來。走到前面時，新娘獨自表演，完成第一部分。這部分的動作非常端莊，令人愉悅。

Inkondlo 本身是一首押韻的詩。他們用它作為舞蹈的基礎。它是作為舞蹈的一部分而表演的。馬賽婚禮舞蹈被稱為 Kayamba；以伴奏音樂中使用的肋骨狀樂器命名。在馬賽人的例子中，部落中的年輕女孩是表演者。

這首音樂使用重複的旋律，由合唱團加倍。 它伴隨著高音的邦戈喇叭。 響板和口哨是次要的伴奏。 卡揚巴是其中一種響板；由木頭和蘆葦製成，裡面有小卵石。 這首音樂非常動感，有很多部分。 當年輕的女孩跳舞時，她們用系在腳踝上的鈴鐺來增添音樂。 這使得舞蹈非常有節奏。 馬賽婚禮舞蹈比祖魯人的婚禮舞蹈更像是為了娛樂婚禮的賓客。 馬賽人和祖魯人的婚禮舞蹈形成了鮮明的對比。 馬賽舞蹈深深紮根於其音樂中，並作為婚禮派對的娛樂表演。 祖魯舞蹈是一種慶祝的方式，將新娘帶入城鎮，並使用簡單的詩歌吟唱。 有趣的是，這些舞蹈都以其中使用的音樂命名；祖魯人以 Inkondlo 詩歌命名，馬賽人以卡揚巴樂器命名。 卡揚巴音樂非常動感，有很多部分。 祖魯音樂非常簡單，只有一部分的吟唱。 婚禮舞蹈的表演者也大不相同。 王國裡的年輕女孩表演了馬賽舞蹈。 相反，新娘方表演了祖魯舞蹈。

成年禮舞蹈

馬賽人和祖魯人文化中的男女都有年齡組。 為了成為下一年齡組的一部分，需要參加一些儀式和典禮。 很多時候，這些儀式包括跳舞。 在祖魯社會中，婦女有一個非常特別的儀式，因為她們成為了女人。 馬賽人中最引人入勝的儀式是殺死獅子之後。 祖魯婦女有一個非常有趣的舞蹈儀式，作為她們成為女人的一部分。 她們的入門儀式的一部分是在她們的茅屋裡與她們的母親和一個朋友隔離一週。 這段時期之後，她們走了出來，跳起了舞。 在為她們的舞蹈做準備時，她們製作了草制的服裝。 她們將草編織在一起，製作出她們的服裝，這些服裝將在儀式結束後被焚燒。 被入門的女人朋友和姐妹也會參加這種草制的服裝舞蹈。 最後一次儀式充滿了唱歌和跳舞。 這位女性與她的朋友和姐妹一起正式被入門。 儀式最後一步是焚燒草制服裝，這標誌著她們踏入了女人的行列。 作為他們成為男人的一部分，馬賽人必須參加獅子狩獵。 當他們成功時，會舉行一個儀式，包括 Engilkainoto 舞蹈。 這支舞蹈是為部落表演的，以慶祝他們的壯舉。 征服獅子的勇士們會選擇一位女性伴侶一起跳舞，並在聚集在一起觀看他們慶祝的人群中間跳舞。 每對情侶穿過人群走向中心，一起跳舞。 勇士們頭上戴著鴕鳥羽毛。 他們還帶著一把長矛，上面綁著獅子的爪子或尾巴。 他們的女性伴侶穿著珠飾連衣裙。 除了這些入門儀式是為了不同性別之外，在儀式中進行的舞蹈還有一些其他的對比。 首先，祖魯舞蹈是作為一群女性進行的，就像一個核心，而不是像馬賽舞蹈那樣是夥伴舞蹈。 他們的服裝也不同，馬賽人穿著他們的戰士制服，用獅子的爪子和尾巴裝飾他們的長矛。 祖魯舞蹈中的女孩穿著草制的服裝，在儀式結束後被焚燒。 馬賽舞蹈中的女孩穿著珠飾服裝，這是一種更持久的服裝。

衣索比亞舞蹈

衣索比亞有許多不同的舞蹈，這取決於地區。 主要舞蹈被稱為 Escista。 它主要使用肩膀和胸部進行快速運動。 另一種著名的舞蹈被稱為 Gurage，它與眾不同，因為腿部運動非常重要。 Gurage 使用踢腿動作，配合演奏的節奏。 另一種大型舞蹈是 Tigrenga，這種舞蹈需要一群人參與。 這些人會圍成一個圈，根據節奏在圈內移動。 有些人可能會選擇進入圓圈的中心，表演自己的動作。 這些舞蹈主要在婚禮和節日聚會上表演。 從中可以得出一個結論，那就是祖魯人和馬賽人使用不同的動作來刻畫相似的文化事件。 祖魯舞者有一種非常沉重的、接地氣的舞蹈感覺，而馬賽舞者則有一種非常緊繃的、跳躍的感覺。 透過使用關於生活相似方面的舞蹈，可以更容易地比較他們的風格。 儘管他們對生活方面的表達可能不同，但他們跳舞的內容讓我們瞭解了對他們來說什麼重要。

恍惚狀態、舞蹈和馬約特文化

進入恍惚狀態本身就被最廣泛、最基本地定義為任何與正常的清醒意識不同的意識或感知狀態；換句話說，當一個人的“肉體”部分或完全處於休眠狀態，而該人的精神保持清醒時，就會進入恍惚狀態。 在進入恍惚狀態的過程中，以及在實際處於恍惚狀態的過程中，處於恍惚狀態的個體的腦電波頻率實際上會發生變化。 腦電波頻率的變化是對身體和精神活動水平發生變化的反應。 具體來說，進入恍惚狀態的特徵是與β腦電波狀態相比，發生了相當大的變化或差異。 人類大腦已知有多種不同的腦電波狀態，包括β波、δ波、θ波、α波、μ波和γ波。 所有這些腦電波在任何時候都存在於人類的大腦中，但是當從事不同的活動或意識狀態時，某些波會更強大或更強烈。 例如，大腦中的β波與清醒、意識、警覺、活躍和集中注意力相關；因此，當一個人在白天清醒並參與活動時，這種腦電波是最強和最強烈，而其他腦電波則被置於背景或邊緣。 當一個人進入恍惚狀態時，β腦電波會被置於背景中，此時大腦的其他頻率會被增強並轉移到前臺。

進入恍惚狀態的行為通常是世界各地許多文化參與的一種儀式或精神實踐。 世界各地許多參與恍惚儀式的文化和部落通常使用音樂，尤其是舞蹈，作為參與的方式來進入恍惚狀態；舞蹈被一些文化用作進入恍惚狀態的方式，而其他文化則將舞蹈作為處於恍惚狀態的產物。 全球不同的文化在參與誘發恍惚的儀式時使用不同的方法和不同的技術，然而，在許多參與恍惚儀式的文化中發現的一個共同主題是使用舞蹈。 舞蹈不僅是誘發恍惚的儀式的組成部分，也是恍惚狀態本身的組成部分。 在許多不同的方面，“恍惚”的過程可以被視為幷包含在藝術和舞蹈的類別中。

馬約特人是一個特殊的文化，舞蹈和進入恍惚狀態的過程是他們生活中一個重要的因素。 馬約特是一個群島，位於莫三比克東北部和馬達加斯加西北部之間。 這個群島目前是一個屬於法國並受法國影響的地區，但許多土著群體仍然居住在馬約特並實踐他們的傳統習俗。 許多居住在馬約特的土著人來自附近的非洲國家，包括莫三比克和馬達加斯加，並在馬約特的各個島嶼定居。 馬約特的許多原住民相信靈魂附體，並透過舞蹈和其他儀式呼喚靈魂附體，以便進入恍惚狀態。 在儀式中沒有統一的舞蹈，相反，參與儀式的人表演了許多獨特的舞蹈；這是因為馬約特人相信並呼喚許多不同的靈魂，這些靈魂都有不同的舞蹈與之相關，事實上，參與恍惚狀態的人在被這些不同的靈魂“附體”時，經常會即興創作並創造自己的舞蹈。 馬約特涉及舞蹈的儀式通常會讓觀眾參與進來，觀眾拍手，而參與者則被某個靈魂附體，在觀眾面前跳舞。 這些舞蹈可以從優雅的動作到快速快速的舞蹈，[20] 這取決於參與者被“附體”的“靈魂”型別；當參與者被附體時，他們處於恍惚狀態。

美洲原住民舞蹈

美洲原住民舞蹈在他們的文化中有著深刻而深遠的靈性意義。 一個典型的例子是誇誇特爾人的面具儀式，誇誇特爾人是美國華盛頓州當地的一個美洲原住民部落。 這些儀式以一種奇妙而神秘的方式將歌曲、舞蹈和講故事融為一體。 故事的範圍從關於誇誇特爾人起源的故事到旨在嚇唬孩子們變得善良的愚蠢故事。 所有這些舞蹈都伴隨著吟唱和鼓聲，鼓聲主要由雪松和動物皮製成。

幽靈舞是由派尤特人在 19 世紀 90 年代創造和表演的，這是由於另一個文化主導半個世紀後，美國原住民所處的惡劣環境造成的。其中一個直接原因是 19 世紀後半葉野牛群的徹底屠殺。食物來源的枯竭意味著許多美國原住民被迫居住和工作在美國政府從土地上開闢的保留地。 (Garth Ahern-Hendryx)

舞蹈，藝術還是運動？

在美國社會，芭蕾舞演員有時被視為簡單或不運動。舞蹈“不是運動”，而僅僅是藝術形式。然而，在美國各地，許多美式足球運動員被送往芭蕾舞課，學習平衡、踮腳行走/奔跑和快速動作的技巧。退役的鋼鐵人球員林恩·斯旺和赫歇爾·沃克，以及前健美運動員州長阿諾德·施瓦辛格，曾經將芭蕾舞課納入他們的日常鍛鍊中。各種舞蹈，無論是現代舞、爵士舞、芭蕾舞、踢踏舞、 踢踏舞、街舞、霹靂舞、krumping、薩爾薩舞、華爾茲、狐步舞，甚至鋼管舞，都需要極強的控制力和力量，運動員們已經開始認識到這些好處。沃克甚至更進一步，在與沃斯堡芭蕾舞團的演出中表演。 “儘管經歷了兩天訓練營，並被龐大的線衛反覆撞擊，沃克卻將芭蕾舞表演稱為‘我做過的最難的事情’。”同樣，舞蹈演員也訓練得同樣刻苦，並且和許多職業運動員一樣長。西南華盛頓舞蹈合奏團的舞蹈演員在演出開始前 4 個月，每週六會排練長達 8 小時，並且每週還要上 3 到 6 節課。當我與該團隊一起演出時，我記得我在工作室裡度過了漫長而辛苦的時光，然後又去餐館工作。我認為舞蹈與運動的最大區別在於，體育場不會因為一場演出而座無虛席（場地非常小），而舞蹈演員從演出中獲得的報酬也少得多。雖然美式足球運動員和其他職業運動員每年都能賺到數百萬美元，但許多職業舞蹈演員卻無法獲得接近這個數額的報酬。這個領域也更具競爭性，因為只有首席芭蕾舞演員才能擔任主角。然而，在俄羅斯等其他文化中，莫斯科芭蕾舞團更受歡迎，觀眾更願意花高價觀看《火鳥》。人們對舞蹈演員投入其“運動”的辛勤工作缺乏興趣，以及普遍的認可，反映了美國娛樂的優先事項。在巴西巴伊亞等其他文化中，人們將舞蹈視為一種藝術和運動形式。在《我們不跳舞就會跌倒》這本書中，人類學家瑪格麗特·威爾遜講述了她自己在巴伊亞生活一段時間的經歷，並參與了卡波耶拉的學習。卡波耶拉最初是由從非洲帶來的奴隸在巴西創造的。據說它融合了非洲武術和巴西舞步。據說這種“搏鬥”形式是奴隸為了避免麻煩而設計的一種自衛機制，看起來像舞蹈。卡波耶拉類似於我們所知的武術，只是它涉及一小群人圍在中間的舞者周圍，當他們“搏鬥”時（從不進行身體接觸），伴隨多個樂器的節奏。當任何一方疲憊不堪、另一名舞者加入或音樂結束時，戰鬥就會停止。Roda 是卡波耶拉的另一種風格，或者說是卡波耶拉的文化框架，其中舞者形成一個圓圈，包圍另外兩名卡波耶拉舞者，他們接著進行一場同步的卡波耶拉對戰。Roda 在節奏對戰中體現了卡波耶拉藝術的運動方面，這種對戰只在節奏結束或另一名舞者取代一名卡波耶拉舞者時才會結束。圍繞著卡波耶拉舞者的圓圈也是這項藝術的傳統，在文化上象徵著挑戰巴西的壓迫。這些卡波耶拉小組四處“玩耍”，與不同的卡波耶拉小組進行對戰，或者說比賽，更現代的版本已成為巴西的國家運動，儘管它最初是一種神秘而古老的藝術形式。許多人可能會將卡波耶拉描述為一種舞蹈形式，這表明舞蹈可以被解釋為運動或藝術，具體取決於每個國家的文化結構。恰好在這裡，在美國，舞蹈被廣泛認為是一種藝術，而不是運動。但這並不意味著舞蹈演員不是運動員。

參考文獻

視覺藝術

洞穴壁畫

繪畫的文化習俗是一種藝術，其起源可以追溯到數萬年前的洞穴壁畫形式。雖然在世界各地都發現了洞穴壁畫，但這種藝術最早的例子出現在非洲的奈米比亞地區。這些壁畫描繪了動物，繪製在石板上，據測已有近 30,000 年的歷史，據推測是由桑人繪製的。自從 1969 年被發現以來，這些壁畫被認為是已知最早的洞穴藝術。然而，這一區別在 1994 年發現肖維巖洞後消失了。這個洞穴是法國南部洞穴探險者偶然發現的，洞壁上繪製著各種動物，從野牛、馬和鹿到獅子、犀牛和猛獁象。放射性測年將這些壁畫中最早部分的年代定在約 31,000 年前，這清楚地表明它們是迄今為止發現的最早的洞穴藝術形式。

洞穴藝術的實際用途一直是人們猜測的來源。透過研究現代部落社會的習俗，一些現代學者推測，洞穴壁畫可能與那些早期繪畫者社會的宗教和魔法觀念有關。然而，這些壁畫最初被創造出來的確切原因仍然是爭論的主題。這些壁畫是為了祝福早期獵人的努力而繪製的，還是為了作為一種薩滿教工具來進入精神世界而繪製的，或者是為了完全不同的原因而繪製的，這是一個可能永遠無法回答的問題。然而，洞穴壁畫本身的存在表明，即使從最早的時代開始，人類就對描繪周圍世界中的物體和環境感興趣。這種興趣在整個人類歷史的發展過程中一直存在於人類文化中。

史前人類可能使用了一些基本方法來繪製這些洞穴牆壁。據推測，他們使用鋒利的工具或長矛將大部分是動物的圖案刻在岩石上。他們用來裝飾洞穴藝術的顏料或顏色很可能是用木炭、菸灰、粘土或各種漿果製成的。基本的塗色工具可能是用稻草、樹葉或毛髮附著在棍棒或蘆葦上製成的。他們也可能透過中空的蘆葦或骨頭以噴槍的方式噴塗顏色。

古典到現代繪畫

RE Krew of Chalco Baner、Arian、Greko、Higer 和 Septimo 的塗鴉。墨西哥城 2009 年 9 月 16 日

縱觀歷史，繪畫與大多數其他藝術形式一樣，一直被用來表達情感、發明和時代的變遷。已知的第一幅繪畫是在法國洞穴中發現的，大約有32,000年的歷史。^[106] 比較熟悉的藝術作品則可以追溯到古希臘、羅馬和文藝復興時期。^[107] 在這段時期，宗教是藝術作品的主要主題，後來開始用複雜而精美的肖像畫來描繪政治人物。遠東風格，如中國和日本，也關注描繪宗教，但使用不同的媒介。他們更喜歡墨和絲綢，而西方文化則開始採用水彩和油畫的輕盈感。非洲藝術與西方藝術大不相同，因為他們擁有豐富的實用藝術。面具和珠寶是重要的配飾，用於象徵精神和祖先的儀式。雖然壁畫可以追溯到藝術作品的開端，但壁畫運動，或稱“Muarlismo”，是在1900年代將墨西哥藝術帶入人們視線的運動。墨西哥壁畫運動起源於1920年代，緊隨革命（1910-1917年）之後，是政府努力宣傳其意識形態和歷史願景的一部分。壁畫以加強墨西哥身份的方式完成，藝術家受委託創作墨西哥文化歷史及其人民的影像。也許受到20世紀壁畫的啟發，貝拉斯阿特斯宮側面建築板上的城市塗鴉繼續裝飾著墨西哥城。

塗鴉

塗鴉，也稱為街頭藝術，是在公共場所未經授權或委託的情況下放置的任何二維符號或影像。就藝術而言，它相對較新，通常涉及噴漆，但也使用其他型別的油漆，甚至貼紙。塗鴉是非法的，被視為破壞公物或破壞財產。雖然它可能引起爭議甚至淫穢，但塗鴉也已成為社會、政治和經濟評論的媒介。隨著班克斯等知名藝術家的作品獲得全球認可，它已成為一種全球現象。^[108] 藝術歷來是透過創造性轉變表達情感的方式，街頭藝術和塗鴉尤其以其坦率的意見和對現狀的批判眼光而聞名。它賦予“普通人”聲音，使數百人在建築物側面、火車車廂、地鐵、橋樑等地方都能輕易看到，在不危及藝術家免受迫害和逮捕的情況下，創造了一種對話，只要他們不被抓住。雖然主要平臺仍然是“標籤”，即一系列字母、符號或用作藝術家簽名的單詞，但越來越多的繪畫影像吸引了人們的注意，並將“塗鴉”重新命名為“街頭藝術”。社會動盪很大的地方有一些最有趣和最深刻的街頭藝術，例如伊朗，^[109] 巴西，東歐等等。德國柏林是第二次世界大戰後蘇聯統治東部和西部分裂期間歷史悠久的（從現代塗鴉的角度來看）街頭藝術運動的中心，該運動一直延續到今天。存在著無數種所謂的塗鴉，就像存在著許多其他藝術形式一樣，它可以是大或小，明確或含蓄，有爭議的，引人入勝的，或者對除了創造了這個平臺來展示作品的藝術家之外沒有任何真正的意義；它在對報復的恐懼中持續存在和發展，並且很可能會繼續在街頭作為一種新藝術形式蓬勃發展。

雕塑

雕塑是透過塑造或組合堅硬和/或塑性材料、聲音和/或文字或光線來創造的三維藝術作品，通常是石頭（岩石或大理石）、金屬、玻璃或木材。一些雕塑是透過尋找或雕刻直接創造的；另一些則是組裝在一起、燒製、焊接、模製或鑄造的。它們可以以圓形方式建造，也稱為獨立式，允許觀眾在雕塑周圍走動並從任何角度觀看，或者作為浮雕，其中形狀向前延伸，但仍然附著在背景表面上，並且旨在像觀察繪畫一樣從正面觀看。在這些類別中，有許多淺浮雕或淺浮雕的子領域，但隨著時間的推移，我們目睹了雕塑的傳統手段被操縱和重新加工，以創造當今的現代雕塑。^[110] 雕塑經常被繪製。創造雕塑的人被稱為雕塑家。由於雕塑涉及使用可以塑造或調節的材料，因此它被認為是塑性藝術之一。大多數公共藝術是雕塑。花園環境中排列的許多雕塑可能被稱為雕塑花園。^[111]

幾個世紀以來，有許多偉大的雕塑家有效地體現了他們時代的精神。其中一些是米開朗基羅，^[112] 奧古斯特·羅丹，^[113] 和吉安·洛倫佐·貝尼尼。^[114]

媒體

根據定義，媒體是指傳播新聞、娛樂、教育、資料和推廣的群眾傳播渠道。自印刷機問世以來，更容易生產大量報紙將新聞傳播給公眾，媒體的這種含義就一直存在。如今，大眾傳媒可以被視為一種藝術形式，因為在創造合適的、對公眾有效的傳達資訊的過程中，存在著許多方面和規則。媒體也可以被視為一種藝術形式，因為它是一種傳播到大量人群的表達形式。與繪畫、素描和雕塑等一些美術相比，媒體是一種不太明顯的藝術形式，但媒體的某些方面也具有創造性和努力，使媒體成為一種可以在日常生活中看到的藝術形式。

攝影

攝影一詞源於兩個古希臘詞：photo，意思是“光”，和graph，意思是“繪畫”。“用光繪畫”是看待攝影這個詞的一種方式。^[115] 可以說，攝影是由中國哲學家墨翟在公元前 5 世紀發明的，它一直是建立靜止影像的一種手段。墨翟能夠描述針孔相機，這是最簡單的型別。這可以用黑色油漆、一張空白照片和硬紙板製作。其原理是，透過一個小的針孔，光線可以以反射投影場景的方式照射到盒子後部的照片上。曼德·達蓋爾被認為是第一個印製照片的人。他的影像是在塗有碘化銀的銅板上處理的，它印刷清晰、銳利，並且可以被其他人複製。它被命名為達蓋爾照相法。^[116] 從那時起，攝影已經有了長足的進步，從 20 世紀初開始，人們發現了能夠永久儲存影像的化學化合物。^[117] 這種新技術帶來了記錄歷史文獻的新方法。這方面的第一個例子是亞伯拉罕·林肯總統的照片。林肯瞭解攝影的重要性，並在 1860 年委託美國攝影史上最著名的職業攝影師馬修·布雷迪拍攝了他的肖像。過去，北美原住民拒絕拍照，因為他們擔心會失去靈魂。在墨西哥的聖胡安查穆拉，在教堂裡拍照是非法的。^[118]

陶瓷

陶瓷是指用粘土製作物品的藝術。粘土是一種天然材料，可以被塑形和裝飾，創造出陶瓷藝術作品。乾燥時，粘土類似於粉末，但與水混合後，它會變成可塑的粘性物質，可以捏、卷或塑造成各種形狀，然後晾乾成為易碎的製品。當粘土完全乾燥到摸起來涼爽時，就必須在窯爐中以高達 2700 華氏度的溫度進行燒製。這使得新形狀永久固定，並改變了粘土的化學成分，使其不再能夠恢復到可塑的粘性狀態。陶藝家使用多種技巧來製作陶瓷。板狀結構（硬板和軟板）、盤卷、手工成型和輪制都是將粘土塑造成陶瓷藝術作品的方法。陶瓷藝術的一個主要要求是它必須是中空的。這是因為大多數陶瓷都有實際用途，例如盛放食物或液體，而且因為厚實的粘土塊，或者沒有正確地掏空和通風的形狀，很難乾燥和燒製，不會在窯爐中爆炸。粘土經過第一次燒製後，陶藝家通常會用釉料裝飾他們的作品，釉料是一種類似於油漆的液體，包含各種礦物質，與大量稀釋的粘土混合在一起。如果用釉料上色，陶瓷藝術必須在窯爐中進行第二次燒製，以將釉料永久地熔合到粘土上，並密封住器物，使其能夠盛放液體。

陶瓷一詞來源於古希臘語 keramakos，意思是“陶器”。已知最早的陶瓷製作工藝可以追溯到中國 20000 年前。這是一種幾乎所有已知的文化都曾實踐過的藝術形式。新墨西哥州一些民間陶藝家的作品展現了普韋布洛人的文化。普韋布洛陶藝家在歷經數代傳承的第一個燒製階段的技術，將新墨西哥州當地的紅粘土轉化為光滑的黑曜石陶瓷藝術傑作。這種技術最初是普韋布洛人用來收集、運輸和儲存食物和水的必要工具，如今已成為一種精美的藝術形式，在國際藝術界享有盛譽。

電視和電影

毫無疑問，隨著時間的推移和技術的進步，電視和電影在日常生活中的作用越來越突出。人們傾向於觀看電視和電影來娛樂或獲取新聞，尤其是因為它們變得更加普及，更容易被世界各地的人們觀看。然而，它們在不同的國家被賦予不同的意義，從塞爾維亞的一部分地區只能觀看特定的頻道，到美國幾乎每個家庭的電視上都有 500 個頻道。儘管電視和電影在過去幾年變得更加普遍，但大多數人沒有意識到媒體中存在的運作和腐敗現象，而這些現象正在進入千家萬戶。

美國的電視

美國家庭平均每天開著電視的時間為 7 小時 12 分鐘。 這很可能是因為美國 98% 的家庭至少有一臺電視機，而平均家庭擁有 2 到 3 臺電視機。作為一個國家，我們每年觀看 2500 億小時的電視節目，幾乎 50% 的美國人承認自己觀看電視的時間過長。電視是主要的廣告媒介，因為它非常普遍；30% 的電視廣播時間用於廣告，一年中大多數孩子會看到 20000 個 30 秒的廣告。 82% 的美國人認為，“我們大多數人購買和消費的遠超過了我們的需要。”

從小就開始看電視的孩子在以後的生活中更有可能不健康和肥胖。這會影響他們外出活動和與其他孩子互動的時間。由於缺乏活動和增加零食的攝入，這也會導致體重增加。 在 30 年的時間裡（從 1963 年到 1993 年），美國 6 到 11 歲的兒童中嚴重超重的比例從 4.5% 上升到 14%。

然而，電視並不一定全是負面的。包括我在內的許多觀眾認為，電視是一種非常受歡迎的放鬆方式，他們會收看自己喜歡的節目，以便在工作或學習一天後休息身心，補充能量。電視還可以滿足情感需求，儘管是在某種程度上比較膚淺的層面上，因為它經常充當逃避現實和發洩情緒的工具。簡而言之，雖然我同意過度觀看電視會帶來負面影響，例如增加消費率和導致兒童肥胖，但我相信，適度觀看電視是一種非常健康的習慣，可以為觀眾的生活提供寶貴的價值。

來自布法羅大學和俄亥俄州邁阿密大學的研究表明，電視也可以幫助人們避免孤獨和被排斥。它遵循“社會替代假設”，該假設認為人類可以使用技術來給自己提供一種虛假的社會歸屬感，即使實際上沒有發生任何真正的社會互動。與角色建立聯絡可以幫助觀眾減輕與他人建立聯絡的需要，讓人們感覺自己的社會需求得到了滿足。第一項研究發現，受試者在觀看自己喜歡的節目時，孤獨感減輕了。第二項研究發現，那些在社會層面上與節目建立了深度聯絡的人對節目的描述更加詳細。第三項研究發現，只是想到自己喜歡的節目，就可以緩衝受試者自我價值感的下降，以及負面情緒和被排斥感的增加。第四項研究發現，那些寫過自己喜歡的節目（如第二項研究中所述）的人，孤獨感減少了。然而，問題仍然存在，這種“社會替代”是否真正滿足了社會需求，還是僅僅壓制了它們。

媒體和電視

從涵蓋更廣泛材料的連續劇（例如離婚、混血關係、單親父母等），到質疑政治家和政府的行為，媒體幫助定義了什麼是“合法”的行為。1970 年，25% 的美國人表示從電視上獲取政治資訊，到 2005 年，這個數字增加了一倍多，達到 70%，他們從電視上獲取大部分資訊。如今，6 到 8 家公司控制著超過 50% 的媒體報道。這些公司包括：時代華納/美國線上、迪士尼、貝塔斯曼、維亞康姆、新聞集團和維旺迪。這個數字在過去幾十年發生了巨大變化，1981 年有 46 家主要公司，1986 年有 24 家，1990 年有 17 家，1996 年有 11 家。

跨國節日影片和出席率

在跨國的米斯特克人社群中，這個社群遍佈美國和墨西哥，影片已經成為跨越邊境國際界線的重要的溝通形式。與守護神日、十五歲生日和婚禮相關的社群節日，需要近親參加，尤其是教父母。然而，對於許多家庭來說，越過邊境，長途旅行是無法參加這些節日的。自 20 世紀 80 年代末以來，影片越來越多地被用來讓遠方的家庭成員從家中舒適的客廳參與這些節日。在加州的部分地區，經常可以看到阿姨和密友在活動結束後數年內反覆播放錄製的節日影片。

戲劇

戲劇是一種綜合表演者、道具、佈景和音樂來展現真實或虛構事件的藝術形式。它通常在舞臺上進行，但也可能在其他環境中展示，例如黑盒子、高臺，甚至街角。它是一種流行的表達方式，自人類文明早期就開始實踐。最早的戲劇例項可以在希臘城邦雅典找到。它在節日、宗教儀式、婚禮、政治等活動中被作為娛樂和新聞的一種形式呈現。戲劇在美國得到了很好的本土化，大多數城鎮都有自己的劇院，包括專業劇院和志願者劇院。全國百老匯巡演幾乎到達所有主要城市，而且全國大多數如果不是全部的話，高中和大學都為學生提供某種形式的戲劇。<sup id="cite_ref-130" class="reference"><a href="#cite_note-130"><span class="cite-bracket">[</span>130<span class="cite-bracket">]</span></a></sup>

莎士比亞戲劇

威廉·莎士比亞的作品以多種方式影響了文化，從現代對他的作品的重新演繹到傳統的逐字逐句的戲劇風格。莎士比亞的戲劇至今仍然透過語言學對文化產生影響，例如，“…具有莎士比亞式的規模”用來暗示某種重大意義，或者將拒絕放棄的愛人比喻為“羅密歐”。現代莎士比亞戲劇本身也具有自己的文化，各種演員和作家形成了一個專門致力於 400 年前作品的特定亞文化。一個很好的例子是俄勒岡州阿什蘭仍然運營的莎士比亞劇院，在那裡，演員和作家聚集在一起，創造了一個空間，為其他人表達他們的亞文化和對藝術的熱愛。莎士比亞的作品也可以被視為一種辯論，他以諷刺作品諷刺腐敗的政府和失敗的國王。<sup id="cite_ref-131" class="reference"><a href="#cite_note-131"><span class="cite-bracket">[</span>131<span class="cite-bracket">]</span></a></sup> 在藝術意義上，這使得莎士比亞能夠擺脫對當時政治人物的批評，並且可能有助於將諷刺寫作推向聚光燈下，為後來的著名諷刺作家鋪平道路。

即興戲劇

即興戲劇，也稱為“即興表演”，通常由一群“演員”組成，他們參與即興練習或遊戲，其中包括扮演場景的一部分。即興表演的本質是自發和即時的。它與有組織的靈活性和應變能力是同義詞。與常規劇院類似，即興戲劇也會進行常規演出和表演；突出主要演員。然而，即興戲劇是獨特的，因為它沒有固定的劇本要排練和記憶。導演可能有一個關於他們希望演出方向的大綱，但通常不會。偶爾會將音樂和/或其他混合視覺元素新增到練習中。練習和/或表演通常會涉及一個既定的主題：例如音樂劇。如果即興表演需要導演才能正常運作，則會使用藝術總監。通常情況下，該導演是之前的演員，或者目前正在參與練習。這些“導演或經理”往往會就他們各自的責任共同合作。這類組織與以競爭為基礎的組織不同，因為以競爭為基礎的組織具有預設的結構和組織目標。這種靈活的結構對即興戲劇團體很有吸引力，因為成員可以隨意來參加排練。即興戲劇團體的排練更側重於磨練作為即興演員的技能，而不是傳統的戲劇排練。

音樂劇

音樂劇是一種流行的戲劇表演形式，其中角色的對話透過說唱、歌曲和舞蹈來表達和傳達。雖然幾個世紀以來音樂一直被用於劇院來放大觀眾的體驗，但音樂劇特別側重於將對話融入表演者的歌曲和動作中。在音樂劇的演變過程中，音樂劇與歌劇相關聯。然而，一個普遍的區別方式可能是透過對話的傳遞方式。歌劇始終如一地歌唱，而音樂劇則會偶爾出現說唱對話、舞蹈以及融入當時流行的音樂型別。雖然音樂劇自古希臘就開始演出，但現代西式音樂劇直到 20 世紀初才開始演出。<ref>

東方音樂劇

The majority of western musicals performed today derive from Greek roots in theater and performance. However, many other forms of musical theater existed to east in Asia such as Chinese, Japanese, and Taiwanese Operas. The first recorded Chinese opera was known as the Canjun Opera and was supposedly performed during the Zhoa Dynasty sometime between 319 AD – 351 AD. Another eastern form of musical theater is Noh. Noh Is the Japanese term for “talent” or “skill” and is used to describe a Japanese musical. It has been performed since the mid-14th century and is still practiced today in specific Noh theaters. Taiwanese Opera or Koa-á-hì is the only known form of drama to emerge from Taiwan as early as the 18th century. Most of the songs are stories and folktales with occasional supernatural elements.

章節關鍵術語詞彙表

獨處遊戲 - 孩子們忙於獨自玩耍，可能不會注意到其他坐在他們旁邊或在他們附近玩耍的孩子。印象派 - 用於描述看起來未完成的繪畫的術語，因為它們顯示出可見的筆觸。起源於 1860 年代的法國，它們被用來描繪那一刻的視覺印象。立體主義 - 1907 年由巴勃羅·畢加索和喬治·布拉克開創的藝術風格。他們將普通形狀分解成抽象的幾何形式。現實主義 - 一種藝術形式，包括逼真的繪畫或繪畫，複製影像。後印象派 - 代表了印象派的延伸和對該風格固有侷限性的拒絕。文化習得 - 成為某種文化一部分的過程。模仿魔法 - 精神或宗教上的試圖操縱自然事件。接觸魔法 - 施咒語、招魂和巫毒娃娃。

學前教育：一種主要在美國發現的教育制度，父母可以將學齡前兒童送到這裡，接受照料並學習基本的“生活技能”（例如社會化和與他人分享），並與其他學齡前兒童互動。

轉型/表現性：文化根據分配的象徵意義來指導什麼是合適的和什麼是寶貴的。