文化人類學/遊戲、運動和藝術

遊戲

兒童甚至成年人透過遊戲訓練他們的身體和大腦以應對現實生活中的情況。透過玩耍，兒童獲得和學習許多有助於他們成長和發展的技能，例如合作、決策以及提高創造性思考和行動的能力。根據肯尼斯·R·金斯伯格的一份報告，“遊戲對健康的大腦發育至關重要。”[9]。大腦中神經細胞和神經元之間的模式和連線會受到兒童參與的活動（例如遊戲）的刺激和影響。應該鼓勵兒童玩耍，因為它可以對他們大腦的整體發育具有極大的建設性，並且在他們大腦中形成新的連線方面非常有效。這種重要的發展會影響“精細和粗大運動技能、語言、社會化、自我意識、情緒健康、創造力、解決問題和學習能力”，這些都是兒童未來發展的關鍵基石。 因此，鼓勵兒童玩耍，並終身保持玩耍。

玩耍也促使兒童以創造性和想象力的方式使用他們的大腦。這不僅發展和加強他們大腦中的連線，而且還使他們能夠體驗他們可能無法體驗到的世界的許多不同方面。這些“超凡脫俗”的體驗，可以透過兒童的創造性和想象力過程來實現，在這些過程中，他們經常在遊戲中創造虛構或“假裝”的世界。這些遊戲讓孩子們可以一起玩耍和創造性地思考。心理學家桑德拉·希納博士這樣評價幻想遊戲：“我們應該鼓勵孩子們這樣做，因為創造性思考者必須首先幻想想法，然後才能將這些想法變成現實。”

孩子們創造的遊戲通常有一套規則，玩家應該遵守這些規則。這些透過玩耍進行的規則制定合作不僅教導孩子們如何邏輯地提出想法和規則，而且還教導他們如何與他人互動、溝通，以及理解如何在群體中社交和工作。研究還表明，“在自由玩耍中，孩子們傾向於根據性別和膚色將自己分成群體”。 許多年來，大多數人類學家很少關注人類玩耍的重要性。直到最近，現代人類學家才意識到人類玩耍是一個重要的因素，並且由於它對人類行為的巨大影響而需要進行研究。玩耍行為現在被許多人類學領域的學者視為一種普遍現象，並且對於理解人類文化至關重要。

兒童玩耍

美國兒童的遊戲

在美國的學前教育體系中，玩耍被視為重要並得到鼓勵。在美國，父母通常會送孩子上幼兒園，在那裡他們與同齡的孩子互動，並學習重要的社交技能。鼓勵父母送孩子上幼兒園，以便他們學習翫耍和互動的技巧，這些技巧在他們長大後開始融入社會時將成為重要的技能。在這種情況下，幼兒園和玩耍的概念對幼兒有益，因為它教會了分享的生存技能，以及友誼、耐心和接納他人的許多其他技能。^[4] 幼兒園不僅教會孩子們必要的生存技能，而且也有利於他們的健康。例如，有特殊需要的兒童可以上幼兒園，以獲得治療益處，例如精細運動技能的發展、人際關係練習、創造性思維，最重要的是獲得樂趣的機會。許多專門為有特殊需要的兒童設立的學校採用了一種名為“地板時間”的技術，其核心是玩耍時間。這種與成人的一對一玩耍時間是特殊需要的兒童探索特定興趣領域和發展自我價值感的一個很好的方式，否則他們可能沒有接觸到這些機會。^[5]

幼兒社會性玩耍中的性別差異

兒童玩耍中的性別差異並非隨著時間的推移而保持一致。專注於學齡前兒童的研究發現，女孩通常比男孩在更小的年齡就發展出社交和結構化的玩耍形式，然而，男孩表現出更多的獨處玩耍。“在獨處玩耍中，孩子們（年齡從三歲到十八個月不等）非常專注於玩耍，他們可能不會注意到其他孩子坐在附近或玩耍。他們在透過觀察、抓取和搖晃物體來探索他們的世界，並且經常花很多時間獨自玩耍。獨處玩耍始於嬰兒期，在蹣跚學步的兒童中很常見。這是因為蹣跚學步的兒童的社交、認知和身體技能有限。然而，所有年齡段的人都應該有時間獨自玩耍”。^[6] [10] 在下一個發展階段，當聯合和合作玩耍成為主要焦點時，男孩通常趕上女孩。女性兒童在社會性玩耍方面具有優勢有很多原因。玩耍涉及溝通、角色扮演和合作。社會認知技能，如語言和心智理論，在女性中獲得的年齡較早。在第一年內，女性表現出更強的社會定向反應和麵部識別能力，以及更多眼神接觸。這些技能轉化為與同齡人的社交能力。女性玩耍質量可能更高的另一個原因可能與性別玩具有關。一項研究表明，當男孩和女孩玩耍刻板印象中的女性玩具時，他們的玩耍複雜程度最高，而當他們玩耍中性或男性刻板印象中的玩具時，則較低。 [11]

成年後的活動

巴塞羅那的派對上的成年人

在整個童年時期，玩耍對兒童的文化習得至關重要。隨著人類成長為成年人，玩耍的概念似乎逐漸消失。具有內在價值的休閒活動對於身心健康、獲得人生的成就感以及整體幸福感至關重要。在應對壓力時，玩耍和休閒的重要性經常被忽視。壓力已被證明對從國民健康到經濟的各個領域產生負面影響。一項加拿大研究估計，每年因壓力損失 120 億美元，43% 的美國人報告稱遭受與工作相關的倦怠。這些問題通常歸因於美國人缺乏休假時間，或者換句話說，缺乏休閒和玩耍。

當成年人有時間參與玩耍的活動，例如運動、愛好、跳舞或其他各種娛樂活動時，他們的生活質量會明顯受益。在吉姆·賴斯的文章“為什麼玩耍”中，^[7] 他寫道，成年人經常感到自己是時間的受害者，被義務壓倒，必須把所有時間都用在生產性的事情上。大多數成年人沒有意識到的是，玩耍和休閒是具有生產力的，因為它們對整體幸福感至關重要，並能減輕壓力，從而從長遠來看提高其他領域的生產力。成年人玩耍的一些方式包括進行戶外活動，例如遠足或划船，與朋友互動，或外出喝酒跳舞。

運動

運動是一種受規則約束的玩耍型別。在大多數情況下，它被認為是體力活動和競爭性的。在幾乎所有形式的運動中，競爭都會決定贏家和輸家。體力活動在不同運動之間差異很大，例如高爾夫球與足球。運動往往包含玩耍、工作和休閒。體力活動較少的運動形式往往構成玩耍，而體力活動更多、對運動員要求更高的運動通常作為運動員和運動隊老闆的工作。然而，運動通常以衝突為定義，其目標始終是讓一方對手或隊伍獲勝。在某些文化中，衝突解決通常是目標。這種型別的玩耍，因為它是由既定規則定義的，創造了一個虛擬世界，參與者可以在其中創造英雄、敵人、經歷痛苦和慶祝，而無需現實世界的影響。運動員和隊伍不僅為了相互對抗，而且為了代表自己作為運動員和他們的隊伍。^[8]

文化中的運動

守門員撲救禁區內的近距離射門

顯示全球足球普及程度的地圖

足球/足球

運動在不同文化中具有不同的含義。足球起源於歐洲，已有數千年的歷史。一些最早的形式被記錄為戰後儀式，他們使用敵人的頭部而不是球。在對巴西足球的一項研究中，珍妮特·利弗博士發現，有組織的運動有助於政治統一以及對民族國家的忠誠。^[9] 在巴西，每個城市至少擁有一支職業足球隊。有趣的是，不同的球隊往往代表不同的文化群體，例如不同的經濟水平和種族。這在地方層面上創造了忠誠，但代表一個城市參加全國錦標賽的球隊將獲得該城市所有人的支援，從而在更高級別上建立起政治統一。對球隊代表的支援堅定不移，讓人們有了認同感。他們對球隊的支援可以看作是對國家的支援。在世界盃錦標賽中，這種情況尤其明顯，因為整個巴西團結起來支援他們國家的官方球隊。巴西球迷喜歡吹噓“五星巴西”，因為他們是唯一一支五次贏得世界盃的國家；1958 年、1962 年、1970 年、1994 年和 2002 年。^[10] 足球將巴西團結在一起，但重要的是要注意，運動並不總是創造團結。運動激發了所有運動員的攻擊性和競爭性。它們還突出了不平等，例如男性和女性之間的性別隔離。巴西女性對足球的興趣遠不如男性，因此，在這一方面與男性保持分離。（最後一句話可能並不完全準確，因為大量的巴西女性是世界上最狂熱的足球迷。此外，巴西女子國家隊是這項運動中最成功的俱樂部。）^[11]

在塞爾維亞共和國，人們認為踢足球可以提升人的素質。這些方面包括侵略性、競爭性、身體力量、協調性、團隊合作、紀律和速度。這些都是與男性性別相關的品質。男人們經常一起在家裡、當地商店前等地方觀看比賽，這是一種普遍的做法。女性不受歡迎，通常在比賽開始前被要求離開，或被要求在比賽結束後才能來。塞爾維亞文化中這種以男性為主導的方面與巴西男女之間存在的性別隔離相呼應。 足球突出的另一個不平等現象是上層社會和下層社會之間的差異。足球在整個 20 世紀特別受到窮人的喜愛。許多貧困男孩夢想成為下一個貝利或羅納爾多，正因為如此，他們更加推進了國家足球文化。對足球的夢想是數百萬想要擺脫貧困的貧困兒童的動力。在巴西人的生活中，足球文化的影響力往往超過政治或經濟。

美式橄欖球

美式橄欖球有許多在電視上廣泛轉播的比賽，每年都會吸引大量觀眾。這些比賽包括超級碗，每年 2 月初都會吸引數百萬電視觀眾，還有每年新年左右舉行的大學橄欖球的多個 BCS（碗錦標賽系列）碗賽。

美國國家橄欖球聯盟（NFL）是美國各地 32 支職業球隊的組織。NFL 在全球範圍內越來越受歡迎。在 2008-09 年 NFL 賽季，新奧爾良聖徒隊和聖地亞哥閃電隊在倫敦進行了常規賽，並且從那以後每年至少進行一場國際比賽。這樣做是為了幫助 NFL 變得更加全球化，並擴充套件比賽的文化。橄欖球是一項暴力運動，在職業級別，比賽中經常出現兩名出色的運動員全速衝向彼此，而他們所穿的護墊和頭盔保護他們免受危險。橄欖球的侵略性是其受歡迎程度的主要貢獻因素，堅韌和毅力是其主要的優點。然而，科學研究揭示了球員在晚年遭受的健康問題，包括 CTE 和痴呆症，這讓人們開始擔心，這項運動的負面影響是否超過了積極影響。

棒球

在多明尼加共和國，一個年輕男孩在一場練習賽中與志願裁判爭論球和好球。

這項世界性的運動一直是多明尼加共和國文化生活的中心，將多明尼加人彼此聯絡起來，並將他們與整個加勒比地區聯絡起來，已有 100 多年的歷史。 這個小小的加勒比海島嶼是美國許多美國職業棒球大聯盟最佳球員的家鄉，美國職業棒球大聯盟是美國職業棒球大聯盟的執行機構，也是世界大賽的舉辦地。職業棒球大聯盟的英雄，如薩米·索薩、佩德羅·馬丁內斯和大衛·奧蒂茲，都在多明尼加共和國的這項運動中脫穎而出，為了實現他們最終的職業夢想——在美國職業棒球大聯盟打球。由於多明尼加共和國是一個經濟貧困的國家，雖然大衛·奧蒂茲和其他球員回來幫助促進這些孩子的成長，幫助他們實現夢想，並向他們展示他們可以用棒球來體驗其他文化，同時打著他們喜歡的運動。從小的男孩到青少年，他們一生都在努力成為最好的棒球運動員。這種持續的競爭是娛樂的來源，這就是棒球比賽是多明尼加文化的重要組成部分的原因。大多數女性被禁止參加這項運動。這條規則與其說是性別歧視，不如說是為了保護女性，因為大多數多明尼加人認為棒球對女性來說是一項危險的運動，因為球很硬，隨時都可能擊中任何地方。雖然法律上沒有規定女性不能打棒球，但她們傳統上沒有參加這項文化娛樂活動。為了讓女性參與，她們創造了一項名為壘球的運動，類似於棒球，但球更大、更軟。對於多明尼加共和國的男性來說，棒球不僅僅是一項很棒的愛好，也是一種相互聯絡的方式，它也是一個努力成為最佳運動員的機會。棒球是美國的一個重要組成部分，它幫助塑造了體育史。當亞洲開始打棒球時，美國來到這裡，並掀起了一場革命。

雖然符號和語言在各種運動中都有使用，但它們對棒球運動至關重要。在完整的九局棒球比賽中，球場上幾乎沒有完全安靜的時刻。在美國文化中，三壘教練會用一些手勢和手勢來傳達給擊球手特定的動作（揮棒、觸擊、接球等）。球員在球場上使用手勢和語音指令來傳達位置變化、出局數以及關於擊球手通常擊球位置的提示。棒球中最重要的是捕手使用符號和手勢，這些手勢是針對投手發出的。這些手勢是比賽中不可或缺的一部分，因為它們告訴投手接下來要投什麼樣的球（曲球、快速球、滑球等）。在棒球中，指令來自球隊的不同成員（三壘教練、一壘教練、主教練、球員等），具體取決於比賽的文化和國家。例如，在美國文化中，擊球訊號來自三壘教練，接球訊號來自主教練。 正如棒球沒有球或球棒就無法進行一樣，如果沒有溝通、符號和手勢，棒球也無法進行。此外，棒球是美國的主流運動，與美式橄欖球或足球等其他運動不同，棒球沒有計時器。這使得球員可以展示自己的技能，而不必擔心時間管理，從而創造出緊張的技能展示。

籃球

籃球在美國同樣受歡迎，它在全球範圍內也擁有越來越多的粉絲。籃球比賽由每隊五名球員進行，主要目標是透過將球成功投進籃筐來得分。籃球在美國各地廣泛開展，深受男女老少的喜愛。它也是世界上最受歡迎和觀看人數最多的運動之一。

婦女運動平等的鬥爭已經持續了很多年。WNBA 直到 1997 年才成立，但隨著謝麗爾·斯伍普斯、辛西婭·庫珀、麗莎·萊斯利、戴安娜·陶樂西和坎迪斯·帕克等球星的崛起，這項運動的受歡迎程度也隨之提高。謝麗爾·斯伍普斯和辛西婭·庫珀帶領休斯頓彗星隊贏得了前四屆 WNBA 錦標賽，並且是 WNBA 的第一個王朝。WNBA 已經變得如此受歡迎，其觀眾數量超過了 NHL 和 MLB。第九條對 WNBA 產生了巨大影響，因為它幫助了大學籃球運動員，使他們能夠獲得獎學金。除了美國，籃球在許多其他國家也極其受歡迎。籃球在國家全球化中發揮了重要作用。美國對籃球世界的全球化影響最大，因為它擁有規模最大、最受歡迎的職業聯賽。NBA 是美國最大的職業籃球聯賽，並不斷努力與世界各地的籃球聯賽互動。今年，NBA 希望透過讓 12 支球隊在 10 個不同的國際城市進行 10 場比賽來繼續其全球化努力。NBA 希望影響更多國際城市組建籃球隊和聯賽，這些比賽將在這些國家和城市舉行。

拳擊

拳擊是一項起源於古老格鬥的運動，在世界大多數地區都很流行，包括美洲、歐洲和亞洲。拳擊起源於史前時代，這項運動經過多年的發展，人氣也隨之起伏。在美國，目前有四個主要的拳擊認證機構：世界拳擊組織（WBO）、國際拳擊組織（IBF）、世界拳擊協會（WBA）和世界拳擊理事會（WBC）。由於拳擊與該地區的文化有關，因此在不同國家的流行程度也不同。與拳擊有著密切文化聯絡的國家包括墨西哥、俄羅斯和美國，這些地區產生了相當一部分著名的拳擊冠軍。然而，許多職業拳擊明星成為了跨文化的國際偶像，例如邁克·泰森、穆罕默德·阿里和羅伯託·杜蘭等等。雖然職業拳擊的收視率自 2000 年代以來有所下降，但業餘拳擊仍然是一項在各種文化中都很受歡迎的運動，因為它是一項奧運會運動。

遊戲和電子競技

由於缺乏體力消耗，電子遊戲傳統上不被視為一項運動。然而，電子遊戲在主流文化中越來越受歡迎。電子競技（eSports）是一種透過線上裝置進行的競技形式，通常在舒適的家中進行，但近年來也開始在體育場館舉行。電子競技最常見的形式是有組織的多人電子遊戲比賽，尤其是職業玩家之間的比賽。電子競技在發達國家甚至舉辦大型賽事和比賽，玩家們聚在一起，比拼技能，爭奪現金獎勵。電子競技在美國、亞洲、歐洲以及韓國尤其受歡迎。電子競技的獎金可以超過 10,000 美元（團隊比賽），個人比賽的獎金約為 6,000 美元。許多這樣的比賽甚至由 ESPN 等體育網路進行報道。 [12]。除了現金獎勵外，玩家和團隊還會像納斯卡賽車手、職業單板滑雪運動員和美國足球隊一樣，受到 Razer、紅牛、羅技、Geico 和 Monster Energy 等公司的贊助。反恐精英、英雄聯盟、Dota 2、守望先鋒、絕地求生和星際爭霸等遊戲是領先的電子競技遊戲。更多的遊戲正在加入到競技場景中，例如拳皇和鐵拳等格鬥遊戲。

在“多人線上戰術競技”（MOBA）類遊戲中，例如英雄聯盟和 Dota 2，其玩法類似於傳統的體育專案。2016 年國際邀請賽的獎金池高達 20,770,640 美元。 1。同年，英雄聯盟世界賽的觀看人數超過了同年超級碗的觀看人數。這些遊戲社群創造了“電子競技”（電子體育）一詞，並獲得了美國政府的認可，為職業玩家發放體育簽證。在 MOBA 社群中，玩家通常將自己的遊戲視為電子競技，但這一觀點並未得到公眾的普遍認可。

然而，這個行業也面臨著一些挑戰。在韓國，有抱負的職業玩家通常每天訓練 14 到 16 個小時，而少數成功人士的薪水遠遠低於全國平均水平。在韓國，頂尖職業玩家的年薪可達 35,000 到 40,000 美元，但小團隊的玩家平均年薪在 9,000 到 10,000 美元之間。儘管如此，許多電子競技玩家在團隊或個人比賽中都有著輝煌而成功的職業生涯。此外，職業玩家通常擁有較長的職業生涯，具體取決於年齡組和遊戲型別。 [13]。

參與體育運動的積極影響

參與體育運動有很多好處。它可以促進健康的生活方式，提供團隊合作的機會，增強力量、毅力、領導能力和紀律性。它還可以增強自信心，無論是在球場上還是在球場外。這些都是幫助孩子們成長為獨立、有動力的人的重要特質。有研究表明，參與體育運動的少女可能過上更安全、更積極的生活。

研究表明，運動員的成績更好，標準化考試的成績也更好。例如，游泳、網球和田徑是成績最好的運動專案之一。體育運動中的習慣會延續到學業成績中。女孩們會設定目標，幫助她們保持專注，並關注自己的身心健康。教練和父母開始對運動員產生潛意識的期望，使他們避免參與不應參與的活動。

Russell R. Pate 博士、Stewart G. Trost 博士、Sarah Levin 博士和 Marsha Dowda 博士進行的一項研究發現，約 70% 的男性學生和 53% 的女性學生報告在學校或校外參加了 1 個或多個運動隊；參與率因年齡、性別和種族而異。男性運動員比男性非運動員更有可能報告前一天食用了水果和蔬菜，並且不太可能報告吸菸、吸食可卡因和其他非法藥物，以及試圖減肥。與女性非運動員相比，女性運動員更有可能報告前一天食用了蔬菜，並且不太可能報告過去 3 個月內發生過性行為。

參與體育運動與數學和科學方面的成功有關，而這兩門學科傳統上是男性主導的。對此的一種解釋可能是，體育運動幫助女孩抵制限制她們在這些領域堅持和競爭的傳統性別刻板印象。為了探討這一點，我們對比了體育運動對男孩和女孩在被認為是男性化（物理學）和女性化（外語）的學術領域的影響。此外，我們根據男性化或女性化特徵對體育運動進行區分，以確定可能強化或挑戰傳統性別規範的活動。總的來說，參與體育運動具有積極的影響。與同性別的非參與者相比，女孩更有可能學習物理和外語，而男孩更有可能學習外語。體育運動類別揭示了男孩和女孩的不同模式，男性化體育運動與女孩的物理學和男孩的外語相關聯，而女性化體育運動只與女孩的外語相關聯。這些發現證實了之前的研究，即體育運動可以提高學業成績，但表明體育運動的影響並非統一的。雖然某些體育運動可能會抵消傳統的女性氣質，並幫助女孩堅持在男性化的領域，但其他體育運動可能無法提供相同的好處。(Crissey, S. R., Pearson, J., and Riegle-Crumb, C."Gender Differences in the Effects of Sports Participation on Academic Outcomes")

當高度參與體育運動時，整體健康也成為重中之重。學習時間管理技能至關重要，因為每天都包括 6 個小時的學校、體育運動、家庭時間和作業，否則人體會疲憊不堪，無法發揮最佳狀態。當人們的身體狀況更好時，他們更有動力養成健康的飲食習慣，這些習慣會伴隨一生。養成健康的飲食習慣可以讓人們有更多能量在體育運動中發揮出色，並有助於預防心臟病和糖尿病等疾病。因此，透過體育運動進行鍛鍊必須伴隨著健康的生活方式。

團隊運動的益處

與其他運動員組成團隊可以創造一個緊密的社群，人們學會信任其他球員，並依靠他人的幫助來實現共同的目標。一個有效團隊的環境是協作的，沒有威脅的；這使得學習更加開放和專注。在比賽中，人們可以更快地學習團結一致和妥協等技能。這些聯絡可以超越比賽場地，延續到運動員的社交和商業生活中。例如，一個人在球場上的打法和交流方式可以反映出他們在商務會議上的交流方式，以及他們如何努力實現目標。團隊合作可以幫助團隊克服困難的挑戰，因為團隊的思維和工作可以比一個人更強大、更成功。他們允許在如何應對挑戰方面進行多元化思考，並允許團隊在持續的支援下保持穩定。 體育運動可以使運動員更加註重健康，更有動力，更專注，更有活力。成為團隊的一份子可以使運動員更好地與他人溝通，考慮他人的需求，解決批判性思維問題，併成為領導者。

健康的生活方式

美國目前存在著過度飲食和不健康生活方式的流行病。一個主要的擔憂是兒童肥胖率的上升。孩子們在沒有正確飲食和鍛鍊知識的情況下長大，當他們成熟時，他們已經陷入不健康的生活方式。與其他國家相比，美國在走向更健康世界的運動中落後了。導致美國肥胖率最近飆升的其他原因是，過去一個世紀以來科技的快速發展，幾乎完全消除了我們日常生活的體力鍛鍊，除非人們有意識地努力鍛鍊。一些被指責的科技例子包括汽車的發明，它消除了人們從一個地方步行到另一個地方的必要性，以及工廠流水線的發明，它以更快、更高效的方式生產、包裝和運輸食物。 這些發展也使我們能夠用大量生產的廉價、高熱量、美味的食物來儲備雜貨店的貨架。 這些科技發展使美國作為一個社會的人口增長，同時也損害了其公民的健康。

健康的生活和身體健康是我們日常生活中非常重要的方面。身體健康不僅有助於人們過上健康的生活，還有助於人們活得更長久。如果你能夠在一生中保持積極的生活方式，你將能夠延緩骨質疏鬆症的發生，並降低慢性病的風險。此外，從小就將體育鍛煉納入日常生活的人，更有可能在長大後繼續保持這種習慣，並在整個生命週期中從中受益。體育活動被定義為任何消耗能量的運動。鍛鍊是體育活動的一個子集，但它是一種有組織、有計劃的活動。雖然許多兒童參與體育活動，通常是透過與朋友玩耍和參加團隊運動來實現的，但隨著他們成長為青少年，他們獲得的體育活動量通常會下降。如今，在美國，20% 以上的兒童肥胖或超重。除此之外，缺乏運動和不良飲食每年導致美國 30 萬人死亡。研究證明，每週至少進行 3 次，每次 30 分鐘的中等強度體育活動，可以獲得顯著的健康益處，甚至可以分成三次 10 分鐘的鍛鍊，其效果與一次 30 分鐘的鍛鍊相同。然而，更頻繁的鍛鍊肯定會帶來更快的改善。

參加體育運動有很多積極的影響。首先，參與體育運動會讓你在所參加的運動中以及生活中養成許多價值觀和紀律。參加體育運動有助於你與隊友發展團隊合作精神。團隊中的每個人都在為一個共同的目標（勝利）而努力，體育運動的成功需要無私的團隊合作。成功並非易事，為了在體育運動和生活中取得成功，你需要付出最大的努力去實現自己的目標。當你練習對所參加的運動的奉獻精神和努力工作時，你會意識到取得成功需要付出多少努力，在未來，你更有可能在生活中取得成功。體育運動非常積極。

體育與全球化

可以觀察到，幾十年來，體育已成為推動全球化效應的工具，全球化是指企業或其他組織在國際上發展影響力或開始在國際範圍內運營的過程。這一過程對世界各地社會的環境、文化、政治制度、經濟發展和繁榮以及人類身體健康都產生影響。

國際球隊和聯賽以及對大型體育賽事的參與，推動了一個角落市場，它偏離了體育的小社群意識，將其變成了一個產業。一些最大、最容易辨認的例子包括奧運會和世界盃。這些賽事透過遵循市場營銷和商業策略，而不是僅僅投資於專業比賽的驚險壯麗，已經變得如此龐大。

“世界各地體育經理人所採用的許多積累策略一般都是在美國構思的”——這可以支援這樣一種觀點，即體育的全球化實際上是國際產業的美國化。體育作為一個市場意味著，一些大型企業集團參與了全球生產過程。這包括少數幾家全球大型電信網路、世界知名體育品牌、跨國公司和國際體育管理公司。這些集團決定大型全球體育賽事的日程安排和製作，利用海外廉價勞動力生產體育器材和服裝，在國際上推廣某些聯賽和球隊，銷售商品和特許經營權，並控制以運動員何時何地比賽為中心的職業生涯。

布洛克大學的露西·蒂博（Lucie Thibault）提到，在全球範圍內，專業聯賽中可以追溯到運動員的多種來源，以及以前從未參加過國際體育賽事的國家參與國際體育賽事的增加，以及在打破了許多性別、宗教和氣候障礙的運動中參賽的運動員數量的增加，這些都是體育全球化的積極意義。然而，她還觸及了體育產業全球化的負面事實。蒂博提到了引誘運動員離開祖國為外國效力，在第三世界國家開採體育服裝和器材生產方面的勞動力，以及大型體育賽事對生態環境的影響。

在當今的市場上，“媒體擁有專業知識和技術裝置，可以將體育製作成一個便於觀眾消費的包裹”，世界各地的文化都參與其中。國際大型體育運動的發展方向及其對全球經濟、文化和環境的影響，可能會變得更糟，也可能不會。有些人可能會說，它帶來的負面影響比積極影響更大。當然，這一點並沒有得到大規模的宣傳，但這並不意味著它的所有影響都不存在。奧運會、世界盃、殘奧會和英聯邦運動會只是推動這個產業發展的幾個例子，並將不斷由跨國公司、全球電信公司以及主要的運動服裝和器材公司生產出來。運動員、球隊和聯賽將被控制、展示和利用來推廣活動和品牌，以推動這種全球化方式創造的持續鉅額利潤。

透過國際比賽分享文化

國際比賽為社會言論提供了一個獨特的平臺。廣播、電視和流媒體技術使世界舞臺上的運動員能夠直接向世界各地的人們傳播價值觀。與聯盟或聯賽比賽類似，國際比賽吸引了大量、持續的觀眾群體。然而，國際比賽的全球受眾更廣。“大型賽事”，例如奧運會，是“……國家內部和國家之間變革和現代化程序的重要參考點……”。

1989 年在墨西哥城舉行的奧運會為美國黑人運動員提供了一個平臺，讓他們關注美國持續存在的種族主義問題。湯米·史密斯（Tommie Smith）和約翰·卡洛斯（John Carlos）分別是 200 米比賽的冠軍和季軍，他們在領獎臺上赤腳站立，穿著黑色襪子，史密斯戴著黑色圍巾。他們都舉起戴著黑色手套的拳頭，象徵著黑人力量和黑人團結。200 米比賽的銀牌獲得者，澳大利亞人彼得·諾曼（Peter Norman）身穿奧林匹克人權專案（OPHR）的徽章，表達了對這一事業的支援。史密斯和卡洛斯遭到國際奧委會譴責，並受到死亡威脅。回到家鄉後，他們受到非裔美國社群的讚揚。

藝術

藝術源於玩樂的創造力；這是所有人類都擁有的東西。請記住，那些被描述為“藝術”的活動與自由玩耍不同，因為它們遵循一定的規則。藝術包括體育、舞蹈、戲劇藝術等。藝術規則會特別關注藝術家/玩家所製作的活動或物品的形式，並提供評估其形式的標準。儘管如此，藝術最終是主觀的，並受其製作和創作的文化的支配。

人類學家亞歷山大·阿蘭（Alexander Alland）將藝術定義為“玩弄形式，產生某種審美上成功的轉變——再現”（1977 年，第 39 頁）。在阿蘭的定義中：形式是對正在組織的遊戲型別施加的適當限制。例如，繪畫是一種二維形式。“審美成功”意味著藝術作品的創作者和/或觀眾對藝術作品“體驗到積極或消極的反應”。質量較差的審美作品會引起不成功的反應，從而導致觀眾甚至作者對藝術作品感到漠不關心。理解“轉型-再現”這個詞的最簡單方法是注意到任何事物的象徵意義都比表面外觀更深，文化指引著什麼是恰當和有價值的。由於阿蘭認為“轉型-再現”相互依賴，因此這兩個詞應一起提及。“轉型-再現”是比喻的另一種說法。繪畫將體驗比喻地轉化為二維表面上的可見標記。同樣，詩歌將體驗比喻地轉化為濃縮和緊湊的語言。

有意藝術包括為了成為藝術而創作的物品，例如印象派繪畫。然而，挪用藝術包含所有其他“成為藝術”的物品，因為在某個時刻，某些人決定它們屬於藝術範疇。大多數情況下，該範疇是由西方社會形成的，而這些物品或活動可能並不一定適合另一個社會文化的相同範疇。

人類學家謝莉·艾林頓認為，為了將一個物體轉變為藝術品，必須有人願意展示它。當西方社會看到符合其藝術定義的物品時，它就會被放到“藝術”市場上。艾林頓還指出，西方的藝術觀傾向於選擇以下型別的物品：“便攜、耐用、在世俗的西方沒有實際用途，並且具有代表性。” 當西方對藝術的定義開始利用某些文化來獲取具有“異域風情”魅力的物品時，就會出現問題。例如，西方社會對“異域”藝術的需求很強烈。這種藝術通常在某個時候成為時尚的裝飾，而到了下一年就過時了。這種“來來去去”的時尚可能會威脅到與文物相關的社會的國際經濟政策和資源開採專案。與遊戲一樣，藝術挑戰其貢獻者提供替代現實，並有機會對世界觀進行評論或改變。

藝術運動

印象派

印象派是用來描述看起來未完成的繪畫的術語，因為它們顯示出明顯的筆觸。這些繪畫描繪了日常生活。1874 年，印象派畫家在巴黎組織了一場展覽，由此開啟了印象派運動。他們稱自己為“匿名藝術家協會”。最著名的成員包括克勞德·莫奈、埃德加·德加和卡米耶·畢沙羅。

後印象派

後印象派始於 1880 年代後期。後印象派藝術家以與印象派藝術家類似的風格作畫，但他們加入了新的理念。他們不僅描繪了在日常生活中看到的東西。他們使用了更多的象徵主義。這場運動中最著名的成員是保羅·高更、喬治·修拉、文森特·梵高和保羅·塞尚。然而，他們各自為戰，並沒有把自己看作是運動的一部分。

立體主義

一種由帕勃羅·畢加索和喬治·布拉克於 1907 年開創的藝術風格。立體主義採用普通的形狀，並將它們分解成抽象的幾何形式。 立體主義玩弄透視和形式，打破了傳統的西方藝術長期以來的規則，為當時的藝術界注入新的活力。立體主義被許多人認為是現代藝術的首批形式之一。

達達主義和超現實主義

達達主義被描述為反藝術，它挑戰了被認為是藝術的東西。達達主義是對第一次世界大戰開始時混亂時代的回應，是整個歐洲的先鋒派叛逆。它是反戰的，是對當時墨守成規的社會批判。它迅速傳播到柏林，在那裡它得到了包豪斯藝術學院、現代主義和超現實主義的推動，這些運動在那裡蓬勃發展。也許最著名的達達藝術作品是馬塞爾·杜尚的“泉”，它是一個放在柱子上的瓷質小便池，上面刻著“R. Mutt”的名字。“泉”是杜尚試圖將藝術從創作過程轉變為解釋過程的嘗試，這是達達運動的關鍵部分。其他著名作品，如薩爾瓦多·達利的《記憶的永續性》——描繪了融化的時鐘——以及超現實主義短片《一條安達魯狗》，至今仍在被廣泛研究。達達主義和超現實主義在國際上享有盛譽，是藝術史上的重要組成部分。

現實主義現實主義是一種存在多年的藝術形式，它包含逼真的精確繪畫或繪畫，幾乎可以複製影像，可以在一些著名的繪畫中找到，例如蒙娜麗莎。這種藝術形式需要花費更多的時間和精力才能完成。

波普藝術

波普藝術融合並打破了精美的藝術和流行文化的偶像，是對美國大眾生產文化的諷刺。波普藝術與當時嚴肅且極具創意的抽象藝術形成鮮明對比，它玩世不恭，充滿諷刺意味，並且不把自己當回事。波普藝術對我們所知的影像提出了質疑，並利用它們玩耍。

音樂

音樂是使用有節奏的聲音和沉默來形成歌曲。有許多不同的風格和型別，從抒情到器樂，中間還有無數的亞型別。與藝術一樣，音樂型別包括來自某個時代的音樂（如古典音樂和經典搖滾），或者取決於歌曲的內容，如流行音樂或金屬音樂。每首歌都是由詞曲作者精心創作，傳達某種含義或一系列含義，但最終取決於聽眾去辨別音樂對他們的意義，而這在不同的人身上會有很大的差異。

音樂

音樂被定義為聲音和沉默的組織。音樂的創作幾乎和人類歷史一樣久遠。最早發現的音樂作品是古代蘇美爾人的一首名為“赫梯讚美詩 No. 6”的旋律，它是在敘利亞烏加里特城的廢墟中發現的，可以追溯到公元前 14 世紀。像這種蘇美爾人記錄的音樂和古代樂器（如骨笛）的發現表明，歷史上許多文化中的人們將音樂的創作和表達融入到他們的文化中。在古代，希臘人會使用簡單的管道來創造聲調並作曲子。儘管如此，直到後來，音樂才真正成為人們日常生活中的娛樂。在中世紀，人們開始透過書寫來記錄音樂。教會投入了鉅額資金用於創作格里高利聖詠，以當時教皇的名字命名。教堂成為記錄和儲存音樂的寶貴場所。然而，隨著印刷術的發明，更多世俗音樂開始被公眾所接受。隨著時間的推移，新的技術進步使音樂（無論是新音樂還是舊音樂）能夠在不同文化之間共享。縱觀歷史，音樂已被證明是人類分享故事和表達情感的一種方式。然而，其他生物也使用音樂來表達情感或傳達想法。音樂可以來自像小鳥一樣小的東西，也可以來自像鯨魚一樣大的東西。音樂在不同文化之間差異很大，並且適應了那些聆聽、作曲和創作音樂的人。事實上，20 世紀和 21 世紀的作曲家將音樂發展的邊界推向了更遠，並提出一個問題：“什麼是音樂？” 答案，最常見的是“一切”。

歌曲和文字

雖然文字和文學的主要討論在[溝通與語言]一章中，但關於歌曲或文字作為藝術的人類學研究值得在遊戲和藝術的背景下進行單獨討論。在研究音樂和舞蹈等文化藝術時要牢記的一句名言是：“蘇格拉底最引人注目的是，他年老時還有時間學習音樂和舞蹈，而且他認為這是值得花時間的事情。” - 米歇爾·德·蒙田

古典音樂

通俗地說，古典音樂是指1820年之前創作或創作的任何西方音樂，儘管這個術語仍然適用於當今創作的音樂。古典音樂通常分為七個不同的時代，包括格里高利聖詠（從6世紀教皇格里高利的時代開始）、中世紀（500-1400）、文藝復興（1400-1600）、巴洛克（1600-1750）、古典（1730-1820）、早期浪漫主義和浪漫主義（1780-1910）。每個時代都有其獨特的風格元素，將它們彼此區分開來。然而，雖然所有“古典”音樂通常被認為是相同的，但實際上每個時代之間的差異使每個時代都獨一無二，並且彼此之間可以區分開來。

現代影響

透過這一發展鏈，從巴洛克到浪漫主義，再到現代音樂，我們今天在電影和電子遊戲中聽到的音樂，如果沒有這些之前的影響，就不會是現在的樣子。許多現代作曲家，比如約翰·威廉姆斯和漢斯·季默，都深受浪漫主義時代的強烈影響。約翰·威廉姆斯為《星球大戰》系列電影創作的配樂就是一個著名的例子。威廉姆斯從一位浪漫主義作曲家——古斯塔夫·霍爾斯特那裡汲取了大量靈感：“《行星》已經被無數科幻大片引用，而其中‘火星’尤其受到電影作曲家的青睞，包括威廉姆斯，他的暴風兵的步伐就帶有明顯的火星風格”。[14]威廉姆斯受另一位作曲家瓦格納的影響，而瓦格納也受到霍爾斯特的影響。與瓦格納作品最為接近的配樂是達斯·維德的標誌性主題：“在《星球大戰》中，普通影迷最明顯地感受到瓦格納的影響，就是在為達斯·維德及其邪惡帝國創作的主題中，其中大量運用了銅管樂器，讓人想起瓦格納為其雄偉的女武神創作的音樂”。[15]古典音樂對《星球大戰》的影響僅僅是眾多例子中的一個。幾乎所有現代作曲家都從這七個時代中發現的音樂中汲取靈感和影響。

電子舞曲

電子舞曲，也稱為EDM，是電子音樂的統稱，由DJ（唱片騎師）電子創作，通常在俱樂部、狂歡節和音樂節上播放。這種音樂起源於20世紀80年代的迪斯科時代。EDM音樂在派對或舞池中的吸引力在於“電子舞曲的化學和音樂物件能夠虛擬化其周圍環境，並調整主體的日常生活”。 EDM經常與吸毒有關，因為許多聽眾都會使用合法和非法的藥物（儘管並非所有人都是）。在狂歡節中最流行的藥物包括搖頭丸（搖頭丸）、阿得拉、可卡因、酒精和大麻。由於在EDM最受歡迎的狂歡節或音樂節上吸毒現象增多，反狂歡文化和法律應運而生。“隨著EDM文化在全球範圍內不斷擴張，有必要採用植根於當地，同時又與全球接軌的方法論。這種方法將更加卓有成效，並將比關注一個特定的研究地點提供更準確的影像”。 經常看到大部分年輕人聽EDM音樂並去播放EDM音樂的地方。狂歡節通常在晚上舉行，此時大多數人都會睡覺，所以“狂歡者會陷入一種存在主義的空虛之中，在那裡，權威和公眾的目光無法穿透。電子舞曲也被一些藝術家如Radiohead、LCD Soundsystem、Suicude、Afrika Bambaataa、大衛·鮑伊等融入其他型別”。

獨立音樂

獨立音樂是指在沒有大型音樂廠牌幫助的情況下製作的音樂。Indie是“獨立”的縮寫，獨立音樂人通常不與大牌廠牌合作。這更像是一種“自己動手”的音樂型別。許多樂隊，不僅在美國，而且在全世界，都以能夠在沒有大型廠牌幫助的情況下取得成功而感到自豪。獨立樂隊也傾向於更專注於他們對音樂的熱愛，而不是僅僅為了賺錢。雖然獨立音樂在當今一代人中越來越流行，但獨立音樂人最早在20世紀80年代受到認可，比如B-52s和後來的Nirvana。這些為自己打響了知名度的樂隊曾經被稱為“大學電臺音樂”，並且透過獨立音樂界獲得了成功。

**美國民謠音樂** 在美國文化中，民謠音樂指的是20世紀60年代出現的風格。民謠藝術家通常使用民謠樂器和人聲來表達有關當前事件的資訊，歌詞中經常表達藝術家對社會或政治問題的觀點。這種音樂的創作和全國範圍內的傳播對於將公眾與當前事件聯絡起來以及就正在發生的事情展開對話至關重要。 20世紀60年代，民謠音樂突然成為流行文化，鮑勃·迪倫和瓊·貝茲等藝術家脫穎而出。在20世紀60年代民謠音樂進入流行文化之前，民謠音樂在伍迪·格思裡和流浪漢傑克·埃利奧特等藝術家的作品中蓬勃發展。現代民謠藝術家包括地球上最高的人、Bon Iver和Fleet Foxes。

幾乎不可能在不提及卡爾·桑德堡的情況下討論民謠音樂。桑德堡於1878年出生在伊利諾伊州，他在早期的職業生涯中大部分時間都在旅行，並在鐵路擔任勞工。在這段時間裡，桑德堡積累了各種各樣的歌曲和曲調。桑德堡成為第一個被認為是“民謠歌手”的音樂家，因為他演奏了他在工作期間積累的歌曲。桑德堡將他最喜歡的歌曲都整理成了一本他稱為《美國歌袋》的歌曲集。他最喜歡的歌曲之一是傳奇人物約翰·亨利的歌曲和象徵。 約翰·亨利象徵著黑人勞動者的力量以及他們反對機器勞動和非黑人勞動者的鬥爭。對於當時的黑色文化來說，這是一件大事。卡爾·桑德堡是第一個公開支援黑人勞動者的音樂家之一。透過約翰·亨利的歌曲和象徵，桑德堡能夠徹底改變民謠音樂，並傳播反對歧視黑人的有力資訊，尤其是在工作場所。

搖滾樂

搖滾樂是一種音樂形式，它起源於20世紀40年代末和50年代初的美國。搖滾樂融合了多種音樂型別的元素，包括嘟嘟舞、鄉村、靈魂樂和福音音樂，但它與布魯斯關係最為密切，一個著名的例子就是貓王埃爾維斯·普雷斯利的音樂。從這裡，搖滾樂獲得了最早的和絃進行和歌詞風格。許多藝術家繼續翻唱和重新演繹早期布魯斯音樂家，如孫豪斯、羅伯特·約翰遜、萊德貝利和BB King（藍調之王）的音樂。這種風格傳遍了世界各地，對社會產生了巨大影響。搖滾樂的特點是強調弱拍，即四四拍的第二和第四拍，吉他運用，電子擴音樂器以及歌詞內容範圍廣泛。 自20世紀40年代末搖滾樂誕生以來，已經出現了許多新的搖滾樂型別，包括重金屬、朋克搖滾、軟搖滾、另類搖滾、獨立搖滾和另類音樂。

紐約是多種流行音樂風格的重要中心。搖擺舞樂隊和與這些樂隊一起唱歌的“情歌王子”幫助美國在二戰期間保持樂觀和精神。搖滾樂起源於40年代存在的多種音樂風格，並在50年代初成為一種獨立的風格。從許多方面來說，搖滾樂在黑人和白人音樂家和粉絲中的流行幫助推動了種族融合和對任何種族背景的人的相互尊重。 音樂是公民之間的一種共同點，尤其是在政治、社會或經濟動盪時期。音樂是每個人，無論他們的生活方式如何，都能理解和享受的東西。

說唱

小韋恩是美國說唱界的一位說唱偶像。

說唱音樂最常被理解為有節奏地吟誦押韻的歌詞，但它的根源遠不止於此。說唱音樂的起源可以追溯到西非。那些擁有這種音樂天賦的人在周圍人中受到高度尊重。後來，當這些“語言大師”被帶到新世界時，非洲音樂和美國音樂的融合創造了一種新的聲音。^[48] 縱觀歷史，說唱音樂已在各種形式的押韻技巧中體現出來，包括學校操場和童謠以及跳繩遊戲中的雙人跳繩喊唱。現代說唱音樂的直接根源是牙買加雷鬼音樂中的“吐詞”和“Dub Talk”。然而，雷鬼音樂並沒有立即被接受，因此演變成完全不同的東西。Kool Herc 是最早採用這種風格的藝術家之一。^[49]

早期的說唱音樂包括在流行歌曲的器樂或打擊樂部分上即興說唱，通常使用常見的俚語。說唱音樂在 70 年代蓬勃發展，演變成一種口頭技巧和自由表達的音樂形式。它迅速在年輕人中流行起來，為他們提供了一個表達個性自由的出口。如今，說唱音樂在世界各地的文化中仍然流行，不斷發展和塑造自己，以適應它所到達的每一種文化。^[50] 說唱音樂全球化的一個例子是樂隊 Orishas [16]。Orishas 起源於古巴哈瓦那，並在他們的音樂中融入了傳統的薩爾薩和倫巴節奏。Orishas 的成員移民到法國巴黎，現在在歐洲以及他們的家鄉古巴都非常受歡迎。說唱是一種近年來在美國年輕人中流行的音樂型別。其節奏性的聲音特徵與日語口語相似。這種“黑幫生活”的內涵源於美國夢——從貧民窟奮鬥到說唱巨星的高階生活。歌詞中通常包含暴力、毒品、勒索和性行為。這種誕生於 90 年代初期的亞文化席捲了主流音樂，在流行的電視臺排行榜上名列前茅，並涵蓋了廣播電臺。儘管說唱音樂界存在一些爭議，但它仍在不斷發展，影響著世界各地的音樂。非洲嘻哈/說唱樂隊最近開始創作更多音樂，宣稱原始說唱型別屬於他們自己，而這種型別被認為起源於數千年前。^[51]

雖然“黑幫說唱”是最廣為人知的“說唱”，但它並非唯一型別。說唱音樂包含許多亞文化，其中一些亞文化脫離了這種“黑幫”思維。你不必是黑幫成員或來自貧民窟才能成為說唱藝術家。人們常常認為說唱音樂除了性、毒品和暴力之外沒有更多內容，因為大多數主流說唱音樂和說唱影片讓大多數人相信這就是說唱的全部。說唱最初起源於那些以前沒有發言權的人的抗議形式。南非青年利用它來反抗種族隔離和壓迫，並在 1976 年爆發。^[52] 在非洲部分地區（主要是在西非），我們所知的這種說唱音樂已經變得非常流行，但帶有一種轉變。非洲說唱藝術家在製作和歌曲結構方面借鑑了許多美國元素，但他們的演唱風格、樂器和歌詞卻截然不同。這種西方說唱和非洲音樂的融合有時被稱為“高潮”。^[53] 說唱只是一種音樂型別——它比我們在收音機上聽到的要深刻得多。^[54]

說唱音樂在世界各地的文化中發揮著作用。世界各地，甚至城鎮或街區的不同地區，說唱藝術家都有他們自己的風格和獨特性。雖然大多數說唱歌手會“模仿”或複製其他藝人的風格，但他們希望以自己的風格而聞名，並在自己的方式上獨樹一幟。在美國，說唱音樂的影響力非常大。說唱藝術家可能會發展出一種被稱為“beef”的關係，即由於說唱文化中的問題而導致的仇恨關係/爭端。他們有時會以說唱的方式談論他們的敵人作為報復，而不會升級為暴力。然而，這有時會導致暴力，藝術家可能會失去生命。在 2pac（圖派克·沙庫爾）和 The Notorious B.I.G.（克里斯托弗·華萊士）的案例中，一些最著名的說唱藝術家透過暴力解決了他們的“beef”，他們在 90 年代中期都被槍殺身亡。

說唱音樂中的暴力和語言一直是美國國會關注的問題。2008 年 9 月 25 日，在伊利諾伊州民主黨眾議員鮑比·L·拉什召集的一次聽證會上，立法者向音樂行業高管詢問了他們在製作露骨說唱音樂中的作用，並在一個階段邀請他們大聲朗讀說唱歌手 50 Cent 的歌詞（這些歌詞以相當露骨而聞名）。一些父母認為他們的孩子受到說唱音樂中的暴力威脅，因為它使他們輕視生命。美國國會和社會都陷入兩難境地，既希望有更“乾淨”的音樂，傳遞給社會更積極的資訊，又希望維護藝術家言論自由。^[55]

嘻哈

嘻哈誕生於 20 世紀 70 年代末的紐約市，是一種街頭藝術形式。嘻哈起源於南布朗克斯，由非洲裔美國人、西印度人和拉丁美洲人組成。青年嘻哈包括四個主要元素：說唱（聲音）、DJ（播放和技術操控唱片）、塗鴉（噴漆藝術）和 B-boy 或 B-girl（自由式舞蹈）。嘻哈的這四個組成部分源於試圖透過這些競爭性、創新性和表達性活動來代表自己的年輕人口。^[56] 這種型別的音樂也已傳遍世界各地，許多不同文化的人現在都從美國汲取“嘻哈”理念，並創造出自己的風格。例如，在塞內加爾達喀爾，藝術家們利用嘻哈來表達他們的政治觀點和在沒有正確政府的情況下所經歷的鬥爭。在一部由音樂家制作的紀錄片“達喀爾的民主”中對此進行了討論。達喀爾的嘻哈音樂總體上比美國嘻哈音樂更具爭議性和政治性，因為他們與政府存在衝突。^[57]

嘻哈被比作現代的布魯斯，因為它是一種表達痛苦和鬥爭的形式。鬥爭是嘻哈音樂在全球範圍內不同的原因。世界各地有不同的痛苦和鬥爭，這些都可以從歌曲中聽到和突出顯示出來。表面上，所有嘻哈文化可能看起來和聽起來相似，但人們可以注意到歌詞內容和節奏結構的巨大差異。

在政治意識更強的國家，嘻哈藝術家會說唱他們國家所經歷的政治鬥爭，例如在塞內加爾。在美國，你聽到的歌詞既有在艱難街區生存的鬥爭，也有政治資訊。嘻哈藝術家將選舉、戰爭、經濟鬥爭和壓迫融入他們的歌詞中。一些更主流的藝術家可能不像一些地下藝術家那樣有那麼多有爭議的歌詞，但資訊仍然存在。

伊恩·康德里是一位文化人類學家，他在 1995 年花了一年半時間研究日本嘻哈音樂。他的作品表明，日本嘻哈音樂最初來自美國，但現在已經形成了自己的身份。日本嘻哈文化與美國嘻哈文化相似，人們會去俱樂部聽知名錶演者演出。然而，在東京，演出會在午夜開始，凌晨 5 點結束。在這些俱樂部裡，人們不僅跳舞，還進行商業交易。另一個不同之處是，知名嘻哈藝術家住在父母家裡，過著與其他人一樣的生活。這與美國的情況大不相同，在美國，嘻哈藝術家是這個國家最富有和最有名的人。

日本舞者和藝術家將某些夜總會視為日本嘻哈音樂誕生的“genba”（或“實際場所”。這些夜總會是嘻哈音樂表演、消費和通過當地語言以及這些俱樂部的社會進行改造的地方。這些夜總會也是舞者、藝術家、作家和音樂公司人員交融的地方。^[58]

鄉村音樂

約翰尼·卡什

鄉村音樂誕生於 20 世紀 20 年代初，起源於民謠音樂。這種音樂風格主要來自美國南部地區。早期的鄉村音樂產生了史上兩位最具影響力的藝術家：約翰尼·卡什和漢克·威廉姆斯。儘管他們對音樂的影響直到他們去世後才得到認可，但他們無疑塑造了所有音樂史中歌詞的寫作方式和歌曲的表演方式。2006 年，鄉村音樂增長了 17.7%，達到 3600 萬。這種音樂幾十年來一直保持穩定，每天在收音機上觸及 7730 萬成年人。鄉村音樂不僅在美國是一個重要的流派，在澳大利亞和加拿大等國家也風靡全球。鄉村音樂包含許多風格和聲音，這些風格和聲音被歸類為不同的類別。山區白人音樂、藍草音樂、民謠、福音、酒吧舞曲、搖滾鄉村、鄉村靈魂樂、鄉村搖滾、叛逆鄉村、鄉村流行、新鄉村、卡車司機鄉村和另類鄉村都是鄉村音樂可以提供的多種型別。

無伴奏合唱

無伴奏合唱是一種純粹的聲樂表演風格。它的獨特之處在於它是在沒有任何伴奏的情況下進行的聲樂表演。很多時候，人們唱歌的時候，會伴隨著鋼琴、吉他或其他各種樂器。然而，無伴奏合唱的演唱風格的特點是沒有任何額外的器樂伴奏。^[59] 無伴奏合唱字面意思是“以教堂的方式”，因為音樂傳統上是在教堂裡不使用樂器的情況下演奏的。

雖然耶路撒冷聖殿裡的儀式包括樂器演奏，但聖殿被毀後，傳統的猶太宗教儀式中不再使用樂器。[需要引用] 由於擔心演奏者會忍不住修理樂器，而這在安息日是禁止的，因此在安息日使用樂器是傳統上禁止的。(這種禁令在許多改革派和一些保守派教派中已經放寬。) 類似地，當猶太家庭和更大的群體在正式宗教儀式之外演唱傳統的安息日歌曲，即稱為 zemirot 的歌曲時，他們通常會清唱，而安息日的成人禮慶祝活動有時會有清唱組合的娛樂表演。在三個星期內，傳統上禁止使用樂器。許多猶太人認為，逾越節和五旬節之間持續 49 天的數點 Omer 的一部分是半哀悼時期，在此期間不允許演奏器樂。 這導致了清唱的傳統，有時被稱為 Sefirah 音樂。

四重唱風格

迪士尼樂園的四重唱。

“讓全世界都歌唱”(barbershop.org)是四重唱和聲協會的座右銘。該協會與全球各地的國家（如芬蘭、澳大利亞、紐西蘭、德國、愛爾蘭、南非、瑞典、荷蘭和英國）有聯絡，其宗旨是慶祝四重唱風格的和諧，促進具有良好意願的男性之間的友誼和團結。

人們可以找到來自不同時期和流派的四重唱歌曲，這使每個人都有機會與四重唱風格產生共鳴。例如，賈斯汀·汀布萊克的“性感回來”、邁克爾·傑克遜的“驚悚”、BYU 的“超級馬里奧兄弟旋律”以及 Realtime 四重唱演唱的“與我一起飛翔”。

一個常見的誤解是，四重唱風格的音樂只為男性創作並由男性演唱。女性四重唱，有時被稱為“美容院四重唱”，也存在，並且很多都蓬勃發展。為四重唱女性團體設立的協會是甜美的阿黛琳國際組織（觀看 YouTube 影片）。更著名的“流行”組合之一是 The Chordettes，因他們的歌曲“沙人先生”和“棒棒糖”而聞名。

卡津、克里奧爾和齊德科音樂

卡津風格和克里奧爾音樂的影響，演變成更現代的齊德科音樂，只能在路易斯安那州西南部找到；融合了歐洲、非洲和美洲印第安人的風格。這種音樂以其獨特的品質而聞名，據稱起源於 1755 年的諾瓦斯科舍，因為阿卡迪人帶來了帶有法國起源的音樂。音樂中講述的故事來自歐洲的故事，這些故事被改編以適應新世界南部的日常生活和生活經歷。隨著時間的推移，在 19 世紀，音樂在非洲節奏、布魯斯和即興演唱的影響下發生了轉變，以及許多從美洲印第安人那裡獲得的演唱風格和技巧。小提琴被用來演唱歌曲和跳舞。巴里·安塞萊特在其專著《卡津音樂：起源與發展》中描述了 Cappella 舞蹈是如何被用來跳舞的，透過拍手和跺腳提供節奏和節拍。

牙買加：曼陀鈴

1951 年，牙買加第一家錄音室開張。透過將歐洲和非洲民間舞蹈音樂結合在一起，一種新型的音樂形式誕生了。克萊門特·多德（“下拍”）和杜克·雷德（“特洛伊”）等唱片騎師在島上四處巡迴演出，播放他們的音樂。牙買加貧民窟的人們無力負擔樂隊，因此他們僱傭了多德和雷德這樣的人。到 1950 年代末，它轉變為加勒比音樂和新奧爾良的“節奏布魯斯”。隨著時間的推移，音樂改變為以低音為主，並加入了斯卡音樂。

斯卡音樂

斯卡音樂是一種起源於 1950 年代牙買加的音樂流派，並導致了搖穩和雷鬼的出現。斯卡音樂的歷史通常分為三個部分，或三個浪潮。第一波是牙買加發展起來的原始斯卡音樂場景。第二波是 1970 年代在英國發展的場景。這種音樂不同於最初的牙買加斯卡音樂，因為它通常擁有更完善的作曲、更快的節奏和更不精緻的美學。此外，它還受到朋克搖滾的影響。來自英國考文垂的雙音斯卡樂隊 The Specials 通常被視為典型的第二波斯卡樂隊。第三波斯卡音樂涉及來自西方世界大多數地區的藝術家。這一時期始於 1980 年代後期，是斯卡音樂首次在美國流行起來。第三波斯卡樂隊包括 Streetlight Manifesto、Reel Big Fish 和 Mustard Plug。 http://www.sfgate.com/entertainment/article/A-brief-history-of-ska-3221107.php

雷鬼

鮑勃·馬利可以說是雷鬼音樂最大的偶像，是和平與愛的象徵。

雷鬼音樂是一種起源於 1960 年代後期的牙買加的音樂流派，它講述了基層戰士所經歷的鬥爭。雷鬼音樂崇拜“離拍”，通常強調每個小節的第二拍和第四拍。對於牙買加人來說，雷鬼音樂意味著“國王的音樂”，它所指的國王是海爾·塞拉西，衣索比亞皇帝。雷鬼樂隊使用現代擴音樂器，包括主音吉他、節奏吉他、鋼琴、風琴、鼓和電貝斯，以及牙買加打擊樂器（查爾頓，凱瑟琳。“搖滾音樂風格”）。雷鬼唱片中常見的主題包括和平、愛情、宗教、貧困和/或不公正。一個常見的例子是流行搖滾歌曲，它展現了雷鬼風格的節奏，比如披頭士樂隊的“Ob-La-Di, Ob-La-Da”。雷鬼音樂的根源與拉斯塔法裡運動密切相關，有時鼓勵透過吸食大麻來讚美 Jah。

菲律賓音樂

西方音樂對菲律賓的音樂影響很大。對此最合理的解釋是，菲律賓是亞洲最古老的西方殖民地國家。他們經歷了三個半世紀的兩個主流西方文化的薰陶。地中海，透過西班牙和盎格魯撒克遜，以及美利堅合眾國。

[17]。菲律賓音樂的古典演繹展現了多種文化的融合。這並不是說你不會遇到本土作品，只是像交響曲、奏鳴曲和協奏曲這樣的西方音樂形式的細微差別被過度使用。菲律賓音樂催生了國際作曲家，例如安東尼奧·莫利納、費利佩·帕迪拉·德·萊昂、埃利西奧·帕哈羅和何塞·馬塞達，他被稱為該國的先鋒作曲家。

菲律賓音樂通常使用傳統和土著樂器演奏，例如帶有竹弦和竹管共鳴器的七絃琴；木製琉琴和吉他；以及吉特吉特，一種三絃木製弓弦樂器。事實上，你可能會遇到菲律賓社群，他們有自己的民間歌曲在特殊場合演唱，例如 hele，一種搖籃曲；talindaw，一首航海歌曲；kumintang，一首戰士歌曲；以及 kundiman，一首愛情歌曲。

K-pop

韓國流行音樂自 90 年代起就在韓國流行，但直到近年才走向全球。韓國流行音樂也被稱為“韓流”，已成為一種全球現象，在Billboard 和 iTunes 排行榜上名列前茅。最近，韓國流行組合 BTS 成為頭條新聞，在 2016 年 10 月第二週的 Billboard 全球專輯排行榜上排名第一。 K-pop，一個較短的術語，其根源可以追溯到 20 世紀初的韓國社會，當時一種流行的音樂流派叫做 trot，與狐步舞有類似的聲音。直到 90 年代，韓國的流行音樂才開始轉型，融合了美國風格，例如電子音樂、說唱和搖滾。男孩組合和女孩組合的形成也成為了一種固定模式。這種新的 K-pop 風格在東亞國家（如中國、臺灣、新加坡、越南和日本）獲得了大眾的興趣。
圍繞 K-pop 的文化一直以來都既迷人又充滿爭議。大型娛樂公司會舉辦選秀或招募年齡在 10 到 20 歲的年輕人。這些青少年接受多年的舞蹈、唱歌和娛樂技能培訓，直到他們有資格出道成組。與西方音樂組合不同，許多西方樂隊對自己的內容有很大自由度，大多數韓國流行音樂組合對其創作的內容有限。管理這些樂隊的娛樂公司通常擁有創作音樂、編排舞蹈甚至控制成員外貌的團隊。大多數這些組合都是全男性或全女性。許多 K-pop 愛豆甚至不是純韓國人，甚至根本不是韓國人。在過去的幾年裡，娛樂公司在其他國家舉辦選秀和招募，尋找外國潛力，真正將自己置於全球化的水平。

文學

文學是世界各地文化的重要組成部分。人們會花費大量時間閱讀和討論重要的書面作品，這些書籍將讀者與不同的時代和社會階層聯絡起來。小說有很多東西可以教給讀者，關於友誼、愛情和忠誠的主題經常被提及，其效果是打動讀者並培養不同的視角。關於過去的書籍可能是對從錯誤中吸取教訓的重要性發出的警告，或者是一種讓讀者與來自不同文化的人聯絡起來的方式。文學研究對社會和基於我們對過去的瞭解所產生的新思想的發展有著重大影響。

有影響力的作者

J.R.R. 托爾金

J.R.R. 托爾金，《指環王》和《霍位元人》系列叢書的作者，被稱為“高奇幻”流派的鼻祖。^[68] 他影響了許多藝術家和音樂家 [18]。

在寫作中，托爾金探討了全球性和永恆的主題，如人類狀況、保護和權力的腐敗。與許多作家不同，托爾金不喜歡使用類比，而是以一種將人類歷史中的包羅永珍的意識形態而不是特定時間點（如喬治·盧卡斯的“星球大戰”帝國是納粹德國的類比）的方式寫作。托爾金還因其故事中對自然的詳細描述而受到讚賞，這使得他的史詩作品《指環王》除了最忠實的讀者外，其他人難以理解。

在他晚年，托爾金在牛津大學與 fellow 作者 C.S. 路易斯（《納尼亞傳奇》作者）一起任教，他們共同建立了一個名為“墨水會”的寫作俱樂部。在他的學術同事的鼓勵下，他創造了中土世界、精靈語、亞拉岡·斯特拉德勒、湯姆·邦巴迪爾和邪惡的賽貢等角色。在構建中土世界時，托爾金將英格蘭民間傳說和神話與北歐神話和聖經傳說結合在一起。托爾金花了十多年時間寫作《指環王》系列的主要敘述和附錄，在此期間，他始終得到墨水會的支援，尤其是他親密的朋友路易斯的支援。[19]。托爾金的小說——比如《霍位元人》——通常包含成長元素，並遵循英雄之旅的情節。^[69] 他的遺產由他的兒子克里斯托弗繼承，克里斯托弗一生都在編輯他父親死後出版的作品，如《精靈寶鑽》和《胡林的子女》。^[70]

J.K. 羅琳

J.K. 羅琳，以其青少年奇幻小說系列《哈利·波特》而聞名，自她的系列叢書走紅以來就一直是有影響力的文學人物。《哈利·波特》系列已經成為一種全球文化現象，這些小說在兒童、青少年和成年人中廣受歡迎，成為歷史上最暢銷的書籍系列之一。

在創造《哈利·波特》的奇幻世界時，羅琳從各種神話中汲取了許多靈感，尤其是在關於居住在世界中的奇幻生物方面，以及關於歐洲巫術和魔法的民間傳說。

這些神話和民間傳說特徵使得《哈利·波特》系列能夠被廣泛的受眾接受，這些受眾熟悉類似的故事和神話，這些故事和神話幾個世紀以來一直是西歐和美國文化的一部分。它們之所以能夠被廣泛的受眾接受，還因為它們的易讀性，因為它們是青少年小說，對於兒童來說足夠簡單，但對於成年人來說也足夠複雜，能夠吸引他們的注意力。

因此，《哈利·波特》小說已經滲透到流行文化中，並且在文學價值方面是一個源泉，因為它們鼓勵許多年輕讀者進行文學追求，並且在過去二十年中影響了兒童和青少年的閱讀量。

這些小說不僅在巨大的人氣方面可以被認為是一種文化影響，而且在它們宣傳的價值觀方面也可以被認為是一種文化影響，這些價值觀通常被西方文化標準認為對兒童道德發展有利。寓言、神話、傳奇和其他奇幻故事長期以來被用作鼓勵兒童（甚至成年人）行為的工具，這些行為符合道德文化規範——這一趨勢由《哈利·波特》系列延續，該系列的影響力確保了小說中呈現的文化美德被灌輸給無數年輕讀者。

恰克·帕拉尼克

查爾斯·邁克爾·帕拉尼克創作了一些受歡迎且獨特的小說。他創作的小說被歸類為恐怖小說，但沒有包含超自然事件。他的書籍被歸入恐怖型別，因為他的角色被社會塑造，經歷了導致他們自我毀滅的創傷事件。恰克的書籍可以創造出人們用來觀察社會的無形視窗，看看社會會導致人們做出什麼。據說恰克·帕拉尼克受到極簡主義作家湯姆·斯潘鮑爾的 influence。^[71] 正是湯姆·斯潘鮑爾的寫作研討會讓恰克開始創作他的小說，比如他的第一部小說《隱形怪物》。這部小說第一次被出版商拒絕，因為它被認為過於令人不安。人們發現恰克揭示的可怕真相可能對社會中的普通人來說太過分了。

柏拉圖

柏拉圖關於修辭和詩歌的討論既廣泛又有 influence。他在初中、高中和大學學生中進行教學，他為後來的傳統設定了議程，然而理解他對這兩個主題——修辭和詩歌——的評論為我們帶來了重大的哲學和解釋挑戰。他不清楚為什麼他如此緊密地將這兩個主題聯絡在一起（他認為詩歌是一種修辭）。柏拉圖著名的論斷“哲學和詩歌之間存在著一場古老的爭論”（《理想國》，607b5-6）表明，這兩個陳述之間存在價值觀的衝突。柏拉圖（也許是自相矛盾地）以其自身著作的詩意和修辭品質而聞名，比如《伊利亞特》，並且透過《奧德賽》來體現。^[72]

村上春樹

村上春樹是日本作家，出生於京都。他受到西方文化的影響很大，這在他的寫作中經常顯露出來。這是將他與其他作家區分開來的特徵之一。另一個特徵是他經常在寫作的主題和標題中引用古典音樂。他的作品主要由超現實主義後現代小說組成。村上春樹以獨特的方式將他的日本遺產與西方的 influence 融合在一起，使讀者既熟悉又陌生。^[73]

斯蒂芬·金

他是最近時期最有 influence 的恐怖型別作家之一，他的文學作品能夠跨越世界多個地區，並進入電影領域。他寫的故事對近幾十年使用的參考產生了持久的影響。例如（《IT》，《克里斯汀》，《寵物公墓》，等等）這些標誌性的書籍和電影改編見證了恐怖型別的發展，並經受住了時間的考驗。近年來，還有一些電影重新翻拍。他的文學作品改變了超自然恐怖和現實恐怖的融合方式，創造出對看似普通的物體或概念的真正恐懼，從而形成了強大的追隨者和文化。^[74]

數字出版

近年來，數字出版的時代以及電子書的興起成為文學界的一大發展趨勢。數字出版為閱讀提供了環保便捷的方式，取代了印刷在紙張上的書籍、報紙和雜誌。數字出版與印刷出版的主要區別在於數字出版沒有實體副本。這意味著不需要紙張，也不需要墨水來製作產品。這對文學來說是一個巨大的改變。

這種變化的益處是便利性和可訪問性。電子書可以在任何電子閱讀器、手機、平板電腦或筆記型電腦上訪問，因此，它們具有以較小的空間儲存大量閱讀材料的便利性。例如，電子書在日本的公共交通工具上非常受歡迎。在電子書出現之前，人們在公共交通工具上攜帶和閱讀小版的日本漫畫。現在，小版的漫畫已經被電子書取代了。 可訪問性是對讀者獲取文學作品方式的重要改進。數字出版對儲存內容沒有限制，與圖書館或書店不同。圖書館和書店只提供預計會出租或購買的書籍。電子書創造了永不枯竭的文學供應，從哈利波特或指環王等鉅作到自出版作者的未知作品。作家漢斯·魯森達爾很好地概括了這一過程，他說數字出版“讓作者能夠提高作品的知名度，或者讓讀者更容易進行資料庫搜尋。它的使用縮短了資訊迴圈。” 電子書的知名分銷商是蘋果 iBook、亞馬遜 Kindle、巴諾書店 Nook 或 Google Play 書店等大型公司。印刷文學的衰落可以從圖書館的衰落以及尚未適應電子書新世界的主要書店的破產中看出。

舞蹈

舞蹈是指隨著音樂有節奏地移動以增強體驗的樂趣。然而，如果移動不是隨著音樂進行，那麼沉默就會被用來證明一個觀點。舞蹈可以由一系列順序步驟組成。它被用作不同文化中的一種表達形式、社會互動和展示方式。舞蹈也可以被視為人類之間的一種非語言交流形式，並且也被其他動物表演。不同的舞蹈需要不同的技能水平，有些舞蹈可能比其他舞蹈更具體力消耗。無論技術或風格如何，如果忽略了適當的物理學，可能會發生受傷。

南美洲舞蹈

阿根廷探戈

阿根廷探戈起源於 1880 年左右的阿根廷布宜諾斯艾利斯周邊地區。這種舞蹈在酒吧、咖啡館、賭場和妓院流行起來。由於最初的歌詞經常涉及性愛和粗俗內容，因此它在地下社會中流行起來是合乎邏輯的。在此期間，即使是面對面跳舞或接觸都被認為太過分了，因此探戈的緊密擁抱和臉頰貼臉的舞蹈被認為是放蕩的。最初，有聲望的人鄙視探戈，不願參與其中。這意味著，如果一個男人想練習這種舞蹈，他唯一的可能搭檔就是另一個男人。男人們聚在一起練習這種舞蹈，以此來吸引女人的注意。

最終，探戈慢慢地在移民住宿的寄宿房公共區域流行起來。它花了很長時間才傳播開來，但最終在一些動作被“淨化”之後流行起來。即使在那時，探戈仍然是中上層階級通常會保密的舞蹈；它仍然被認為是可恥和罪惡的。直到阿根廷探戈傳到歐洲，它才在更高社會中真正被接受。在被引入巴黎貴族後，它成為當時的狂潮。當探戈最終回到阿根廷時，它“被視為最心愛的兒子”。——塞爾吉奧·蘇帕

菲律賓舞蹈

菲律賓的傳統舞蹈反映了西班牙人、穆斯林、印度人、中東人、以及西歐人的文化影響。菲律賓每個受不同文化影響的地區都發展了自己的傳統舞蹈風格。許多民間舞蹈也是為了模仿菲律賓人的早期生活方式以及驅除邪靈等精神目的而創作的。 菲律賓一些最傳統的舞蹈包括以下幾種：

受穆斯林影響的舞蹈

在 12 世紀末，來自婆羅洲和馬來半島的商人與定居者來到菲律賓群島，並將伊斯蘭教帶給了菲律賓人。如今，在棉蘭老島和蘇祿群島居住著 100 多萬穆斯林菲律賓人。當西班牙人來到菲律賓時，菲律賓穆斯林（也稱為摩洛人）能夠抵禦征服，因此，他們的伊斯蘭生活方式在很大程度上一直保持到今天，儘管菲律賓其他人口的生活方式完全不同。主要的穆斯林民族有四個：馬拉瑙人、馬京達瑙人、薩馬人以及陶蘇人。這套舞蹈中的傳統舞蹈運用了鮮豔的色彩和有節奏的動作，代表了中東和印度馬來文化對菲律賓文化的影響。這套舞蹈中還有一種絲帶舞，很可能是阿拉伯文化的影響。被認為是最難的菲律賓舞蹈是馬京達瑙人的辛吉爾舞，在這個舞蹈中，一位皇室血統的女子會用一把傘、一把扇子或兩者都不，優雅地跳舞，同時熟練地移動竹竿，以此向追求者展示自己。 另一個受穆斯林與基督教徒之間戰爭啟發的舞蹈是馬格拉拉蒂克舞，起源於拉古納省。在這個舞蹈中，摩洛人穿藍色褲子，基督教徒穿紅色褲子。在舞蹈的前半部分，描繪了爭奪椰奶殘渣的戰爭，隨後是兩組人之間的和解。 這套舞蹈具有特定的服裝：馬隆，一種可以以多種方式穿著的管狀連衣裙；以及昆邦，一種傳統的頭飾。伴奏的樂器有：阿貢，一種中間帶有旋鈕的黃銅鑼；以及庫林坦，一組放置在木製框架上的黃銅鑼。

節日舞蹈

菲律賓人對節日和特殊場合進行了精心準備。食物、音樂、舞蹈、遊戲以及傳統遊行都是菲律賓村莊傳統活動的一部分。如果節日是為婚禮慶典（稱為博霍洛人的加拉），那麼新娘和新郎通常會帶著他們的朋友到達，並由為他們提供服務的人招待。娛樂活動包括舞蹈和音樂表演，以及敲打鍋、平底鍋、勺子和餐具，以製造噪音來製造興奮感。然後，按照傳統，客人會在最終的舞蹈之前將紙幣貼在新娘和新郎的衣服上，這支舞蹈包括新婚夫婦參與有趣的追逐。這套舞蹈中另一種流行的舞蹈被稱為卡拉通舞，它來自八打雁省，並融入了竹製管樂器作為打擊樂器。這套舞蹈中的最後一支舞蹈是蒂尼克林舞；這種舞蹈模仿了長腿蒂尼克林鳥在稻田裡農民設定的陷阱中跳躍的動作。當菲律賓舞者表演這種舞蹈時，他們在複雜而高度協調的跳躍中跳過竹竿，而竹竿則被撞擊在一起，並在他們下方拍打地板。蒂尼克林舞是一種有趣的求愛舞蹈，就像大多數土著舞蹈一樣，隨著舞蹈的進行變得更加複雜。蒂尼克林舞起源於萊特島，是菲律賓的官方國舞。 這套舞蹈的服裝有巴林塔瓦克，一種地板長度的連衣裙，配有硬質蝴蝶袖和與袖子顏色相同的鮮豔彩色襯裙。男性穿著名為卡米薩·德·奇諾斯的彩色襯衫。這些舞蹈的道具通常包括被稱為廷戈伊的油燈，以及被稱為巴克亞的木屐。

瑪麗亞·克拉拉舞

瑪麗亞·克拉拉是菲律賓的傳奇人物，她象徵著菲律賓優秀女性的品德和高貴。她是菲律賓作家何塞·黎剎在一部關於西班牙殖民菲律賓的文學作品中的主要女性角色。為了紀念她，人們創造了一種舞蹈和服飾風格，並體現了西班牙的影響。瑪麗亞·克拉拉長裙是正式服裝，由設計精美的上衣和一條飄逸的裙子組成，肩上戴著一條叫做panuelo（天然纖維方巾）的方巾。而男性則穿著巴隆塔加洛格，這是一種傳統的菲律賓襯衫，通常由菠蘿纖維製成，長袖並飾有精緻的刺繡。這種舞蹈的道具包括竹製響板和 abanico（亞洲扇子）。這套舞蹈由許多不同的舞蹈組成，它們對菲律賓文化具有不同的意義。

伊戈羅特舞蹈

伊戈羅特是菲律賓的部落人民，居住在呂宋島北部的中央科迪勒拉地區。六個不同的部落，被稱為伊戈羅特，分別是：阿帕堯、邦托克、伊巴洛伊、伊富高、卡林加和坎卡奈。這些民族更願意被稱為他們各自的部落名稱，而不是簡單地被稱為伊戈羅特，這是西班牙人給他們起的分類名稱。這些部落在宗教信仰方面有共同點，將他們與大自然聯絡在一起。他們還用特殊供品供奉家神。舞蹈在他們的儀式中被用來表達社群和諧，作為對神的安撫，為了紀念他們的祖先，為了治癒疾病，為了得到神的支援來參加即將到來的戰爭，為了避開厄運，為了尋求擺脫自然災害，為了確保豐收，為了帶來美好的天氣，以及為了慶祝生命的迴圈。在這些舞蹈中，婦女將罐子和/或籃子放在頭上，以展示婦女作為食物收集者和提水者的作用。對於男性來說，有曼馬諾克舞，他們使用明亮的編織毯子來吸引女性，還有塔基林舞，男性在跳躍和吟唱的同時敲擊他們的甘薩，黃銅鑼，以展示他們在武器和狩獵方面的技巧。

菲律賓的舞蹈受到西班牙統治的很大影響。舞蹈和音樂採用了歐洲舞蹈的節奏和風格。例如，丁克林舞和伊蒂克-伊蒂克舞的節奏借鑑了霍塔舞和波爾卡舞的節奏。 菲律賓人以以下一些舞蹈而聞名：

潘丹戈薩伊拉：一種西班牙舞蹈，需要很好的平衡技巧，因為需要在頭上和兩隻手的後面各拿三盞油燈。這種舞蹈起源於民都洛島的盧邦島。

卡里尼奧薩：這種舞蹈的名字描述了一個女人，她充滿愛意，友善，可愛。這種舞蹈包括使用扇子和手帕，並以調情的方式進行。

裡戈頓：這種舞蹈起源於西班牙，最常用於正式場合。

丁克林：這種民族民間舞蹈包括一對舞者在兩根竹竿之間跳躍，兩根竹竿保持在地面以上，並在音樂的節奏下相互撞擊。 這種舞蹈模仿鳥類敏捷和優雅地避開稻農在田間設定的竹製陷阱的動作。舞者象徵著鳥類，因此透過舞步展現他們的敏捷，而竹竿象徵著陷阱。

祖魯和馬賽文化中的舞蹈

引言

舞蹈是許多非洲文化中非常重要的組成部分。這對祖魯人和馬賽人來說尤其如此。這兩種文化都是遊牧民族，並且在文化上有很多相似之處。儘管如此，他們在表達舞蹈的方式卻大不相同。為了解釋這一點，我們將深入研究馬賽人和祖魯人社會的各種文化方面，其中舞蹈被用來發現社會相似性，以及舞蹈風格的差異。首先，我們必須先看看祖魯人和馬賽人之間的一些社會相似之處。這包括年齡組、襲擊傳統和牛的重要性。祖魯社會強調戰爭和襲擊。年齡組在其中扮演著重要角色，因為年輕男性被分成這些組，並在達到一定年齡組時成為襲擊者和戰士。在襲擊期間，祖魯戰士會搶奪牛，而牛是他們社會中財富的衡量標準。沙卡，古代祖魯民族的統一者，以他的王朝讓祖魯人以戰爭為榮。服兵役是強制性的，訓練嚴格。他還用他的牛角法和短刺矛革新了作戰方式，這種矛也被用於戰士舞蹈。他不斷入侵其他社會，這使得他的帝國獲得瞭如此強大的力量，並在他的人民中灌輸了一種民族主義精神。戰士的選擇取決於他們所在的年齡組。年齡組是指大約十年年齡跨度內的一群人。許多時候，這些年齡組被組織成老人、戰士和兒童。在青春期後的成年儀式過程中，女性會進行特殊的舞蹈。在沙卡的社會中，牛是財富的衡量標準。如果你沒有牛，你就不能結婚或支付奢侈品。牛可以透過襲擊其他社會或透過傑出的軍事行動獲得。為它們獻祭也是他們社會的重要組成部分；為了安全返回戰場而獻祭，或者為了準備一場勝利的戰鬥而獻祭。相比之下，馬賽文化認為自己是一個純粹的遊牧民族社會，因此非常重視牛。他們也是一個襲擊社會。雖然他們在成年儀式中使用狩獵，但狩獵在馬賽社會中並不常見。與祖魯人一樣，馬賽人將牛視為一種財富形式。他們認為牛是神聖的，他們不會在同一次吃飯時吃牛的肉和喝它的奶，因為他們認為混合來自活物的食物和來自死物的食物是不尊重的。馬賽人還相信，上帝賜予他們所有的牛，因此他們有權從其他部落奪取牛。

戰爭舞蹈

祖魯王國和馬賽王國都強調戰爭和襲擊。因此，他們有一種舞蹈來伴隨和描繪這些行為，也是很自然的。他們都給這些戰士起了名字。祖魯戰士被稱為印拉姆，馬賽人則被稱為莫蘭。在祖魯人中，他們的舞蹈以他們的戰士命名。祖魯舞蹈的特點通常是踩踏動作，給人一種沉重的感覺，並且與地球有聯絡。其中一個例子是印拉姆，或戰士之舞。這種舞蹈在婚禮和其他舞蹈中表演。通常，印拉姆或祖魯戰爭舞蹈，由一大群人表演，舞者成雙成對地進入。它是整齊一致地表演的，有些版本有三個部分，分別是進入和準備，然後是兩個程式。有一位領舞者，他負責發出開始和結束的訊號。這通常以腳踩地為特徵。在有三個部分的版本中，舞蹈的第一部分是進入，男人們蹲下，繞著舞蹈區域成圈移動；然後舞者坐下，領舞者獨自一人表演。領舞者獨舞結束後，就會發出開始舞蹈主要部分的訊號，所有版本都包含這個部分。這最後部分是在節奏感強烈的木棍或鼓聲的伴奏下，透過一系列的踩踏動作來表演的。它還包括一系列踢腿動作，不同的部落之間有所不同，但通常包括一條腿向前伸直或從前面伸出並向側面揮動。在這兩種情況下，腿都保持彎曲。這個場合的服裝通常是傳統的。在某些情況下，鴕鳥羽毛被系在膝蓋以下的腿上和上臂上。他們還穿著腰布。他們在跳舞時，會拿著盾牌和長矛。他們還戴著類似王冠的頭飾。馬賽人也有一個名為阿杜穆的戰士舞蹈。它是一種儀式性舞蹈，是為了他們自己表演的：是為了讓戰士進入一種恍惚的狀態。這種舞蹈與它的祖魯同行不同，不是為了婚禮表演，而是作為精神準備。它是一項力量和耐力的考驗。舞蹈從戰士們形成一個圓圈開始。與祖魯人不同，馬賽戰士最初站在圓圈的外面，來回搖擺，然後一兩個人走到中心開始跳舞。他們以一種直立的桿狀方式上下跳躍，目的是進入一種恍惚的狀態。對於馬賽人來說，當中間的人累了的時候，就會用圓圈外面的人替換他。這種舞蹈的節奏來自於形成圓圈邊緣的戰士們唱的歌，而中間的舞者則跳得越來越高。在表演這種舞蹈的戰士一生階段，馬賽人會把頭髮編成長長的辮子。他們的傳統服裝是用紅色棉布製成的，與祖魯人穿的腰布相比，非常保守。布料從他們的胸部往下遮蓋，有時看起來像一件衣服。這兩種戰士舞蹈風格之間有非常明顯的對比。祖魯人透過他們的身體與地球建立這種聯絡，這與馬賽人向上跳躍的動作幾乎截然相反。馬賽人的編隊與祖魯人的編隊不同，祖魯人有一個非常軍事化的直線編隊，而馬賽人則站成一個圓圈。在馬賽舞蹈中也沒有指定的人開始，而在祖魯版本中，軍事領袖是指定的開始者。這些舞蹈表演的環境也是另一個不同之處。馬賽舞蹈是為了精神準備而表演的，不是為了公開表演，而祖魯舞蹈則是在婚禮和其他場合表演的。祖魯舞蹈的節奏來源是木棍，而不是像馬賽舞蹈那樣來自歌聲。馬賽人和祖魯人在服裝選擇方面也大相徑庭。祖魯人選擇穿腰布。馬賽人選擇穿長長的紅色長袍，這與腰布形成了鮮明的對比。

婚禮舞蹈

如前所述，這兩個社會都強調牛。當一個年輕人攢夠足夠的牛後，就可以結婚了，並且會舉行一個儀式。在儀式期間，會有舞蹈表演。祖魯人和馬賽人都是如此。

祖魯人有一種不同的舞蹈，他們在婚禮上表演，叫做英肯德洛。這種舞蹈是在新娘進入城鎮時表演的。新娘和她的伴娘團由她年齡段的其他女孩組成，她們在進入村莊時表演這種舞蹈。

舞蹈從新娘在伴娘團後面開始。女孩們唱著英肯德洛婚禮歌曲。伴娘團最初是彎著腰，然後逐漸直立起來。在一些版本中，舞者會形成兩列，向外繞圈，然後從中心轉回來，最後形成一條線。這部分動作很快，充滿活力，伴隨前後移動。伴娘團開始舞蹈的下一部分，新娘和她的伴娘從伴娘團後面走出來。當走到前面時，新娘會獨自表演，完成第一部分。這部分的動作非常得體，令人愉快。

英肯德洛本身是一首押韻詩。他們用它作為舞蹈的基礎。它是作為舞蹈的一部分進行表演的。馬賽婚禮舞蹈叫做卡揚巴；以用來伴奏的肋骨狀樂器命名。在馬賽人中，部落的年輕女孩是表演者。

音樂使用重複的旋律，由合唱部分加倍。它伴隨著高音的邦戈號角。響板和哨子是次要的伴奏。卡揚巴就是這些響板之一；由木頭和蘆葦製成，裡面放著一些小卵石。這種音樂非常有活力，有許多部分。當年輕女孩跳舞時，她們會用綁在腳踝上的鈴鐺為音樂增添色彩。這使得舞蹈節奏感很強。馬賽婚禮舞蹈更像是為了婚禮聚會的娛樂，而不是它的祖魯同行。馬賽人和祖魯人的婚禮舞蹈形成了很好的對比。馬賽舞蹈深深紮根於音樂，並作為婚禮聚會的娛樂而表演。祖魯舞蹈是一種慶祝性的方式，用簡單的詩歌吟唱將新娘帶入城鎮。有趣的是，這兩種舞蹈都是以它們所使用的音樂命名的；祖魯人以英肯德洛詩歌命名，馬賽人以卡揚巴樂器命名。卡揚巴音樂非常有活力，有很多部分。祖魯音樂非常簡單，只有一個部分的吟唱。婚禮舞蹈的表演者也大不相同。王國的年輕女孩表演馬賽舞蹈。相反，伴娘團表演祖魯舞蹈。

成年禮舞蹈

馬賽人和祖魯文化中，男人和女人都有年齡組。為了成為下一個年齡組的一部分，他們必須參加儀式和典禮。很多時候，這些儀式包括跳舞。在祖魯社會，女人們有一個非常特別的儀式，她們成為女人。關於馬賽人成年禮最引人入勝的儀式是殺獅後進行的。祖魯婦女在她們成為女人的成年禮儀式中有一個非常有趣的舞蹈儀式。她們成年禮的一部分是在她們的茅屋裡與她們的母親和一個朋友一起隔離一個星期。這段時間過後，她們會出來跳舞。為了準備她們的舞蹈，她們製作了草編服裝。她們將草編織在一起，做成她們的服裝，這些服裝將在儀式結束後被焚燒。即將接受成年禮的女性的朋友和姐妹也會參加這種穿草編服裝的舞蹈。最後的儀式充滿了歌聲和舞蹈。這位女性與她的朋友和姐妹們正式接受了成年禮。儀式的最後環節是焚燒草編服裝，標誌著她們邁入女人行列。作為她們成為男人的成年禮的一部分，馬賽人必須參加獅子狩獵。當他們成功了，就會舉行一個儀式，包括恩吉爾凱諾託舞。這種舞蹈是為部落表演的，是為了慶祝他們的壯舉。獅子的征服者會選擇一位女性伴侶一起跳舞，在人群中跳舞，慶祝他們的勝利。每對情侶都從人群中走到中心一起跳舞。戰士們頭上戴著鴕鳥羽毛。他們還拿著長矛，長矛上裝飾著獅子的爪子或尾巴。他們的女性伴侶穿著珠飾長裙。除了這些成年禮儀式是針對不同性別的之外，在儀式中進行的舞蹈之間還有一些其他的對比。首先，祖魯舞蹈是由一群女性作為一種核心來表演的，而不是像馬賽那樣成對跳舞。她們的服裝也有所不同，馬賽人穿著他們的戰士制服，並在長矛上裝飾著獅子的爪子和尾巴。祖魯舞蹈中的女孩們穿著草編服裝，在儀式結束時會被焚燒。馬賽舞蹈中的女孩們穿著珠飾服裝，這是一種更永久的服裝。

衣索比亞舞蹈

衣索比亞根據地區不同，有許多不同的舞蹈。主要的舞蹈叫做Escista。它主要利用肩膀和胸部做出快速的運動。另一個著名的舞蹈叫做Gurage，它與眾不同，因為腿部動作非常重要。Gurage 使用配合演奏的節拍的踢腿動作。另一個重要的舞蹈是Tigrenga，這種舞蹈需要一個團隊的參與。團隊會圍成一個圈，根據節拍在圈內移動。有些人可能會選擇進入圓圈中央表演自己的動作。這些舞蹈主要在婚禮和節日聚會上表演。由此可以得出結論，祖魯人和馬賽人使用不同的動作來刻畫類似的文化事件。祖魯舞者在舞蹈中有一種非常沉重、接地氣的感覺，而馬賽舞者則有一種非常緊繃和跳躍的感覺。透過使用關於生活類似方面的舞蹈，更容易比較他們的風格。儘管他們對生活方面的表達方式可能不同，但他們跳舞的內容讓我們瞭解了對他們來說什麼才是重要的。

恍惚狀態、舞蹈和馬約特文化

恍惚狀態本身最廣泛和最基本的定義是任何與正常清醒意識不同的意識或認知狀態；換句話說，進入恍惚狀態是在一個人“身體”部分或完全休眠而人的精神保持清醒時實現的。在這個進入恍惚狀態的過程中，以及在實際上處於恍惚狀態的過程中，恍惚狀態中個體的腦電波頻率實際上會發生變化。腦電波頻率的變化是對身體和精神活動水平改變的反應。具體來說，進入恍惚狀態的特徵是與β腦電波狀態有相當大的變化或差異。眾所周知，人腦有許多不同的腦電波狀態，包括β波、δ波、θ波、α波、μ波和γ波。所有這些腦電波始終存在於人腦中，但某些波在參與不同的活動或意識狀態時會更強大或更強烈。例如，腦中的β波與清醒、意識、警覺、活躍和集中注意力有關；因此，當一個人在白天清醒並參與活動時，這種腦電波是最強和最活躍的，而其他腦電波則被置於背景或邊緣。然而，當一個人進入恍惚狀態時，β腦電波就被置於背景，此時大腦的其他頻率被增強並移動到前景。

進入恍惚狀態的行為通常是一種儀式或精神實踐，世界各地許多文化都參與其中。世界上許多參與恍惚儀式 的文化和部落經常使用音樂，尤其是舞蹈作為參與方式來進入恍惚狀態；跳舞尤其被一些文化用作進入恍惚狀態的一種方式，而其他文化則可能將跳舞作為處於恍惚狀態的產物。全球不同的文化在進行誘發恍惚的儀式時使用不同的方法和不同的技術，然而，在許多參與恍惚儀式的文化中發現的一個共同主題是使用舞蹈。舞蹈不僅是誘發恍惚的儀式的重要組成部分，而且是恍惚狀態本身的重要組成部分。“恍惚”的過程在很多方面可以被視為和包含在藝術和舞蹈的類別中。

馬約特人是一個文化，舞蹈和進入恍惚狀態的過程是他們生活中一個主要因素。馬約特是一個位於莫三比克東北部和馬達加斯加西北部之間的群島。這個群島目前是一個由法國擁有和控制的地區，但是許多土著群體仍然居住在馬約特並實踐他們的傳統習俗。馬約特島上許多土著居民來自附近的非洲國家，包括莫三比克和馬達加斯加，並在馬約特的各個島嶼上定居下來。馬約特島上許多最早居住的居民相信靈魂附體，並透過舞蹈和其他儀式呼喚靈魂附體，從而進入恍惚狀態。在儀式期間沒有統一的舞蹈練習，而是由參與的不同人表演了許多獨特的舞蹈；這是因為馬約特人相信並呼喚許多不同的靈魂，他們都有不同的舞蹈與之相關聯，事實上，參與恍惚狀態的人在“附體”時經常即興創作並創造自己的舞蹈。馬約特島上的舞蹈儀式通常包括觀眾的參與，他們會拍手，而被某個靈魂附體的人會站在他們面前跳舞。這些舞蹈從優雅的動作到快速的快速舞蹈 [20] 各不相同，具體取決於參與者被附體的“靈魂”型別；當參與者被附體時，他們就處於恍惚狀態。

美洲原住民舞蹈

美洲原住民舞蹈在他們的文化中具有深刻而深刻的精神意義。一個典型的例子是誇誇特爾部落的假面儀式，誇誇特爾部落是位於華盛頓州的當地美洲原住民部落。這些儀式以一種奇妙而神秘的方式將歌曲、舞蹈和講故事結合在一起。故事的範圍從關於誇誇特爾起源的故事到旨在嚇唬孩子變得乖巧的愚蠢故事。所有這些舞蹈都伴隨著吟唱和鼓聲，這些鼓聲主要由雪松和動物皮製成。

幽靈舞是在 19 世紀 90 年代由帕尤特人創造和表演的，這是由於美洲原住民在另一個文化統治半個世紀後所處的惡劣環境造成的。一個直接原因是在 19 世紀後半葉對野牛群的徹底屠殺。食物來源的枯竭意味著許多美洲原住民被迫生活和工作在美國政府從土地上分割出來的保留地裡。 (加斯·埃恩-亨德里克斯)

舞蹈，藝術還是運動？

在美國社會中，有時會將芭蕾舞演員刻板印象為簡單或不運動。舞蹈“不是運動”，而僅僅是一種藝術形式。然而，在全國許多地方，足球運動員被送到芭蕾舞課堂學習平衡的藝術，透過腳趾走路/跑步，以及快速的動作轉向。退役的鋼人隊球員林恩·斯旺和赫歇爾·沃克，以及前健美運動員、州長阿諾德·施瓦辛格，曾經將芭蕾舞課納入他們的常規鍛鍊中。各種舞蹈，無論是現代舞、爵士舞、芭蕾舞、踢踏舞、踢踏舞、嘻哈舞、街舞、克朗普舞、薩爾薩舞、華爾茲、狐步舞，甚至鋼管舞，都需要極強的控制力和力量，運動員們已經開始認識到這些好處。沃克甚至更進一步，與沃斯堡芭蕾舞團一起在表演中亮相。“儘管參加了每天兩次的訓練營，並且不斷遭到體型巨大的線衛的撞擊，沃克卻將芭蕾舞表演稱為‘我做過的最難的事情’。” 同樣，舞蹈演員也接受著同樣艱苦和長時間的訓練，就像許多職業運動員一樣。西南華盛頓舞蹈團的演員在週六排練長達 8 小時，為演出準備長達 4 個月，同時每週還要上 3 到 6 個課。當我與該團一起演出時，我記得我在排練室裡度過的漫長而辛苦的時間，然後是作為服務員的長班工作。我想，舞蹈和運動之間最大的區別是，體育場不會為一場演出而爆滿（場地規模要小得多），而且舞蹈演員表演得到的報酬要少得多。儘管足球運動員和其他職業運動員每年能獲得數百萬美元的收入，但許多職業舞蹈演員的收入遠遠低於這個數目。這個領域競爭也更加激烈，因為只有首席芭蕾舞演員才能獲得主角。然而，在俄羅斯等其他文化中，莫斯科芭蕾舞團的影響要大得多，觀眾更願意花高價去看《火鳥》。美國人對舞蹈演員付出的辛苦工作缺乏興趣和普遍認可，反映了美國娛樂優先事項。在巴西巴伊亞等其他文化中，人們將舞蹈視為一種藝術形式和一種運動形式。在“跳起舞來，免得我們都倒下”這本書中，人類學家瑪格麗特·威爾遜講述了她與巴伊亞文化生活一段時間，並參與了卡波耶拉的經歷。卡波耶拉最初是由從非洲帶到巴西的奴隸創造的。據說它是非洲武術和巴西舞蹈動作的結合。據說這種“戰鬥”形式是奴隸為保護自己而設計的一種防禦機制，它看起來像舞蹈，這樣他們就不會惹惱那些掌握權力的人。卡波耶拉類似於我們所知的武術，只是它涉及一小群人包圍中間的舞蹈演員，當他們“戰鬥”（絕不發生身體接觸）時，配合多種樂器的節奏。當任何一名玩家筋疲力盡時，戰鬥就會停止，另一名玩家會加入，或者音樂結束。羅達是卡波耶拉的另一種風格，或者說是卡波耶拉的文化框架，玩家在圓圈中圍成一圈，周圍是另外兩名卡波耶拉大師，他們進行著同步的卡波耶拉對戰。羅達在節奏化的戰鬥中展現了卡波耶拉藝術的運動方面，這種戰鬥只有在節拍結束或另一名玩家取代一名卡波耶拉大師的位置時才會結束。包圍卡波耶拉大師的圓圈也是這種藝術的一種傳統，在文化上象徵著挑戰巴西的壓迫。這些卡波耶拉團隊四處旅行，與不同的卡波耶拉團隊“玩耍”，或者換句話說，是進行比賽，而更現代的版本已經成為巴西的國家運動，儘管它起源於一種神秘而古老的藝術形式。許多人可能會將卡波耶拉描述為一種舞蹈形式，這表明舞蹈可以被解釋為運動或藝術，具體取決於每個國家的文化構建。碰巧的是，在美國，舞蹈被廣泛認為是一種藝術，而不是一種運動。但這並不意味著舞蹈演員不是運動員。

參考文獻

視覺藝術

洞穴壁畫

繪畫的文化實踐是一種藝術，其起源可以追溯到數萬年前的洞穴壁畫。雖然在世界各地都發現了洞穴壁畫，但這種藝術最早的例子出現在非洲奈米比亞地區。這些壁畫描繪了石板上繪製的動物，可以追溯到近 30,000 年前，據推測是由桑人繪製的。自 1969 年被發現以來，這些壁畫被認為是已知最早的洞穴藝術作品。然而，這一區別在 1994 年發現肖韋洞穴後消失了。這個洞穴是法國南部一些探洞者偶然發現的，其中包含著牆壁上的動物壁畫，從野牛、馬、鹿到獅子、犀牛、猛獁象。放射性測年法將這些壁畫中最古老的作品年代確定為約 31,000 年前，這表明它們是迄今為止發現的最古老的洞穴藝術形式。

洞穴藝術的實際目的一直是許多猜測的來源。在研究現代部落社會的行為時，一些現代學者推測，洞穴壁畫可能與那些早期畫家社會的宗教和魔法概念有關。然而，這些壁畫最初創作的具體原因仍然是一個爭論的主題。無論這些壁畫是為了祝福早期獵人的努力，還是為了作為一種薩滿教輔助工具以進入精神世界，或者是為了一個完全不同的原因，這個問題可能永遠得不到答案。然而，洞穴壁畫本身的存在表明，即使在最早期，人類也對描繪周圍世界中的物體和環境感興趣。這種興趣在整個歷史中一直存在於人類文化中。

史前人類可能使用過幾種基本方法來繪製這些洞穴牆壁。據推測，他們使用鋒利的工具或長矛在岩石上蝕刻圖形，主要是動物。他們用來裝飾洞穴藝術的顏料或顏色很可能是從木炭、煤煙、粘土或各種型別的漿果中獲得的。基本的塗色工具可以由綁在棍子或蘆葦上的稻草、樹葉或頭髮製成。他們還可能透過空心的蘆葦或骨頭以噴槍的方式噴塗顏色。

從古典繪畫到現代繪畫

RE Krew 的塗鴉，由 Chalco Baner、Arian、Greko、Higer 和 Septimo 繪製。墨西哥城，2009 年 9 月 16 日

隨著時間的推移，繪畫，就像大多數其他藝術形式一樣，被用來表達情感、創造力和時代的變遷。第一幅已知的繪畫是在法國洞穴中發現的，大約可以追溯到 32,000 年前。 更熟悉的藝術作品可以追溯到古希臘、羅馬和文藝復興時期。 在這段時期，宗教是藝術作品的主要主題，後來開始以複雜而精緻的肖像描繪政治人物。遠東風格，如中國和日本，也關注描繪宗教，但使用不同的媒介。雖然他們更喜歡墨水和絲綢，但西方文化開始採用水彩和油畫的輕盈感。非洲藝術與西方藝術截然不同，因為它們擁有豐富的實用藝術。面具和珠寶是重要的裝飾品，在象徵著精神和祖先的儀式中使用。雖然壁畫可以追溯到藝術的開始，但壁畫主義，或稱“Muarlismo”，是一種運動，在 20 世紀將墨西哥藝術吸引了大量的關注。墨西哥壁畫運動誕生於 20 世紀 20 年代，緊隨革命（1910-1917 年）之後，是政府宣傳其意識形態和歷史願景的一部分。這些壁畫以增強墨西哥身份的方式完成，藝術家被委託創作描繪墨西哥文化歷史及其人民的影像。也許受到了 20 世紀壁畫的啟發，在貝拉斯藝術宮一側的施工板上的城市塗鴉繼續裝飾著墨西哥城。

塗鴉

塗鴉，也被稱為街頭藝術，是指任何在公共領域未經授權或委託放置的二維符號或影像。就藝術而言，它是一個相對較新的事物，通常使用噴漆，但也使用其他型別的油漆，甚至貼紙。塗鴉是非法的，被認為是破壞公物或破壞財產。雖然它可能存在爭議，甚至淫穢，但塗鴉也成為了一種社會、政治和經濟評論的媒介。隨著像 Banksy 這樣的大名鼎鼎的藝術家作品獲得全球認可，它已經成為一種全球現象。 藝術在歷史上一直是透過創造性的轉變來表達的一種方式，街頭藝術和塗鴉尤其以其直言不諱的觀點和對現狀的批判眼光而聞名。它為“普通人”發聲，在建築物、火車車廂、地鐵和輕軌、橋樑等地方被數百人輕鬆看到，創造了一種對話，而不會使藝術家因迫害和逮捕而陷入危險，只要他們不被抓到。雖然主要的平臺仍然是“標籤”，即一系列字母、符號或詞語，作為藝術家的簽名，但越來越多的影像已經引起了人們的注意，並將“塗鴉”重新稱為“街頭藝術”。社會動盪最大的地方，如伊朗， 巴西、東歐等地，都有一些最有趣和最深刻的街頭藝術。德國柏林是二戰後蘇聯統治東西方分治期間歷史性的（就現代塗鴉而言）街頭藝術運動的發源地，該運動一直持續至今。塗鴉有無數的形式，就像其他藝術形式一樣，它可以很大也可以很小，可以很明確也可以很隱晦，可以有爭議，可以引人入勝，或者除了藝術家之外，對任何人都沒有真正的意義，他們現在擁有一個平臺來展示他們的作品；它已經持續存在並發展壯大，儘管害怕報復，而且很可能會繼續蓬勃發展，成為一種新的街頭藝術。

雕塑

雕塑是三維藝術作品，透過塑造或組合硬質和/或可塑材料、聲音和/或文字以及或光線來創造，通常是石頭（岩石或大理石）、金屬、玻璃或木材。有些雕塑是透過尋找或雕刻直接創造的；其他雕塑是組裝的，拼湊在一起並燒製、焊接、模製或澆鑄的。它們可以是圓形的，也稱為獨立式，允許觀眾繞著完整的雕塑走動，從任何角度觀看；或者作為浮雕，其中形式向前延伸，但仍然附著在背景表面，並且應該像觀察繪畫一樣從正面觀看。在這些類別中，有許多低浮雕或淺浮雕的子領域，但隨著時間的推移，我們目睹了雕塑的傳統手段被操縱和重新加工，以創造出當今的現代雕塑。 雕塑通常是彩繪的。創造雕塑的人被稱為雕塑家。由於雕塑涉及使用可以模製或調節的材料，因此被認為是造型藝術之一。大多數公共藝術是雕塑。許多雕塑聚集在一個花園環境中，可以被稱為雕塑花園。

縱觀歷史，有許多偉大的雕塑家有效地體現了他們時代的精神。其中有米開朗基羅， 奧古斯特·羅丹， 以及吉安·洛倫佐·貝尼尼。

媒體

從定義上來說，媒體是指用於傳播新聞、娛樂、教育、資料和推廣的大眾傳播渠道。這種對媒體的理解可以追溯到印刷機普及之後，人們能夠更容易地生產大量報紙，將新聞傳播給公眾。如今，大眾媒體可以被看作一種藝術形式，因為創造一個既適合公眾又有效的資訊需要許多方面和規則。媒體也可以被看作是一種藝術形式，因為它是一種觸達大量人群的表達方式。與繪畫、雕塑等一些傳統藝術形式相比，媒體是一種不太明顯的藝術形式，但媒體的某些方面也同樣具有創造力和投入，使其成為一種可以在日常生活中見到的藝術形式。

攝影

攝影一詞源於兩個古希臘詞：photo，意思是“光”，graph，意思是“畫”。“用光作畫”是理解攝影這一術語的一種方式。^[115] 據說是由中國哲學家墨翟在公元前5世紀發明的，攝影一直以來都是創造靜止影像的一種手段。墨翟能夠描述針孔相機，它是最簡單的相機型別。這種相機可以用黑色油漆、一張空白照片和紙板製成。原理是，透過一個小針孔，光可以照射到盒子的背面，照亮照片，從而反映出投射的場景。曼德·達蓋爾因第一張印刷照片而聞名。他的影像是在塗有碘化銀的銅板上處理的，清晰銳利，並且可以被其他人複製。它被稱為達蓋爾銀版照相法。^[116] 從那時起，攝影技術有了很大進步，從20世紀初開始，人們發現了可以永久儲存影像的化合物。^[117] 這種新技術帶來了記錄歷史檔案的新方法。其中一個早期的例子是亞伯拉罕·林肯總統的照片。林肯理解攝影的重要性，在1860年，他讓馬修·布雷迪，美國攝影史上最著名的專業攝影師，為他拍攝了肖像。過去，美洲原住民拒絕被拍攝，因為他們擔心會失去靈魂。在墨西哥的聖胡安恰穆拉，在教堂裡拍照是違法的。^[118]

陶瓷

陶瓷是用粘土製作物品的藝術。粘土是一種天然存在的材料，經過加工和裝飾，可以製成陶瓷藝術品。乾燥時，粘土類似於粉末，但當與水混合時，它會變成一種可塑性材料，可以捏製、滾動或塑造成形，然後晾乾成易碎的製品。粘土完全乾燥，摸起來涼爽之後，必須在窯爐中以高達2700華氏度的溫度進行燒製。這使它的新形態變得永久，並改變了粘土的化學成分，使其不再能恢復到可塑狀態。陶藝家使用許多技術來製作陶瓷。板坯建造（硬質和軟質）、泥條、手工成型和拉坯，都是將粘土塑造成陶瓷藝術品的常用方法。陶瓷藝術的一項重要要求是它必須是空心的。這是因為大多數陶瓷都有實用價值，例如盛放食物或液體，而且因為厚重的粘土塊或沒有正確掏空和通風形狀的粘土塊，很難成功地乾燥和燒製，否則會在窯爐中爆炸。粘土經過第一次燒製後，陶藝家通常會用釉料裝飾他們的作品，釉料是一種類似油漆的液體，包含各種礦物質和高度稀釋的粘土。如果用釉料塗抹，陶瓷藝術品必須在窯爐中進行第二次燒製，以將釉料永久地熔合到粘土上，並將作品密封，使其能夠盛放液體。^[119]

陶瓷一詞源於古希臘語 keramakos，意思是“陶器”。最早已知的陶瓷製作可以追溯到中國大約20000年前。這種藝術形式幾乎被我們所知的每一種文化都傳承下來。新墨西哥州的一些民間陶藝家作品中展現了普韋布洛人的文化。普韋布洛陶藝家經過幾代人的傳承，將新墨西哥州當地紅色的粘土轉化為打磨成黑色的陶瓷藝術傑作。從最初為普韋布洛人提供收集、運輸和儲存食物和水的必要工具，到如今發展成為國際藝術界高度重視的精美藝術形式。^[120]

電視和電影

毫無疑問，隨著幾十年過去和技術的進步，電視和電影在人們日常生活中扮演的角色越來越突出。人們傾向於觀看電視和電影以獲得娛樂或新聞資訊，尤其是在它們變得更加容易獲得和觀看，並且能夠觸達世界各地的人們之後。然而，在不同的國家，人們對電視和電影的對待方式也不同，從塞爾維亞的一部分地區只能觀看特定的頻道，到美國幾乎每個家庭的電視上都有500個頻道。儘管電視和電影近年來變得越來越普遍，但大多數人並沒有意識到媒體中存在的工作和腐敗，並且這些內容正在進入數百萬人的家庭。^[121]

美國的電視

美國普通家庭平均每天觀看電視7小時12分鐘。^[122] 這很可能是因為美國98%的家庭至少擁有一臺電視機，而普通家庭擁有2到3臺電視機。作為一個國家，我們每年觀看電視2500億小時，近50%的美國人承認他們觀看電視的時間過長。電視是最主要的廣告媒介之一，因為它非常普遍；30%的電視廣播時間用於廣告，一年內，大多數孩子會看到20000個30秒的廣告。^[123] 82%的美國人認為“我們大多數人購買和消費的東西遠遠超出了我們的需要”。^[124]

從小就開始看電視的孩子，長大後更容易不健康和肥胖。這會剝奪他們外出玩耍和與其他孩子互動的機會。由於缺乏運動和增加零食的攝入，這也會導致體重增加。^[125] 在30年的時間裡（從1963年到1993年），美國6到11歲嚴重超重的兒童比例從4.5%上升到14%。^[126]

然而，電視並不一定是完全有害的。許多觀眾，包括我自己，都認為電視是一種備受歡迎的放鬆來源，他們會收看自己喜歡的節目，以便在一天辛苦的工作或學習之後休息身心，補充能量。電視還可以幫助滿足情感需求，儘管這可能在某種程度上是膚淺的，因為它通常充當逃避現實和宣洩情緒的來源。簡而言之，雖然我同意過度觀看電視會導致消費率上升和導致兒童肥胖等負面影響，但我相信適度觀看電視是一種完全健康的習慣，它可以為觀眾的生活發揮有益作用。

來自布法羅大學和俄亥俄州邁阿密大學的研究表明，電視也可以幫助人們擺脫孤獨和被排斥的感覺。這遵循了“社會替代假設”，該假設指出，人類可以使用技術來為自己提供虛假的社會歸屬感，而實際上沒有發生真正的社會互動。與角色建立聯絡可以幫助觀眾緩解對與他人建立聯絡的需求，使人感覺自己的社會需求得到了滿足。第一項研究發現，受試者在觀看自己喜歡的節目時孤獨感降低。第二項研究發現，那些在深刻的社會層面上與節目建立聯絡的人對節目的描述更詳細。第三項研究發現，僅僅思考自己喜歡的節目就能緩衝受試者自我價值感的下降，並減少負面情緒和被排斥的感覺。第四項研究發現，那些寫下了自己喜歡的節目（如第二項研究中提到的）的人，孤獨感更少。然而，問題仍然存在，即這種“社會替代”是否真的滿足了社會需求，還是僅僅壓制了它們？

媒體和電視

從涵蓋更廣泛主題的連續劇（例如離婚、混血關係、單親父母等）到質疑政治家和政府的行為，媒體有助於定義什麼是“合法”的行為。1970年，25%的美國人表示從電視上獲取政治資訊，到2005年，這一比例翻了一番多，達到70%的人從電視上獲取大部分資訊。如今，6-8家公司控制著超過50%的媒體報道。這些公司包括：時代華納/美國線上、迪士尼、貝塔斯曼、維亞康姆、新聞集團和維旺迪。這一數字在過去幾十年發生了巨大變化，1981年有46家主要公司，1986年有24家，1990年有17家，1996年有11家。

影片和跨國節日出席

在橫跨美國和墨西哥的跨國米斯特克社群中，影片已成為跨越邊境國際邊界的重要交流方式。出席與守護神節、十五歲生日和婚禮相關的社群節日是近親，尤其是教父母的義務。然而，對於許多家庭來說，跨越邊境並長途旅行會阻礙他們參加這些節日。自20世紀80年代末以來，影片被越來越多地用於讓遠處的家庭成員在舒適的客廳裡“參與”節日。在加州的部分地區，人們經常看到Tias（阿姨）和comadres（朋友）在活動結束後數年內反覆播放錄製的節日影片。

戲劇

戲劇是一種精美的藝術形式，它結合了表演者、道具、佈景和音樂來展現真實或虛構的事件。它通常在舞臺上演出，但也可以在其他環境中展示，例如黑盒子、高架平臺，甚至街角。它是一種流行的表達方式，自人類文明早期就一直在實踐。戲劇最早的例子可以在希臘城邦雅典找到。它作為一種娛樂和新聞形式，在節日、宗教儀式、婚禮、政治等場合演出。戲劇在美國已經很好地本土化了，大多數城鎮都有自己的劇院，包括專業劇院和志願者劇院。全國百老匯巡演會到達大多數主要城市，全國大多數，如果不是所有，高中和大學都會為學生提供某種形式的戲劇。

莎士比亞戲劇

威廉·莎士比亞的作品以多種方式影響著文化，從他對作品的現代演繹到傳統的逐字逐句戲劇。莎士比亞的戲劇至今仍透過語言學對文化產生影響，例如，“…莎士比亞式的比例”暗示著意義重大，或者稱拒絕放棄的愛人為“羅密歐”。現代莎士比亞戲劇擁有自己獨特的文化，各種演員和作家形成了一個專門致力於這些400年曆史作品的特定亞文化。一個很好的例子是俄勒岡州阿什蘭的莎士比亞劇院，該劇院仍在運營，演員和作家在這裡聚集並創造了一個空間，讓他們的亞文化和對藝術的熱愛得以表達。莎士比亞的作品也可以被視為對腐敗政府和失敗君主的諷刺作品的論證。 從藝術的角度來看，這使得莎士比亞可以批評他那個時代的政治家，也許幫助將諷刺寫作推向了聚光燈下，為後來著名的諷刺作家鋪平了道路。

即興戲劇

即興戲劇，也被稱為“即興表演”，通常由一群“表演者”組成，他們一起參與即興練習或遊戲，其中包括扮演場景的一部分。即興表演的本質是自發性和當下性。它與有組織的靈活性同義。與普通劇院一樣，即興劇院也會定期演出和表演；突出主要表演者。然而，即興劇院獨一無二，因為它沒有固定的劇本需要排練和記憶。導演可能會對演出想要達成的目標有一個概要，但通常沒有。偶爾，音樂和/或其他混合視覺效果會新增到練習中。練習和/或演出通常會涉及一個固定的主題：例如音樂劇。如果即興表演的運作需要導演，則會採用藝術總監。通常，這位導演是前表演者，或者目前參與練習。這些“導演或經理”傾向於在各自對團隊的職責方面相互合作。這類組織與基於競爭的組織不同，因為基於競爭的組織有預設的結構和組織目標。這種靈活的結構對即興劇院團隊很有吸引力，因為成員可以根據自己的意願來參加排練。即興劇團的排練更注重提高他們的即興演員技能，而不是傳統戲劇的排練。

音樂劇

音樂劇是一種流行的戲劇表演形式，其中角色的對話透過語言、歌曲和舞蹈來傳達和表達。儘管音樂在幾個世紀以來一直被用於劇院來放大觀眾的體驗，但音樂劇特別關注將對話融入表演者的歌曲和動作中。在其存在過程中，音樂劇與歌劇有關。然而，區分它們的一種普遍方法是透過對話的傳遞。歌劇始終都是演唱的，而音樂劇會有偶爾的口語對話、舞蹈和當時的流行音樂型別的融合。雖然音樂劇自古希臘時代就一直在上演，但現代西方音樂劇直到20世紀初才開始上演。<ref>

東方音樂劇

The majority of western musicals performed today derive from Greek roots in theater and performance. However, many other forms of musical theater existed to east in Asia such as Chinese, Japanese, and Taiwanese Operas. The first recorded Chinese opera was known as the Canjun Opera and was supposedly performed during the Zhoa Dynasty sometime between 319 AD – 351 AD. Another eastern form of musical theater is Noh. Noh Is the Japanese term for “talent” or “skill” and is used to describe a Japanese musical. It has been performed since the mid-14th century and is still practiced today in specific Noh theaters. Taiwanese Opera or Koa-á-hì is the only known form of drama to emerge from Taiwan as early as the 18th century. Most of the songs are stories and folktales with occasional supernatural elements.

章節術語表

獨自遊戲 - 孩子們獨自玩耍，可能不會注意到其他孩子坐在附近或在附近玩耍。印象主義 - 用於描述看起來未完成的繪畫的術語，因為它們顯示出可見的筆觸。起源於 1860 年代的法國，它們被用來描繪那一刻的視覺印象。立體主義 - 由巴勃羅·畢加索和喬治·布拉克在 1907 年開創的一種藝術風格。他們採用普通形狀並將它們分解成抽象的幾何形式。現實主義 - 一種藝術形式，包括複製影像的逼真繪畫或素描。後印象派 - 代表印象派的延伸和對這種風格的固有侷限性的拒絕。文化習得 - 成為文化一部分的過程。模仿魔法 - 精神上或宗教上試圖操縱自然事件。傳染性魔法 - 施法、招魂和巫毒娃娃。

學前班：主要在美國發現的一種教育制度，父母可以將學齡前兒童送去照顧，並教授基本的“生活技能”（例如與他人社交和分享），並與其他學齡前兒童互動。

轉型/表現：文化根據分配的象徵意義指導什麼是合適的和什麼是寶貴的。