西方音樂史/當代音樂

當代音樂時期是繼現代音樂時期之後的時期。它通常被認為從公元 1945 年持續至今。

當代音樂（一般來說）以原創性為基礎。當時的當代藝術家使用不和諧音，試圖違反音樂多年來遵循的“規則”。

在浪漫主義時期之後，音樂開始分化為許多不同的流派，因此當代音樂一詞被用來表示時間段，而不是風格。

當代音樂有許多子類別，比如極簡主義，一種利用有限音樂素材的風格，被許多藝術家探索，包括史蒂夫·賴希、約翰·亞當斯和菲利普·格拉斯。其他流派包括新浪漫主義、序列主義和後現代主義。

當代音樂時期形成於 19 世紀的最後一個季度，透過一場名為印象主義的繪畫運動。大約在 1870 年，一群法國畫家拒絕了浪漫主義時期。20 世紀音樂反映了機械原子時代的藝術和文學的影響。由克勞德·德彪西和莫里斯·拉威爾等作曲家所代表的令人愉悅的印象主義音樂，讓位於十二音音樂的實驗，通常與第二維也納學派相關聯。一些作曲家從世界各地汲取靈感，比如奧利維埃·梅西安，他的有限轉置模式不允許傳統終止式，因此他的作品有時被認為超出了西方古典音樂的傳統。

當代音樂還包含一些普通大眾可能不認為是“古典音樂”的流派。其中許多流派通常依賴於最近發明的合成聲音或非傳統音階和和絃，比如爵士樂或電子音樂。

除了這些之外，浪漫主義時期的一些人對他們的歌曲進行了變奏，以便他們能夠加入印象主義元素。其中一些作曲家包括貝拉·巴托克、伊戈爾·斯特拉文斯基、謝爾蓋·普羅科菲耶夫、亞倫·科普蘭、德米特里·肖斯塔科維奇、塞繆爾·巴伯和亨利克·戈雷茨基。

音樂還包含非西方旋律，並摒棄了浪漫主義。當代音樂還引入了新的音階作為旋律的基礎（全音階、調式和半音階），以及和絃的使用。一些常見的特徵，並不總是存在，也不僅僅是這個時期的特徵，包括

1. 比其他時期更少的抒情旋律。
2. 不和諧的和聲
3. 複雜的節奏
4. 打擊樂
5. 更多地使用打擊樂、銅管和木管樂器。
6. 使用合成和電子聲音

電影配樂

原創配樂在 1960 年代蓬勃發展，許多作曲家開始為他們參與制作的任何電影創作原創配樂。音樂劇也開始變得非常流行，無論是動畫片還是真人電影。到了 1960 年代後期，隨著不涉及角色唱歌的真人電影越來越受歡迎，被拍攝和發行的音樂劇數量開始減少。例外的是偉大的、流行的電影音樂劇《音樂之聲》。

在 1960 年代，電影配樂開始再次發展。這種演變是逐漸的，但 60 年代標誌著電影配樂中交響樂的真正開始。許多 50 年代後期和 60 年代初期的電影都是基於歷史事件、史詩或熱門小說的電影和故事。當時的電影音樂極其戲劇化，需要更大的合奏。這一時期的電影，比如《埃及豔后》、《人猿星球》、《金手指》、《殺死一隻知更鳥》，最重要的是《精神病人》，都體現了這一點。

主導動機

《精神病人》是一部由伯納德·赫爾曼配樂的美國恐怖片，於 1960 年上映。這部電影是第一部在電影配樂中使用原創主導動機的美國電影。主導動機是一個音樂主題，應該與人、思想、地點或事物相關聯或與其相關聯，它被認為主要由理查德·瓦格納使用，儘管早期的作曲家，比如沃爾夫岡·阿瑪迪斯·莫扎特，也使用過這種技巧。伯納德·赫爾曼為電影《精神病人》中的角色創作了一個由三個音符組成的主題。

約翰·威廉姆斯

約翰·威廉姆斯

約翰·威廉姆斯，有史以來最偉大的作曲家和電影配樂家之一，在大多數（如果不是全部）作品中都運用了主導動機。約翰·威廉姆斯的職業生涯跨越了 8 個十年，在這段時間裡，他為一些最受歡迎的電影和系列電影創作了配樂，比如《星球大戰》、《大白鯊》、《超人》、《奪寶奇兵》、《侏羅紀公園》和《哈利·波特》。約翰·威廉姆斯利用了伯納德·赫爾曼在電影中使用主導動機的理念，並更進一步，為特定角色創作了各種主題和主導動機。他為每個角色創作了一個主題或主導動機，每當這個角色出現在螢幕上或被提及時，主題或主題的變化就會響起。《星球大戰》是第一部為每個角色或地點設定特定主題的電影，例如，達斯·維德有《帝國進行曲》，而尤達有《尤達的主題》。約翰·威廉姆斯在整個電影配樂中為各種角色使用不同主導動機的理念，成為電影，尤其是那些有續集和前傳的電影，以及動作片、科幻片、冒險片和愛情片等特定型別的電影的核心部分。

21 世紀的電影配樂

如今，在 21 世紀，電影配樂仍在不斷發展，尤其是主導動機的使用。許多作曲家，比如漢斯·季默、魯迪格·戈爾森、艾倫·西爾維斯特里、丹尼·艾夫曼和久石讓，仍然在他們的電影配樂中運用主導動機。電影配樂是當今電影中不可或缺的一部分，尤其是一些公司，比如迪士尼、漫威、DC、華納兄弟、環球影業等製作的大片。

林-曼努埃爾·米蘭達

林-曼努埃爾·米蘭達是一位美國作曲家、作詞家、劇作家、表演者和製作人。他於1980年1月16日出生於紐約州紐約市曼哈頓的羅斯福醫院。他是在曼哈頓北部由父母路易斯·A·米蘭達和露絲·湯斯-米蘭達撫養長大的，路易斯·A·米蘭達是一位民主黨顧問，露絲·湯斯-米蘭達是一位臨床心理學家。林-曼努埃爾·米蘭達有一個姐姐，名叫露絲·米蘭達-克雷斯波，她是政府和通訊領域的戰略諮詢公司的首席財務官。他曾在衛斯理大學學習戲劇，並於2002年畢業。

林-曼努埃爾·米蘭達從高中開始創作音樂劇，在衛斯理大學期間（1999年），他開始了他的第一部音樂劇《身在高處》的創作。他創作的歌曲引入了諸如自由式說唱和薩爾薩音樂等概念。不幸的是，《身在高處》在多年裡被許多百老匯高管拒絕了多次，因為他們認為音樂劇中的角色缺乏戲劇性。“為什麼她不懷孕？為什麼她不在幫派裡？” 這些是高管們希望米蘭達新增到他的音樂劇中的想法。

畢業後，他一邊做著幾份工作，一邊完善著《身在高處》。他曾擔任過自己母校的英語代課老師、報紙專欄作家以及政治競選活動的廣告詞作家。2004年，林-曼努埃爾·米蘭達、安東尼·維內齊亞爾和托馬斯·凱爾創立了自由式說唱樂團，這是一個說唱即興表演團體，他們將其發展成為一個巡迴演出團體。他們在各種節日和場館演出，甚至在2014年擁有了自己的11集電視連續劇。2008年，《身在高處》終於在百老匯首演。它演出超過1000次，獲得了4項託尼獎，包括最佳音樂劇獎和最佳原創音樂獎。它隨後在2021年被改編成電影。2010年，米蘭達在30歲時與自己高中時期的老朋友瓦妮莎·納達爾結婚。次年，他為音樂劇《舞動青春》共同創作了音樂和歌詞。他下一部百老匯作品是2015年的《漢密爾頓》。他再次與托馬斯·凱爾合作，製作了一部開創性的音樂劇，他讓非白人演員扮演開國元勳。他的想法來源於2009年一本關於開國元勳的傳記。他受到啟發，寫了一首關於亞歷山大·漢密爾頓的說唱歌曲，從而創作了《漢密爾頓》。他還在自己的音樂劇中扮演亞歷山大·漢密爾頓的角色。《漢密爾頓》獲得了11項託尼獎，包括一項託尼獎和一項普利策戲劇獎。它還獲得了格萊美最佳音樂劇專輯獎。米蘭達還獲得了麥克阿瑟基金會的“天才獎”。

2016年，林-曼努埃爾·米蘭達是迪士尼動畫電影《海洋奇緣》的主要作曲人。他認為這個機會是他從創作美國曆史題材的音樂劇中輕鬆的休息。他在一次採訪中說：“我不必處理美國曆史，我不必處理事實。” 他與來自薩摩亞的奧佩塔亞·塔維塔·福阿伊及其聲樂組合Te Vaka一起創作音樂，以在他們的音樂中創造許多民族色彩和背景。作曲家和工作室花了三年時間才最終完成這部動畫電影的音樂。林-曼努埃爾·米蘭達憑藉《海洋奇緣》中的歌曲《我將前行》獲得了格萊美最佳視覺媒體歌曲獎。他還為2018年的電影《歡樂滿人間2》創作了音樂。2021年，他為哥倫比亞電影公司和索尼影視動畫公司創作了《Vivo》。他還在這部電影中以主角Vivo的身份出演。他在《Vivo》中創作的一些歌曲包括他本人演唱的《獨一無二》和《我的鼓》。他創作這些歌曲已經好幾年了，但是迪士尼最終沒有製作這部電影，所以他所有的歌曲都被退回並擱置了。幸運的是，他們最終又重新開始製作這部電影，米蘭達欣喜若狂。同年，他為迪士尼的《奇幻旅程》創作了音樂。這部電影中的所有歌曲都是由米蘭達創作的，他非常樂意這樣做。其中一些歌曲包括《我們不談論布魯諾》、《家族傳奇》和《壓力山大》。林-曼努埃爾·米蘭達憑藉《奇幻旅程》獲得了多個獎項，包括安妮獎最佳動畫電影音樂成就獎、衛星獎最佳原創歌曲獎（《哥倫比亞，我的奇幻旅程》）。米蘭達還為音樂劇《西區故事》貢獻了西班牙語翻譯。他還為兒童節目做出了貢獻，例如《電力公司》、《芝麻街》和《星球大戰VII和IX》。

林-曼努埃爾·米蘭達以《紐約新年夜》首次擔任電影導演。這是對喬納森·拉森的半自傳音樂劇《紐約新年夜》的改編。它於2021年在Netflix上映。這次他沒有為這部電影創作任何歌曲；相反，他仍然使用了喬納森·拉森創作的歌曲。米蘭達不僅活躍在音樂創作領域，而且還積極參與並支援，特別是當涉及到他父母的祖籍波多黎各時。他公開支援2016年的波多黎各監督管理和經濟穩定法案（PROMESA），次年，他創作的歌曲《幾乎像祈禱》的收益為受颶風瑪麗亞和艾爾瑪影響的波多黎各人民籌集了2200萬美元。當米蘭達38歲時，他參加了“家庭在一起”集會，反對特朗普的“家庭分離政策”。

音樂與大腦

“音樂不僅被視為藝術和娛樂，而且是一種必不可少的感官模式，它可以提高長時記憶、閱讀能力和身體發展。”（唐·G·坎貝爾）。音樂可能是一個抽象的概念，但它又如此接近我們。從我們孩提時代起，它就存在於童謠中；我們可以在商店、電影院裡聽到它（它讓我們擁有特定的氛圍）……在我們的分析中，我們將試圖瞭解它對我們大腦的影響及其益處。

I) 大腦處理音樂 大腦是一個重量接近1.3公斤的器官，是受保護程度最高的器官之一。它由75%的水組成，消耗人體產生的能量的15%到20%。如您在圖中看到，大腦分為四個部分：粉紅色的部分代表頂葉，它包含觸覺、痛覺和聽覺。然後，藍色的部分代表額葉，它負責肌肉控制、言語和創造力。棕色的部分是枕葉，它管理視覺。最後，黃色的部分代表顳葉，它負責閱讀、記憶、嗅覺、情緒和味覺。（丹尼爾·J·萊維廷，附錄A）旋律是由空氣中的振動產生的，這些振動從特定頻率的波紋中傳播出來。頻率（以赫茲表示）決定了聲音的音高。音符A，參考音符的頻率為440赫茲。人耳可以聽到從20赫茲的低頻率（低於20赫茲是次聲波）到最高20000赫茲的頻率（高於20000赫茲是超聲波）。當我們聆聽音樂時，有一些定義需要了解，我們將在下文中列出，以更好地理解音樂詞彙。

“旋律是音樂作品的主要主題，是你跟著一起哼唱的部分，是在你腦海中更突出的音調的連續排列。”（萊維廷，第16頁）“和聲與不同音調的音高之間的關係有關，這些關係會引導人們對音樂作品中接下來會出現的音調產生期待。”（萊維廷，第17頁）“音高是一個純粹的心理結構，與實際的音階相關。它回答了“那是哪個音符？”這個問題。”（萊維廷，第15頁）“節奏指的是一系列音符的持續時間以及它們如何組合成單位。”（萊維廷，第15頁）

II- 大腦如何感知音樂 當聆聽音樂時，聽覺皮層會被啟用，音樂意象也會被激發。讓我們以貝多芬為例（書中提到的一個例子）。我們知道他後來失聰了，但這並沒有阻止他繼續作曲。當然，他再也聽不見了，但憑藉他在音樂方面的知識和積累的記憶，他只能在智力上作曲。儘管我們不斷地被音樂包圍著，但也有一些人對音樂不敏感。構建音樂的愉悅感是一個漸進的過程，正如我們之前所見，它涉及大腦的不同部位。“音樂快感缺失者”可能無法在大腦中建立感知、記憶和愉悅之間對話的基礎。這意味著他們可以從智力上理解音樂，但不會感受到任何情緒，儘管他們可以區分懷舊音樂和更快樂的音樂。

根據神經科學研究，音樂的愉悅感是隨著時間的推移而積累起來的。某些音樂所引起的感情與特定的事件相關聯。“音樂的愉悅感是分階段積累起來的，從原始的、本能的效應到有經驗的音樂愛好者的審美感受。”（埃曼努埃爾·比甘德）。音樂享受的水平分為三個層次：首先是本能的愉悅，它發生在身體層面，我們的身體感受到振動，皮膚的觸覺感受器也一樣，這足以在聆聽者心中產生一種情緒。然後，情緒上的愉悅基於儲存在記憶中的元素。這也會導致“音樂快感”。它與聽覺皮層和對生活經歷的記憶有關。最後，審美上的愉悅被描述為“專家級愉悅”，因為它是在文化中構建起來的。滿足感來自於擁有音樂知識，有能力理解和解讀作品，它不是天生的。當然，這三者可以同時或獨立地被感受到。

III-音樂的積極影響 音樂從古至今都影響著人們的心理健康。根據畢達哥拉斯在“雅典哲學”中的論述，“音樂將靈魂從一種狀態帶到另一種狀態。哭泣、憤怒、自憐、非理性慾望、恐懼、各種慾望。每一種紊亂都會透過合適的旋律被帶回相應的德行，就像使用有效的、精心準備的藥物一樣。” 在亞馬遜的圖勒部落，音樂被用來驅趕夜間在村莊周圍遊蕩的各種捕食者。例如，音樂療法被認可並被用於治療帕金森病患者。“患者可以透過音樂恢復流暢的運動，但一旦音樂停止，運動也隨之停止。許多神經科學研究表明，音樂可以緩解不同的病理。它可以刺激大腦的某些部位。舉個例子：一名中風患者學習彈鋼琴，可以讓他逐漸恢復自己的運動技能。這種練習刺激了運動皮層，這種關聯有助於重建中風造成的運動皮層損傷。音樂家的腦結構不同，因為他們使用觸覺、視覺和聽覺。這些練習時間會改變大腦的生長。孩子開始學習音樂越早，大腦的變化就越多。此外，彈過樂器的孩子對他們語言的語調有更好的理解，詞彙更豐富，閱讀能力更強，學習外語更快。定期彈奏樂器會引起神經底層的變化。此外，當我們觀察運動皮層的影像（負責手部運動）時，鋼琴家有更發達的手，而小提琴家由於拉弓和左手快速運動而擁有不對稱的手。

總之，我們已經看到音樂和記憶密切相關。音樂帶來優勢，並促進與音樂不一定相關的認知能力的發展。它是所有文化的組成部分，存在於人類生活的各個方面，例如兒歌、宗教儀式或用於治療精神疾病患者的音樂療法。它提供了一種社交和娛樂的聯絡，並加強了人與人之間的紐帶。“音樂的感性力量和表達力是語言或書面形式所沒有的。”

迷幻音樂的發展

介紹

“迷幻”一詞由英國精神科醫生漢弗萊·奧斯蒙德在 1957 年創造。它由兩個希臘片語成，即“Psyche”，意思是靈魂，和“Deloun”，意思是顯現。因此，“迷幻”一詞意味著顯現靈魂的能力。在現代，迷幻一詞主要用於描述像 LSD 和大麻類物質這樣的致幻藥物以及它們對人產生的“改變意識”的影響。迷幻藥物的使用在 20 世紀 60 年代急劇增加，這為音樂史和整個西方社會最激進、最突然的發展之一奠定了基礎。迷幻音樂流派之所以引人入勝，是因為它快速發展和短暫的持續時間，這標誌著過度使用迷幻藥物（由於禁令）的開始和結束。迷幻搖滾音樂是反文化時代的核心部分，是西方世界社會的主要驅動力。本文總結了 20 世紀 60 年代之前和期間發生的促進這種令人難以置信的流派興起的事件。

迷幻音樂的起源

19 世紀藝術中印象派和象徵主義的誕生以及標題音樂的興起被認為是迷幻音樂流派元素的基礎。1830 年，海克託·柏遼茲的《幻想交響曲》描繪了對未遂愛情和慾望的鴉片誘導噩夢。羅伯特·舒曼將它描述為“每個音符都如此強烈，以至於無法進行正常的和聲化。” 柏遼茲為交響曲寫的節目筆記將這種痛苦和苦難灌輸給聽眾，隨著交響曲的展開。萊昂納德·伯恩斯坦正確地將這首交響曲描述為“第一次音樂探險進入迷幻領域”。克勞德·德彪西於 1894 年創作的《牧神的午後前奏曲》是當時另一首傑出的迷幻音樂的例子。德彪西在這部作品中創造了一種自由流動、夢幻般、幾乎是萬花筒般的感覺，讓聽眾進入一種恍惚狀態。你可以在 20 世紀 60 年代的迷幻音樂中聽到許多“德彪西式”的引用。

工業革命

浪漫主義音樂在工業革命期間盛行，這給了當時音樂家極大的自由來表達自己。工業革命的主要特點之一是蒸汽機，它使音樂家能夠從一個地方到另一個地方廣泛旅行，分享思想。音樂廳變得越來越大，中產階級的崛起使更多的人能夠參加音樂會，並影響音樂的發展。工業革命啟動了樂器的批次生產，這使得許多人能夠擁有樂器並學習音樂。人們接觸到了一種新型的聲音，即噪音，從工廠中金屬的叮噹聲到蒸汽機的轟鳴聲。義大利未來主義者路易吉·魯索洛在他的 1913 年的論文《噪音藝術》中說，噪音“已成熟到可以進行藝術開發”。他敦促作曲家利用這些新聲音，並將它們融入自己的作品中，以保持與人類當前狀態的聯絡。

音樂與噪音的融合

埃德加·瓦雷茲幾乎單槍匹馬為主流電子音樂和迷幻音樂奠定了基礎。他與科學家和工程師合作，從新的聲音來源創造旋律。他嘗試使用磁帶迴圈，併為我們提供了“有組織的聲音”的概念。他於 1958 年創作的《電子詩篇》擴充套件了當時音樂的潛力和範圍。他在整部作品中對“非音樂”聲音的出色運用，再加上伴隨其在布魯塞爾世博會首演的電影和燈光秀，是首批將建築、聲音工程、圖形視覺和噪音融合到一個複雜的單元中的多媒體藝術作品之一。瓦雷茲開創的許多概念，如磁帶操作、有組織的聲音等，被披頭士和平克·弗洛伊德等樂隊使用。平克·弗洛伊德的專輯《月之暗面》中的歌曲《金錢》是利用噪音進行音樂創作的絕佳例子。

20 世紀 60 年代以及迷幻搖滾的興起

西方世界的人們經歷了一次又一次的創傷事件。他們經歷了兩次世界大戰，經歷了大蕭條，他們失去了朋友和家人。在沒有適當的心理健康專業人士幫助社會走出創傷的情況下，西方世界變成了一個隨時可能爆炸的壓力鍋。這種爆炸導致了 20 世紀 60 年代的反文化運動，催生了嬉皮士和垮掉派文化。那個時代的人們大量服用 LSD，反對系統性種族主義。他們為平等權利而戰，反戰。人們接受了東方哲學和音樂。印度和中東的影響可以在那個時代創作的音樂中聽到。迷幻音樂使用了像西塔琴和塔布拉這樣的流行印度樂器。迷幻音樂表演現在提供多模態和多感官體驗，再加上迷幻物質的消費，在觀眾中產生了改變意識的效果。在音樂史上，視覺藝術、音樂和哲學第一次匯聚在一起，相互促進。迷幻搖滾在 1969 年的伍德斯托克音樂節上達到頂峰，該音樂節的特點是那個時代的著名迷幻搖滾樂隊，如桑塔納、傑佛遜飛機和吉米·亨德里克斯。其他有影響力的迷幻搖滾樂隊包括平克·弗洛伊德、快銀信使、披頭士和滾石。

迷幻搖滾音樂的衰落

LSD 在 1971 年被英國列為 A 類毒品，在 1970 年被美國列為附表 I 受控物質。禁止 LSD 單方面使迷幻音樂的發展陷入停滯。弗利特伍德·麥克樂隊的丹尼·科瓦恩、平克·弗洛伊德的西德·巴雷特、滾石樂隊的布萊恩·瓊斯等“迷幻受害者”，讓人們對藥物過量帶來的危險有了令人不寒而慄的現實體驗。在阿爾塔蒙特自由音樂節上發生的災難性和暴力事件，加上查爾斯·曼森的謀殺案，在人們中引發了對反文化運動的恐懼，並熄滅了 LSD 驅動的音樂的最後一絲火花。經歷過毒品和社會恐怖的人們現在需要一種更新更黑暗的音樂形式來與之產生共鳴，這導致迷幻音樂發展成為硬搖滾、重金屬和電子搖滾音樂。

結論

迷幻音樂的興衰是音樂史上最有趣的現象之一，因為它始於精神活性藥物（LSD）的消費，也終於精神活性藥物（LSD）的消費。研究這種流派的演變讓我明白，音樂是社會的音符。迷幻搖滾和反文化運動的興起旨在讓人們在悲傷的時刻獲得和平，但不幸的是，正如諺語所說，“物極必反”，過度使用迷幻物質讓這種不可思議的流派走向了終結。

搖滾樂

法茲·多米諾，搖滾樂的先驅

背景

當代搖滾樂是一種非常獨特的音樂，主要起源於 20 世紀 50 年代。20 世紀 50 年代之後，它開始變得越來越流行。“20 世紀 50 年代中期的搖滾樂起源於幾年前的節奏布魯斯、鄉村搖滾、搖擺樂和布吉伍吉。” 搖滾樂主要被認為是青少年叛逆的一種表現形式，尤其是在直男白人中。在搖滾樂的歷史上有很多這樣的例子。例如，湯姆·約克 17 歲就開始組建 Radiohead 樂隊。安格斯·楊 18 歲就開始組建 AC/DC 樂隊。

儘管搖滾樂被認為是叛逆的青少年，但也有一些其他特徵幫助定義了搖滾樂本身。搖滾樂“植根於白人對黑人節奏布魯斯的消費和挪用。” 搖滾樂也是以 riff 為基礎的，這是因為它在搖滾樂中大量使用了電吉他。這有助於搖滾樂創造出這種獨特且破壞性的、響亮且持續的聲音。這使得它與其他流派有所不同。搖滾樂也是基於布魯斯音樂，但聲音更響亮、更重。

許多搖滾樂歌曲都是由布魯斯歌曲擴充套件而來。例如，動物樂隊的“朝陽之屋”和滾石樂隊的“時間在我這邊”都是從布魯斯歌曲擴充套件而來的。“朝陽之屋”源自湯姆·克萊倫斯·阿什利和格溫·福斯特的布魯斯歌曲“朝陽之屋布魯斯”。這兩位布魯斯藝術家創作的原版歌曲發行於1933年，而動物樂隊的歌曲則發行於1964年。名為“時間在我這邊”的歌曲最初於1963年由爵士長號手凱·溫丁錄製，由一位名叫艾爾瑪·托馬斯 的女士演唱。滾石樂隊將這首歌改編成了一首搖滾歌曲，並獲得了極高的流行度。這些只是搖滾歌曲從布魯斯歌曲和布魯斯音樂特徵中擴充套件而來的例子。

貓王埃爾維斯·普雷斯利

貓王埃爾維斯·普雷斯利

說到搖滾樂，人們往往會立即想到貓王埃爾維斯·普雷斯利。埃爾維斯·普雷斯利是一位非常成功的搖滾樂藝術家，被譽為“搖滾之王”。他是最成功的搖滾樂藝術家之一，他在1954年19歲時就開始了他的搖滾樂生涯。這也反映了搖滾樂作為青少年叛逆音樂的理念。當普雷斯利“30歲時，他是演藝史上收入最高的表演者” 。

埃爾維斯·普雷斯利以其舞蹈動作而聞名，這些動作有點爭議。他收到了許多批評，但他解釋了自己這樣做的原因。他解釋說：“當我唱歌時，我會不由自主地跳起來。如果我站著不動，我會感到很無聊。” 。埃爾維斯另一個有趣的地方是他對音樂，尤其是吉他並不瞭解。他解釋說：“買吉他是我媽媽的主意。我彈了一兩年，但始終沒有學到多少東西。我現在只會彈幾個基本和絃。” 。這表明了普雷斯利的天賦，他是搖滾樂的偶像。

特徵

搖滾樂的許多重要特徵之一是它的調性。這意味著它由一個構成調性中心的音級組成，也稱為主音。這是主要的關注點。歌曲中的其他音級和和絃都與調性中心相關。每首搖滾歌曲都有一個包含音階的調。在創作歌曲時，歌曲中的音符和和絃都源於此。搖滾樂中的社會背景和文化意義也很重要。搖滾歌曲因藝術家的社會背景和文化背景而異。這就是使每首歌都獨一無二的原因。搖滾樂的不同元素有助於展現其與其他型別音樂的獨特性和差異。

音階和調

音階和調是理解搖滾樂的重要組成部分。搖滾樂中特定的音高組織、調式和調有助於定義它的特徵。常用的音階體系是七聲音階調式。七聲音階調式是“搖滾樂中主要的音高組織體系”，而“伊奧尼亞調式、米克索利底亞調式、多利亞調式和愛奧利亞調式是最常用的調式” 。許多著名的搖滾歌曲都使用了這些調式。例如，U2的“榮耀（以愛之名）”使用了米克索利底亞調式，Bee Gees的“生存之道”使用了多利亞調式，The Who的“孩子們都很好”使用了伊奧尼亞調式，Nirvana的“聞起來像青少年精神”使用了愛奧利亞調式。

這些調式在歷史上不同的時期被廣泛使用和流行。每個調式都有不同的三和絃。三和絃是由三個音組成的一個音程或由三個音組成的一個和絃，構成一個調性和諧。三和絃包含大三和絃、小三和絃或兩種和絃的組合。不同的調式都具有非常鮮明的音色，並且都獨一無二。這些調式也有助於展現搖滾樂的獨特性，以及它與其他型別音樂的不同之處。

米克索利底亞調式在20世紀60年代最為流行，其三和絃是大小三和絃的組合。多利亞調式出現在20世紀60年代的搖滾樂中，並獲得了流行，但它在20世紀70年代後期的迪斯科和放克音樂中更為流行和常見。其三和絃也是大小三和絃的組合。愛奧利亞調式在20世紀80年代流行起來，當時出現了一種新的音樂浪潮。這在硬搖滾樂隊和歌曲中被廣泛使用。這種調式的三和絃都是小三和絃。最後，伊奧尼亞調式幾乎在搖滾樂的所有子型別中都有使用。它是一種大三和絃，其三和絃都是大三和絃。

和聲

和聲也是搖滾樂中非常重要的一個方面，值得關注。搖滾樂和聲的一個特點是，“搖滾樂中的和絃以三和絃為主”，而且眾所周知，“92.9%的和絃是大三和絃或小三和絃” 。這說明了搖滾樂中大部分和絃的特點，幾乎所有的和絃都是三和絃。搖滾樂和聲中另一個常見的特點是使用五度和絃，也稱為開放五度和絃。這在搖滾樂中很常見，因為它有助於創造出搖滾樂中常見的持續和失真音色。

20世紀50年代和60年代的許多搖滾樂歌曲都使用了杜-哇普進行。這種進行是一種基於布魯斯進行的進行，它在節奏布魯斯音樂中被廣泛使用。由於搖滾樂是從布魯斯音樂發展而來的，因此它也包含著這種元素。另一種被視為布魯斯進行的進行是十二小節布魯斯進行。這也被用在許多搖滾樂歌曲中，例如貓王埃爾維斯·普雷斯利的“監獄搖滾”。這首歌使用了十二小節布魯斯進行的修改版本。

節奏和節拍

學習搖滾樂時，還需要考慮和研究搖滾樂中的節奏和節拍。節奏很重要，定義節奏時，“本質上是指拍子的速度，以每分鐘拍數 (BPM) 來衡量；在搖滾樂中，這個速度通常在每分鐘80到140拍之間”；這是搖滾樂中最常用的節奏 。搖滾樂中最常見的節拍是4/4節拍，大多數歌曲都遵循這種節拍。

在節奏和節拍方面，20世紀50年代的許多歌曲都流行著一種4/4的爵士搖擺感覺。這正值搖滾樂開始發展的時候，因此爵士風格更加突出。在20世紀50年代後期和20世紀60年代初期，杜-哇普布魯斯風格流行起來。這種風格的節拍較慢。從大約1964年開始，一種直板無搖擺風格開始流行起來。這是搖滾樂開始發生變化的時候。在20世紀60年代後期和70年代初期，簡單的二拍節拍，即每小節兩拍，開始流行起來。這是從4/4節拍開始變化的起點。之後，出現了不規則和變化的節拍，例如5/8節拍和7/8節拍。這主要在20世紀70年代的漸進搖滾樂中被使用，當時藝術家開始嘗試更多新的風格。最後，在20世紀90年代，一種較慢的節奏再次流行起來。這是說唱融入搖滾樂的時代，它在20世紀90年代開始流行起來，成為一種新的趨勢。這個時代的歌曲傾向於使用十六分音符的節奏。所有這些都說明了搖滾樂的歷史發展過程中的節奏和節拍變化。

旋律

旋律在搖滾樂中非常突出。對於搖滾樂的旋律來說，音符的組合很重要。音符的組合很簡單，緊密排列的音符形成音組和邊界。這些音組由歌曲的歌詞加強。伴奏也很重要，因為它與旋律相呼應。當伴奏與旋律相呼應時，它有助於創造出一種無縫銜接的音響效果，將整首歌連線起來。許多搖滾歌曲都具有對稱性和重複性的音組結構。這體現了對稱性和重複性的音高模式和韻律。例如，披頭士的“她愛你”和AC/DC的“你整夜搖晃我”。

音色和樂器

音色和樂器也有助於描述和展現搖滾樂。搖滾樂中使用了泛音，這有助於創造出搖滾樂中常見的響亮和充滿活力的音色。電吉他也在搖滾樂中非常常見，因為它有助於帶來一種定義搖滾樂的失真和新穎音色。哇哇踏板經常被用於電吉他，它可以過濾吉他發出的聲音，並縮小頻率範圍。此外，“電吉他配備了各種特殊效果（失真、鑲邊、回聲）”，這些效果可以產生音訊效果 。例如，警察樂隊的“走在月球上”，電吉他使用了合唱器來幫助創造出失真音色。其他用於搖滾樂的樂器包括主音吉他、節奏吉他、軍鼓、低音鼓、鋼琴。這些是主要的樂器。

情感和張力

情感和張力在音樂中很重要。沒有情感或張力，歌曲就不會吸引人。有些人聽音樂是因為他們能夠與音樂產生共鳴。例如，人們能夠感受到的情感和感知到的情感之間存在差異。在搖滾樂中，使用了稱為“效價維度”（積極情緒與消極情緒）的模型。圓周模型在效價維度中被使用。它是一個“二維空間，包含四個象限：+效價+能量（快樂和興奮）+效價-能量（平靜） -效價+能量（恐懼、憤怒）-效價-能量（悲傷）” 。這些是搖滾樂通常基於的四個象限。最後，節奏、速度、響度、音色亮度和旋律對比度在不同的能量水平上發揮作用，有助於區分硬搖滾和軟搖滾。所有這些因素共同作用，定義了搖滾樂的型別，並且在定義搖滾樂中非常重要。

重要性

搖滾樂在音樂產業中佔據重要地位，瞭解和學習搖滾樂至關重要。搖滾樂的發展史波瀾壯闊，其中蘊藏著許多值得探索的方面。搖滾樂作為一個整體是獨一無二的，它為不同的人提供了自我表達的方式，這也是它如此重要的原因之一。

音樂與時尚

背景

根據《服飾、身體與文化雜誌》，時尚被定義為“一種文化身份的構建，涵蓋所有形式，從街頭風格到設計師和裁縫創造的高階時裝”。雖然其字面意思是法語中的“現代性”和英語中的“奢侈服裝工藝”，但時尚涵蓋了社會中的所有個人，無論其身體、社會或種族差異。時尚不斷發展，因為它“定義”了服裝風格和個人的態度；為了發揮其影響力，它可以使用不同的方式（廣告、時裝秀、雜誌、網紅等）。音樂與時尚也尋求創造特定的身份，這也是歷史上將它們聯絡在一起的原因。

音樂對時尚的影響

儘管時尚有著悠久的歷史，但直到 20 世紀 20 年代，音樂才在“地下酒吧”（服裝和爵士風格）的時尚界找到了自己的位置，當時美國出現了一項特殊的“全國禁酒令”（Caroline Friedl）。音樂一方面充當表達個人信念（政治、個性、性取向等）的方式，另一方面也作為靈感來源，催生了影響我們當今時代的全新風格。我們可以說，風格的變化主要歸因於歷史事件，比如第一次世界大戰的地下酒吧，或冷戰期間朋克搖滾的興起。時尚與音樂之間存在著密切的聯絡，儘管當今社會不再像以前那樣受到過去風格的影響或啟發。音樂與時尚有著更廣泛的視角，將差異融為一體，創造出新的流派。結果，音樂似乎比以前更忠於自己的規則，因為它不再一定與特定的服裝風格相關聯；例如，爵士樂藝術家可能會穿著華麗或挑釁的服裝。因此，音樂與時尚的演變與以前略有不同，因為時尚遵循的規則比音樂少。然而，這並沒有改變它們之間的相互依存關係。

時裝秀的描述

時裝秀首次出現在 1858 年的義大利，其主要目的是展示設計師的不同服裝。它已經成為一項公共活動，也是來自不同藝術界人士與潛在公眾消費者和新風格追隨者的不可避免的約會。現在設計師可以分享他們的創作，但近年來也與音樂家合作，並獲得“大規模媒體報道”（J-P. S）。時裝秀或系列展示包含三個要素：環境、服裝和模特。它的運作方式類似於戲劇，因為一切都經過精心安排，以確保系列的最佳展示，從而吸引觀眾。因此，這是一個整體，因為每個要素都必須有助於品牌或其創作者形象的成功。環境是模特將要穿著品牌作品進行展示的周圍空間；它包括燈光、配飾、裝飾和音樂。因此，環境是一個象徵性的空間，不可忽視。服裝既是最不重要的，也是最重要的元素，因為它們被視為所代表的氛圍中的配飾，也是觀眾期望購買（因此穿著）的物品。模特必須透過他們的方式和態度來滿足品牌的需要。時裝秀是時尚的真實寫照，它展現了事物如何組合在一起，以呈現特定形象。因此，它需要創造力，但最重要的是需要協調，才能透過影像和聲音“賦予”系列生命。所有三個要素都是相互依存的，換句話說，如果在一個要素上做出錯誤的決定，展覽（展示）就會毀掉。時裝秀最重要的目的是透過服裝之外的東西打動公眾。時裝週的實際功能已經發生了變化，它已成為時尚品牌之間競爭的地方，以增加他們的影響力，打動公眾，成為影響/改變文化的時尚品牌。

時裝秀中使用的不同音樂方式

音樂是環境的一部分（見上文），它起著至關重要的作用，因為它定義了氛圍，併為更好地展示系列提供了條件。沒有特定的音樂流派，目標是為系列使用合適的音樂，因此有各種各樣的音樂（古典、電子等）。另一方面，音樂的使用方式有四種：配樂、包括管絃樂隊、歌手/說唱歌手或 DJ 的現場表演。為時裝秀“製作”音樂的人被稱為音樂總監，他們的職責是在看到任何東西之前，通常是在看到任何造型之前，把握系列的精神、理念或概念。一部“原創配樂”是一部音樂作品（專輯），其目標是在電影中使用（聲音宇宙：對話、音效、音樂），與電影配樂不同，電影配樂僅涉及為電影製作的音樂片段。它可以由一位或多位作曲家創作。時裝秀所使用的原理與電影配樂相同。作曲家會根據設計師的意圖，對一組聲音進行排序，以代表系列的理念，並提出具體的要求。現場表演是最近才出現的，它涉及管絃樂隊、歌手/說唱歌手和 DJ。管絃樂隊通常是古典的，演奏各種型別的音樂，但主要是古典音樂，例如 2019-2020 年的 Dior 時裝秀，其中“Dior 四重奏”演奏了維瓦爾迪的《四季》，或者在 Louis Vuitton 時裝秀上，設計師 Benji B 邀請說唱歌手 Tyler, the Creator，由巴黎歌劇院指揮 Gustavo Dudamel 指揮的 Chineke 管絃樂隊現場演奏。直到最近，歌手/說唱歌手和 DJ 才被邀請在時裝秀期間表演；他們的表演通常是自由的，他們沒有被強迫演奏特定的聲音，併為這些活動製作音樂專案，例如，“Oliver（Wench）與電子音樂 DJ Arca 合作的新音樂專案”（Persson）。此外，如今美國許多藝術家為他們的表演創作音樂，例如 Kanye West 為他的系列創作音樂，同時也創作受音樂啟發的系列（例如 Shayne Oliver）

音樂在時裝秀中的功能

音樂的使用有著重要的原因；它將時裝秀轉變為獨一無二且充滿活力的活動。音樂在時裝秀中的功能：-透過營造一種氛圍，讓觀眾保持興趣，並關注時裝秀的每一個細節，以及整個故事（預示敘事），吸引觀眾的注意力。-激發情感；時裝設計師一直與音樂家合作，製作能夠激發愛情、喜悅和悲傷等情緒的特定服裝。-代表服裝的主題，因為音樂賦予設計師的想法意義，幫助音樂家創作出具有真實感的時尚，定義設計師的特定風格。-為時裝秀帶來節奏（作為開場主題、剪輯音樂或背景音樂）；伴隨時裝秀的音樂也為模特的步伐提供了節奏和節奏。隨著時裝秀的構建，時間變化，因此需要特殊的同步。如果音樂中出現的造型比預期多或少，時裝秀就會失去“節奏”。

每件服裝都有其獨特的音樂氣質；音樂對於時裝秀的成功必不可少；它為時裝秀提供了視覺和聽覺享受的理想環境；討論音樂的節奏、節奏、音調和服裝可以帶來觀眾的情感共鳴，以及對形狀的審美感受，從而揭示音樂在時裝秀中的聲音效果——一種音樂風格。在時裝秀中享受音樂，瞭解音樂與服裝風格、身體和思想的互動，從而理解設計師的創作。

結論

時裝秀遠遠不止表面上的美麗人物和優雅的服裝在T臺上走秀。時裝秀是一種藝術，它擁有獨特的藝術語言，透過塑造人體和音樂作為“表演”，來構建動態的時尚演繹和審美。此外，它還構建了聽覺和視覺想象空間的參與。音樂的聲音效果不僅能讓模特表演充分展現時尚的設計理念和設計風格，而且也是設計師與公眾之間溝通和對話的一種手段。

'參考文獻'

-Sardone, A. (2021 年 8 月 9 日). 音樂對時尚的影響時間軸. 時尚大學部落格. 2022 年 4 月 24 日檢索自 https://www.universityoffashion.com/blog/a-timeline-of-musics-influence-over-fashion/

- PERSSON, L. B. (2020 年 1 月 27 日), 24 次時裝設計師從音樂中獲得靈感. Vogue.com / Runway. 2022 年 4 月 24 日檢索自 https://www.vogue.com/slideshow/24-times-fashion-designers-got-their-beat-from-music.

- Olóndriz, P. (2021 年 8 月 11 日). 時裝秀背景音樂. Legis Music. 2022 年 4 月 24 日檢索自 https://legismusic.com/fr/musique-pour-defiles-et-mannequinat/（音樂製作公司）

- Jean-Pascal Simard, J-P. S, (2006 年 3 月), 時裝秀作為戲劇“事件”，藝術碩士論文，魁北克大學，可從時裝秀作為戲劇“事件”：三個分析案例：維克多·羅爾夫、亞歷山大·麥昆和約翰·加里亞諾（uqam.ca）獲取，檢索時間 2022 年 4 月 24 日

-Lieberman, Stanley (2000), A Matter of Taste: How Names, Fashions and Culture Change with Time. New Haven: Yale University Press, Retrieved April 24, 2022

音樂療法

      Music therapy is a profession that has been established within the healthcare system, it has been recognized by The Canadian Association of Music Therapists since 1974. Music therapy holds practice in clinical settings as well as educational and communal. The use of music in a therapeutical setting is used purposefully to support the health and wellbeing of the individual and contribute to a better quality of life. (CAMT. Musictherapy.ca. (2022). Music therapists address the cognitive, physical, emotional, and communicative realms for many disorders and illnesses regardless of age. Because music facilitates sensory stimulation this in turn benefits the expression of complex emotion. 

音樂治療方法

      There are multiple approaches of music therapy, it goes beyond listening to music, such as analytical music therapy, creative music therapy, and vocal psychotherapy and many more. Within these exercises the therapist can encourage either an active (the client engages directly) or a passive direction (the client listens) in the therapy session. The first approach, analytical music therapy involves improvised, impromptu music through singing, and or playing an instrument to express unconscious thought, then with the therapist it is reflected upon. Next, creative music therapy also referred to as Nordoff-Robbins music therapy is an improvisational method where the client plays an instrument and the therapist accompanies them to facilitate the expression of self. Lastly, you have vocal psychotherapy, which focuses on creating a deeper connection through vocal exercises, natural sounds, and breathing techniques. (Bunt, & Warner; Green, & Charboneau, & Gordon, (2014). 

這些技巧的實施是為了進一步將情緒和衝動相互聯絡起來。音樂治療的好處是巨大的，從滿足群體環境中的社會需求，降低心率和血壓，減少肌肉緊張，釋放內啡肽，到最大限度地減少壓力的影響。音樂治療還可以影響記憶、運動、感覺傳遞以及決策，並可以啟用與獎勵相關的腦區。

音樂治療的好處

       Anyone can benefit from music therapy however, individuals with disabilities and illnesses have shown to greatly improve with the use of music therapy. Whether the condition be autism or brain injury, neonatal or geriatric, mental or developmental disabilities. 

音樂治療的重點是支援身心發展的。個人的健康和福祉是重中之重，其目的是緩解壓力、不適和疼痛的症狀。音樂治療是一種實用的方法，可以改善任何人的生活質量，無論年齡、種族、民族、性別、殘疾或疾病。

引用

另類音樂

歷史背景

正式的術語“另類音樂”仍然相對沒有定義。它在 1960 年代被用來代表那些認為他們的音樂不同於“主流”的音樂家群體，以及那些不希望與流行音樂型別有任何聯絡的音樂家群體。建立“另類音樂”一詞的目的是為一種音樂聲音或內容建立一個流派，這種聲音或內容不符合古典、爵士、搖滾和流行流派的準則，並有效地為所有這些不同的子流派建立一個總稱。“主流搖滾樂已經，據其批評家所說，“將靈魂出賣給了商業惡魔：它已經成為榜單前 40 名電臺和大型現場競技場場館的素材。這種音樂已經變得衍生，失去了實驗性的邊緣，而且人們覺得它的存在僅僅是為了讓這種平淡無奇流派的推廣者發財。”[1] 另類音樂流派被譽為子流派的中心，包括但不限於迷幻搖滾、流行朋克、另類搖滾、獨立搖滾、大學搖滾、情緒搖滾和英式流行。“建立這樣一個多元化音樂流派的手段是基於一個核心共性，即“……希望重新定義風格和流派之間的傳統界限，甚至重新定義音樂本身的界限。”[2]

雖然另類音樂通常源於獨立或“獨立”音樂流派，但它主要是在大學廣播電臺播出，因為許多學生（大約 18-25 歲）開始認同他們在成年初期創造的音樂。大學廣播為藝術家提供了在沒有大型唱片公司的情況下進行廣播播放的機會。“大學廣播和大學排行榜的出現創造了一種可能性，即樂隊可以突破到至少達到狂熱程度的流行，而無需大型唱片公司的幫助（現在可以從獨立唱片公司晉級到主流唱片公司來實現主流成功：見證 R.E.M. 和涅槃樂隊）。”[3] 這些大學廣播鼓勵不知名的藝術家創作他們的單曲並錄製它們，無論他們是否有專業代表。

“另類”一詞開始代表流行的迷幻搖滾、流行和搖滾藝術家，如涅槃樂隊、平克·弗洛伊德、珍珠果醬和艾麗絲·囚徒。這些樂隊中的許多樂隊都為創造他們的共同流派做出了貢獻，並將另類音樂變成了今天我們所知的樣子。

另類音樂的普及

涅槃樂隊 表演

另類音樂在 70 年代末到 90 年代末達到頂峰，這鞏固了一個新的官方流派，該流派將包含大量不同的子流派。隨著 90 年代的開始，音樂產業開始對自稱為“另類”的流派產生興趣。“另類搖滾”藝術家，如紅辣椒樂隊和簡的癮，已經被主流唱片公司簽約，並且已經開始吸引許多聽眾，引起了音樂產業人員的興趣。

1988 年，來自華盛頓州西雅圖的新迷幻搖滾樂隊涅槃樂隊迅速成為另類音樂的支柱，成為其他樂隊的藍圖，這些樂隊的目標是在新興的流派中成名。他們最熱門的單曲“聞起來像青少年精神”，1991 年 9 月，變得廣受歡迎。這首單曲經常在廣播中播放，並且在 MTV 工作室多次播放，包括播放他們的音樂影片以及現場表演/錄音。[4]

到 1991 年 12 月，涅槃樂隊的專輯《過渡時期》幾乎在全世界都登上了排行榜榜首，在大約 9 個不同的國家每週都達到了第一名。涅槃樂隊對另類流派的廣泛普及成功地向世界介紹了迷幻搖滾的子流派。涅槃樂隊的巨大成功正式開啟了 90 年代的另類音樂時代，西雅圖成為這種新流派的頂峰。

在另類音樂，特別是涅槃樂隊的最初普及之後，人們經常質疑該樂隊是否仍然可以被認為是另類，因為該樂隊已經成為廣播電臺的寵兒，並且經常與主流媒體聯絡在一起。據說主唱科特·柯本一直在苦苦掙扎，因為他認為他的樂隊涅槃樂隊已經成為主流，這是許多其他另類藝術家所反對的概念。在他於 1994 年自殺後，許多粉絲和聽眾推測他自殺的原因，並認為“他的不幸自殺至少部分是對他樂隊及其象徵意義日益商品化和馴化的回應。”[5]，因為科特·柯本的樂隊已經與代表主流流行/搖滾流派的音樂藝術家一起出現。

波士頓：另類音樂的傳播

在涅槃樂隊主唱科特·柯本悲慘自殺之後，另類音樂的焦點在悲劇中迷失，並開始完全轉移到一個新的地方。自從西雅圖的迷幻搖滾樂隊涅槃樂隊解散以來，另類音樂的焦點轉移到了波士頓，因為像史密斯飛船和飛碟樂隊這樣的樂隊開始進入他們的音樂流行時代。

另類音樂：世界範圍

當史密斯飛船、飛碟樂隊和其他來自波士頓的藝術家在美國排行榜上名列前茅時，海外正在醞釀一種新的另類音樂子流派。

英式流行作為另類音樂的子流派被引入，作為 90 年代中期英國另類搖滾的“新浪潮”，強調英國身份。英式流行樂隊，如綠洲樂隊和模糊樂隊，將西方風格的多樣性帶入了另類音樂流派，他們的風格根源於“華麗搖滾”和“朋克搖滾”。英式流行最顯著地包含了許多英國人會認出的主題甚至民間曲調或熟悉的諺語。

今天的另類音樂

今天的另類音樂可以說比以往任何時候都更加多樣化，並且可能會變得更加多樣化。由於該流派的性質不明確，任何將自己的音樂定義為偏離主流的藝術家都可以被認為是另類音樂。許多當代另類藝術家使用電子音樂、硬搖滾、流行朋克和獨立流派的風格元素。

另類音樂的元素

另類音樂以主要圍繞主導的吉他旋律或旋律而聞名，例如在涅槃樂隊的“聞起來像青少年精神”中聽到的旋律。這些吉他旋律粗獷但朗朗上口，使它們成為音樂產業新興的理想聲音。另類音樂被定義為拒絕主流音樂流派，並旨在與這些流派的商業化保持距離的音樂。雖然許多流行的另類藝術家和樂隊已經進入流行和搖滾的主流，但另類音樂仍然是許多不同型別聲音的總稱。

主題

雖然另類音樂可以根據其定義有各種不同的主題和內容，但對另類音樂進行分類的主要主題並不意味著要限制一個多元化的流派。最常見的主題包括吸毒或濫用藥物、代溝和普遍的精神疾病鬥爭。關於哪些主題可以被定義為另類的靈活性最終使另類音樂流派獨一無二，併成為任何藝術家或樂隊可以認同的避風港，無論他們音樂的主題是什麼。

奇怪或不尋常的聲樂

西方音樂在定義什麼是常見的聲樂方面非常簡單。許多另類藝術家開始在他們的歌曲中採用不尋常的聲樂，以創造他們與西方流行音樂之間的差距。這些藝術家中的許多人並沒有在他們的音樂中加入奇怪的聲樂或歌詞，而是採用了獨特的聲樂風格，或者主唱擁有獨特的嗓音。

近年來，隨著“怪誕民謠”和“迷幻民謠”等音樂型別被歸類，這種在另類音樂中使用非傳統人聲的方式已經逐漸減少，因為這種新的分類方式讓藝術家們可以在 2000 年代初期透過他們的聲音來定義自己。然而，許多這些藝術家仍然屬於“另類音樂”這一普遍的標籤。

富有創意的音樂結構

另類音樂藝術家們非常渴望擺脫主流流行音樂，他們認為避免主流結構是避免主流音樂的最佳方式之一。由於大多數流行單曲幾十年來一直使用相同的歌詞結構，因此很容易開發一種新的結構來定義一種新的音樂型別。大多數流行歌曲的歌詞發展非常線性，遵循“主歌、副歌、主歌、橋段、副歌”的模式，而另類藝術家則將這種結構提升到一個新的水平，透過重新排列或交替歌詞發展來改變這種模式。一些藝術家甚至完全廢除了這種結構，創作出沒有副歌或橋段的歌曲，從一個想法自由地流向另一個想法，而不受先前主題元素或樂器的限制。另類音樂往往不會引起流行音樂聽眾的共鳴，因為流行音樂的直白易懂風格與另類音樂的創意音樂模式和無序性形成鮮明對比。

歌曲長度

一般的流行歌曲時長在 2 分 30 秒到 4 分鐘左右，這是適合在電臺播放的理想長度。為了避免電臺播放和成為主流的風險，另類音樂藝術家們創作了超長或超短的歌曲。這種避免電臺播放的方式很有效，但最終會降低藝術家在另類音樂領域獲得流行的機會。許多聽眾不願意聽時長長達 20 分鐘的單曲。歌曲或專輯過長，會讓聽眾不願意完成單曲或專輯，最終降低這些藝術家的流媒體/銷量和總收入。

奇特的樂器和聲音

另類音樂可以被定義為“對主流流行音樂公式化程式化的音樂反應”，它鼓勵藝術家們探索任何可能與流行音樂的常見元素形成強烈衝突或對比的音樂可能性。隨著西方音樂越來越規範，許多藝術家開始面臨原創性和使自己的音樂區別於其他藝術家作品的挑戰。因此，許多藝術家不得不開始進行創造，從使用不常見的樂器到現代科技合成的聲音和節拍，這些都是今天音樂聽眾所熟悉的。

像 Pink Floyd 這樣的藝術家將這一理念銘記於心，在創作他們的許多歌曲時加入了奇特的聲音和樂器。最值得注意的是，他們 1975 年的專輯《Wish You Were Here》中的歌曲“Shine On You Crazy Diamond”以酒杯作為“超凡脫俗”的開場部分中的主要樂器。

另類音樂在現代媒體中的體現

電影《蝙蝠俠》中的 Grunge 樂隊“涅槃”

2022 年的電影《蝙蝠俠》中使用了經典 Grunge 時代樂隊 Nirvana 的一首單曲。來自他們 1991 年專輯《Nevermind》的單曲“Something in the Way”被用作布魯斯·韋恩或蝙蝠俠的“主題曲”，這首歌曲在大多數情況下，都會在他進入房間時響起。這首歌曲在電影中的使用至關重要，因為它明確地反映了布魯斯·韋恩對周圍環境的反應方式，因為總有“Something in the Way”。

Netflix 劇集中的“Imagine Dragons”

Imagine Dragons 的單曲“Enemy”是為 Netflix 劇集《Arcane》錄製和創作的，這是一部基於線上遊戲《英雄聯盟》中角色的蒸汽朋克成人動畫系列。這部 Netflix 劇集在 Imagine Dragons 粉絲和《英雄聯盟》粉絲中都大受歡迎，因為它是迄今為止評分最高的 Netflix 劇集之一。

創作“視覺專輯”的創作型歌手“Melanie Martinez”

2019 年，美國創作型歌手 Melanie Martinez 編寫、拍攝並執導了一部以她自己為主角的電影，反映了 2019 年專輯《K-12》的主題，並收錄了專輯中的歌曲。這部電影講述了主角“哭泣寶貝”作為超自然生物，在私立寄宿學校中經歷的每一首專輯歌曲和經典的磨難。

打破多項紀錄的另類組合“二十一飛行員”

美國組合“二十一飛行員”在音樂界打破了多項紀錄。憑藉 2015 年專輯《Blurryface》中的熱門歌曲“Stressed Out”，這支另類組合獲得了全球認可，該專輯最終成為首張每首歌都至少獲得美國唱片業協會金唱片認證的專輯。這支組合還成為首支在 Spotify 上單曲播放量突破十億次流媒體的搖滾樂隊。他們的歌曲“Stressed Out”成為全球播放量突破十億次的第 25 首歌曲。

音樂對經濟的影響

1988 年的一家唱片店。雖然唱片店大多已經消失，但音樂在經濟中的作用比以往任何時候都更重要，它正在轉變為一個巨大的數字市場，並與許多其他行業有著密切的聯絡。

在當今時代，音樂對我們社會的影響巨大。無論是分享不同的文化，還是將有著共同興趣的人聯絡在一起，音樂已被證明是我們日常生活中不可或缺的一部分。我們在車裡、商店裡、手機鈴聲中，以及更多地方都能聽到音樂。音樂對經濟產生了重大影響。在歷史上，我們看到其他國家的人們出於各種原因使用音樂。音樂不僅在戰爭中幫助人們，而且許多人能夠透過音樂表達自己並分享他們的文化差異。我們現在瞭解各種音樂型別，因為人們被允許分享他們的藝術。人們可以購買和收聽自己喜歡的音樂，隨之而來的是經濟的增長和繁榮。因此，音樂不僅在地區上，而且在國際上也得到了發展。這使許多藝術家能夠出售音樂並進行巡迴演出，以銷售更多產品，進而為他們的國家帶來更多收入。

1.1 當代音樂

透過觀察從現代音樂到當代音樂的轉變，我們可以理解為什麼我們這個時代的音樂會發展成現在的樣子。現代音樂和當代音樂之間存在很大差異，例如以下特點。一方面，當代音樂的節奏更加複雜，打擊樂性更強，可能會使用合成或電子聲音。這包括使用極簡主義等風格。而現代音樂則包括使用無調性、序列主義和印象主義等方法創作音樂。當代音樂包括搖滾樂、民謠、嘻哈、金屬、爵士和布魯斯等音樂。這些音樂風格在 1950 年代之後發展起來。它們的特點是音階和調性、和聲、節奏和拍子的不同風格。這些音樂型別是人們試圖表達自己的結果。以爵士樂為例，爵士樂也是在 1950 年代左右發展起來的。起源於新奧爾良，許多非裔美國人將它作為一種社交和自我表達的形式。爵士樂手是以前的黑奴，他們找到了音樂家的工作，並能夠將他們家鄉傳統的某些方面融入到音樂中。爵士樂被用作一種自我表達和自由的形式，它是西非節奏和歐洲和聲的混合，並使用多種樂器。另一種音樂型別是搖滾樂，它在 1950 年代中期隨著搖滾樂的流行而開始流行起來。這種音樂型別“以青少年叛逆為特徵和識別，尤其是在直男白人中”。然而，它是 1940 年代對黑人節奏布魯斯的挪用。它起源於非裔美國音樂，包括福音音樂、爵士樂、布魯斯、節奏布魯斯和鄉村音樂。現在，最流行的音樂型別應該是嘻哈。這很可能是大多數人現在聽到的音樂。這也是電臺和媒體宣傳最多的音樂。

1.2 音樂的普及

如果不瞭解音樂的起源，就無法理解音樂對經濟的影響。音樂錄製的第一例出現在 1920 年代，當時使用留聲機或留聲機。留聲機首先出現，它是由托馬斯·愛迪生髮明的，他“發現可以透過將一層錫箔包裹在旋轉的金屬圓柱體上來再現聲音”。據 Shawe-Taylor 稱，在留聲機之後，留了一個空位，因為愛迪生“對他的發明在音樂上的可能性缺乏興趣，導致該領域有一段時間處於空置狀態”。然後出現了埃米爾·柏林納，他是一位來自德國的移民，他帶著留聲機的發明來到美國。它與愛迪生的留聲機類似，使用的是扁平圓盤而不是金屬圓柱體。因此，大約在這個時期（1890 年代），扁平圓盤的複製變得更加普遍，音樂錄製“變得越來越商業化”。各種型別的歌手會習慣性地錄製他們的音樂，以便人們更容易購買。即使是歌劇歌手和音樂會歌手等藝術家也使用這些工具並錄製了他們的作品。這些最終“構成了目錄的音樂基礎，直到 1925 年電氣錄音系統問世”。然後出現了電氣錄音，它使人們能夠播放更長的錄音（20-30 分鐘）。據 Shawe-Taylor 稱，它首次出現在 1925 年。歌劇演唱是古典音樂錄音中的領先型別，因為電氣錄音“允許完整錄製音樂會曲目”。因此，在這個時期，競爭變得更加普遍。在 1900 年代後期，版權法開始實施，以幫助藝術家“透過儘可能多地創作音樂來賺錢”。電氣錄音的興起與收音機的快速普及相伴而生。留聲機和樂譜的使用開始下降。與此同時，收音機和電子錄音的使用量上升。音樂產業利用了這一點，並“開始從新技術中獲利”。如前所述，爵士樂和布魯斯是當時發展起來的當代音樂型別。在這個電子音樂蓬勃發展的時代，收音機幫助普及了爵士樂和布魯斯音樂。收音機也幫助普及了許多其他音樂型別和風格。它使聽眾能夠“體驗事件發生的現場”。收音機的價格實惠，人們也紛紛購買。1920 年代到 1950 年代被稱為廣播的黃金時代，收聽廣播的人數呈指數級增長。因此，廣播使得許多音樂“在全國範圍內流行起來”。

1.2.1 較新的方法

1940 年代取得了巨大的技術進步。緊隨收音機之後的是錄音機，包括“一個用於將聲音錄製到磁帶上的磁軌”。然後出現了卷軸式錄音機，直到哥倫比亞唱片公司“完善了 12 英寸 33 轉每分鐘長播放 (LP) 磁碟”。這種磁碟一直是標準的錄音形式，直到緊湊盤 (CD) 的問世，它將主導音樂產業。如我們現在所知，技術的進步極大地促進了音樂的發展。儘管大多數公眾不再使用唱片，但廣播公司決定保留並“快速提供 [唱片]”。許多個人和私人機構決定伸出援助之手，幫助儲存不常見的資料，例如較舊的廣播和商業錄音。大約在 1940 年代，錄音主要是針對成年人的，但很快戰爭就開始了，它極大地改變了許多人的生活。

1.3 歷史上的重大事件

大蕭條是一件影響音樂和經濟的重大事件。這場大規模的經濟衰退標誌著許多藝術家音樂風格的轉變。從大約 1929 年到 1941 年，美國經歷了大規模的經濟危機。大約 98% 的經濟崩潰，失業率一直保持在 25%。許多人感到絕望和恐懼，尤其是“那些已經處於經濟階層底層的人”。這進一步解釋了為什麼許多藝術家，無論是在電影、視覺藝術、體育、時尚還是音樂方面，都用他們的作品來反映他們當前的處境。就像人們無力支付基本需求一樣，錄製音樂的銷量也大幅下降。最終，它讓許多“全明星完整錄音”望而卻步。然而，即使唱片銷量下降了 40%，但其他一些領域的表現卻優於大多數領域。廣播公司和好萊塢等領域“經歷了顯著增長”。由於許多人停止購買唱片和音樂會門票，因此許多藝術家從他們的作品中獲得了更少的收入。因此，羅斯福政府建立了一個名為 FMP（聯邦音樂專案）的專案，他們將僱傭教師、管絃樂隊演奏者、室內樂演奏者、爵士樂手、歌手、作曲家等等。該專案為“演奏西方傳統“藝術”音樂的音樂家”創造了更多機會。大蕭條迫使許多藝術家重新思考他們的作用以及他們對目標受眾的影響，例如“音樂藝術家對更廣闊的社會有哪些責任？"

1.3.1 戰後繁榮

第二次世界大戰結束後，經濟發生了變化。人們的生活發生了新的變化，越來越多的人能夠消費。這使得音樂產業蓬勃發展。在 1930 年代到 1940 年代，戰後繁榮使得青少年獲得了更多的錢，因此他們“花更多的錢買唱片”。最終，唱片銷售和推廣幫助“穩定了唱片產業”。隨著電視等技術的不斷發展以及由於戰爭帶來的廉價大規模生產，音樂得以迅速傳播。隨著收音機和電視的出現，廣播產業的存在受到威脅，這就是 Billboard 誕生的原因。Billboard 播放歌曲以提升人氣，最終“開始影響唱片銷量”。收音機一遍又一遍地播放流行音樂，這最終會增加銷量。第二次世界大戰結束後，經濟發生了變化。人們的生活發生了新的變化，越來越多的人能夠消費。這使得音樂產業蓬勃發展。在 1930 年代到 1940 年代，戰後繁榮使得青少年獲得了更多的錢，因此他們“花更多的錢買唱片”。最終，唱片銷售和推廣幫助“穩定了唱片產業”。隨著電視等技術的不斷發展以及由於戰爭帶來的廉價大規模生產，音樂得以迅速傳播。隨著收音機和電視的出現，廣播產業的存在受到威脅，這就是 Billboard 誕生的原因。Billboard 播放歌曲以提升人氣，最終“開始影響唱片銷量”。收音機一遍又一遍地播放流行音樂，這最終會增加銷量。

1.4 韓國音樂

我們最近看到了許多藝術家徹底改變一個國家經濟的例子。以 K-pop 為例，許多人可能最近才瞭解它。BTS、Blackpink 和 EXO-CBX 等藝術家不僅在他們自己的國家，而且在海外也產生了巨大的影響。他們的人氣達到頂峰，成功打入了美國市場，最終走向全世界。即使他們的音樂最初是韓語，他們也能提供英語字幕，並克服語言障礙，吸引英語觀眾。2020 年，BTS 是第一個在美國 Billboard 排行榜上排名第一的韓國組合。他們在“2018 年為韓國 GDP 貢獻了約 50 億美元”。至於 Blackblink，他們是“第一個在 Coachella 音樂節上演出的 K-pop 組合”。這證明了即使 K-pop 是韓國製作和流行的一種音樂型別，它也能影響並傳播到所有地區。K-pop 始於 1990 年代，引入了 K-pop 的偶像方面。這使得 K-pop 在“青少年和年輕人中”擁有龐大的粉絲文化。K-pop 逐漸變得越來越流行，尤其是在世界盃上舉辦之後。它不僅限於 K-pop，韓國文化總體上也越來越流行。這包括食物、美容產品，甚至在 Netflix 上播放的電影（韓劇）。由於技術和數字音樂，K-pop 已在所有平臺（如 YouTube 和 Spotify）上提供。

1.5 通用方法

前面提到了 YouTube 和 Spotify 作為傳播音樂和創作音樂的方式，但實際上還有很多其他方式。我們都知道有廣播和電視，但還有 Facebook、Twitter 等平臺，以及更多其他平臺。現在人們可以購買、下載、流式傳輸和觀看各種型別的音樂。YouTube 是人們用來推廣音樂的主要方式之一。它允許國際內容在全球範圍內分享。例如，K-pop 首次打入美國市場是在歌手 PSY 的“江南 Style”音樂影片在 YouTube 上的點選量超過 30 億次，成為 YouTube 觀看次數最多的影片時。

1.6 藝術家和藝術資金。

現在我們已經解釋了音樂的普及和多元化，接下來可以看看藝術對藝術家本身的重要性。根據 Gerber 的說法，一些藝術家選擇創作各種藝術來獲取利潤，而另一些人則出於熱愛而創作。一些藝術家願意付出努力去創作他們的藝術，“無論他們的資格、僱主、收入或其他指標如何”。有些人可能會成功，但許多人只能透過創作藝術獲得維持生計的收入。並不是每個人都能因為他們的創作而聲名鵲起。

1.7 政府資助和補助金。

尤其是在最近的 COVID 時代，就像在大蕭條時期一樣，藝術家們很難盈利。這就是政府設立補助金和資金來支援他們在需要時期的原因。最近，加拿大表演藝術工作者復原基金投資了 1.815 億美元，用於支援 COVID-19 期間的藝術和現場活動工作者。藝術的間接資金來源包括房產稅、巡迴演出、音樂會、演出和節日。還有加拿大藝術委員會的補助金，為加拿大各地的藝術家提供資金。他們向申請的藝術家提供最高 3 萬美元的補助金。

1.8 音樂與經濟 簡而言之，音樂已被證明在數百萬年中具有如此巨大的影響力。人們可能出於各種原因使用音樂，例如分享故事和文化。我們這個時代的科技使這一切成為可能。它不僅打開了通往各種文化的大門，還為各個國家帶來了財富。如今，音樂已經融入我們社會生活的方方面面，藝術家們有更多機會接觸到他們的目標受眾，並從他們的作品中獲利。得益於科技，音樂的購買和銷售變得前所未有地容易。這種演變使許多人能夠分享和支援他們喜歡的藝術家。

參考文獻

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動物音樂學

在考慮構成我們今天所知西方社會音樂的眾多因素時，重要的是要認識到西方音樂是如何以及在哪裡演變的歷史起源。在不斷變化的當代世界中，越來越明顯的是，西方音樂史在欣賞為西方音樂做出貢獻的作曲家和表演者方面存在一定程度的排他性。這使得現代世代的人們對音樂的理解有所侷限，導致他們對社會和世界的認識較為膚淺。許多現代音樂家和研究人員的工作從試圖為一些種族、宗教和其他少數群體帶來早就應該獲得的認可開始，這些群體在他們對西方社會音樂的寶貴貢獻的欣賞方面被某種程度上忽視了。尚未得到充分認可的作曲家群體之一是那些模仿自然界的音樂家和歌曲的人。

    Zoomusicology can be defined as a combination of multiple terms; musicology, zoology, semiotics, and zoosemiotics.  In order to fully understand the concepts and language of communication that encircles the concept of zoomusicology, semiotics and zoosemiotics must first be understood.  While discussing how an object or sound gains meaning, we use the term semiotics to name this process.  It occurs most often between two organisms, human or animal, and gives them a way to communicate with one another.  If semiotics describe the way in which one organism displays a sign and another perceives that sign as a signal that carries meaning and  valuable information, then zoosemiotics deals with the way in which signs and signals are understood and gain meaning between animals.  Musicology deals with the branch of research and scholarly study that is directly related to music.  When combining this term with zoology (which is the study of information pertaining to animals) as well as semiotics and zoosemiotics, the four result in zoomusicology: the study of music related to the communication amongst animals.  If one can understand the relationship between these four terms, they will develop a richer perspective when contemplating zoomusicology and its importance in our world.
    Zoomusicology is not limited to the interactions amongst animals and semiotics between humans.  This term has evolved to earn its place in the history of western music, positioning itself underneath the umbrella term that covers other forms of experimental music.  The term could also be included in contemporary music categories, even though the music of nature has long been in the world we live in, it remains a somewhat mysterious and arcane form.

自然界的聲音經常被樂器、歌唱家，甚至一些當代和實驗作品的作曲家模仿。然而，仔細觀察西方音樂史，就會發現自然界從比當代音樂更早的時代就一直啟發著我們的音樂型別。

    Perhaps the first recorded interaction between nature and western society would have been with Mozart and his starling.  Wolfgang Amadeus Mozart is a very well known musical composer from the Classical period.  Many individuals who study musicology will come across Mozart and read about some of the journals he kept in their research.  Mozart kept journals to jot down ideas for compositions, diary entries, notational transcriptions, and even his most recent purchases!  As the story goes, Mozart kept one of these such journals in which he recorded a recent purchase made from a pet store in Viennese (where he was living at the time).  Such a purchase would not normally demand the attention of studying doctorates and musical historians; however, this purchase was for a European Starling that later became known as “Mozart’s Starling”.  This particular species of bird has actually become an invasive species throughout North America, but despite its common and somewhat detested appearance, Mozart was able to find some beauty in his little bird.  In another one of his journals, the composer jotted down two phrases of a nearly identical melody on the same page.  Beneath one of the variations, he wrote “das was schön” in German, which translates to “that was beautiful” in English.  Historians have interpreted his comment as a compliment being directed towards his musical starling, who must have been singing the melody to the composer.  The starling’s variation was only slightly different from the succeeding phrase which is perceived to have been Mozart’s own transcription- later appearing as a replication of the opening of the third movement from his “Piano Concerto No. 17 in G major”.  
    An anecdote such as this begs the question to contemporary musicologists: who composed the melody first? Did Mozart teach his starling to imitate the phrase, or is it possible that the starling sang the phrase to Mozart first and he felt inspired?  Without a living witness to tell the story as it was confirmed, one cannot determine who sang the melody first, but the relationship between human and animal semiotics appears to be on a very similar scale between Mozart and his Starling. 
    Much of the information which can be found throughout history displays how closely the sounds of nature factor into human perspectives on the musical world.  Even since the encounter of Mozart and his starling, the music of animals has influenced western society for many centuries and will continue to do so for centuries to come. 
    Programmatic music became increasingly popular during the romantic period when the idea of experiencing a moment in life and sharing it with the world was finally achievable using instruments and the compositions of other performers to spread musical ideas.  A programmatic composition has the potential to mimic some of the many sounds of nature; perhaps one of the most well-known examples of this is Rimsky Korsakov’s “Flight of the Bumblebee”.  In this piece, the composer imitates the wing beat of a bumblebee taking flight through the use of instruments and rhythmic patterns, a romantical experience to be sure!  

隨著時間的推移，當代音樂家甚至開始將一些自然界的聲音融入他們的作品中，作為“即興發揮”或即興創作部分。這種作曲和表演風格更適合於實驗性音樂，而不是程式化的音樂，但仍然體現了自然聲音對西方社會持續的影響。一些現代小提琴家能夠用他們的樂器模仿自然界的聲音，這些聲音有時會在當代的音樂會上被適當地使用！一些圍繞音樂進行的偉大而有趣的發現實際上是受到對動物的研究的啟發。即使在北美森林中漫步，也能聽到啄木鳥為了尋找食物而敲擊樹木的聲音。觀察這些簡單鳥類的個人可能沒有意識到啄木鳥敲擊樹木是為了彼此交流！就像兩個音樂家正在創作一首即興的呼應式作品一樣。

    Any choral or orchestral performer who has experienced performing as a member of a larger ensemble has felt the ground shake underneath them with all the noise and echoes that are dispersed around the room.  Even Ludwig Van Beethoven, who was believed to be almost completely deaf by the time he was forty-five could somehow hear well enough to conduct a group and to do so while keeping on beat with the time signature. The answer to how Beethoven may have done this lies within the sounds of animals around us once again.  In a study initiated by the Journal of the Acoustical Society of America, scientists came to the realization that two elephants could communicate with each other from many miles away, even without humans being able to hear audible vocalizations!  The elephants make sounds of such low frequencies that humans cannot hear the noise, but those sound waves travel down from the elephant’s resonating chambers and into the ground where they are conducted through the earth’s surface to the foot of an elephant standing miles away.  The second elephant was then shown to be able to interpret the message being passed on from the first by absorbing the vibrations through its feet and the rest of its body.  Similar studies have been conducted on whales; where the sound waves take on a similar approach but travel through the water much faster than on land.  Perhaps Beethoven was relying on more than a vast musical knowledge and his vision to conduct his final works.  Perhaps he was sensing the vibrations resonating through his body, just as animals do in their daily lives. 

不僅可以在自然界的聲音與我們所知的西方社會音樂之間找到許多潛在的聯絡。動物音樂學還將動物的物理互動考慮在內。蚊子是世界上大部分地區常見的害蟲，實際上，它們與自然界的二重唱伴侶之間存在自然發生的“和諧”。在 TED 演講者 Greg Gage 和他的團隊進行的一項實驗中，他們用強力膠將不同的蚊子固定在麥克風上方，以記錄它們翅膀拍打的頻率。該團隊小心地粘住蚊子的身體，但讓翅膀保持自由，以便它們能夠像往常一樣自由地振動和共振。隨著研究的進行，研究小組發現雄性蚊子的翅膀拍打速度會產生約 600Hz 的聲音，而雌性蚊子的翅膀拍打速度約為 400Hz。然而，當一隻雄性蚊子和一隻雌性蚊子被限制在一起時，這對蚊子會進行求偶行為，導致兩隻蚊子之間的音調頻率相匹配。換句話說，這些昆蟲要麼加快要麼減慢它們的翅膀拍打速度，以完美地與它們的二重唱伴侶同步！這導致了音樂學和動物學方面的最新發現，但究竟哪一個先出現？也許蚊子才是真正的二重唱的發明者，而人類在模仿自然界的聲音時，甚至沒有意識到音樂和自然界是如何如此緊密地聯絡在一起的。

    There are so many recorded encounters with animals and nature being found within the influences of western music, surely they cannot be a simple coincidence.  Our world was created by a creator who had a form of harmony in mind, and a music that would encompass all of the creatures on the planet.  In order to give them some way to communicate with each other, He gifted them with the gift of music.  One of the most controversial topics debated by contemporary musicologists revolves around the idea of whether or not music can be considered a universal language.  However, in order for a language to be considered universal that means it must be understood by people of all race, language, identity, and background, which is not always the case.  Even though music might be completely universal and comprehensible by each and every person, it cannot be denied that there is a very close correlation between the music of western society which has spread throughout most of the world, and the music of nature that sings all around us whether we are aware of it or not. Perhaps music is not a universal language, but the language is the music.  Animals and humans have been able to coexist on the same planet for centuries, it’s no wonder that they would have developed some method that allows them to understand and communicate with each other; as humans, we come to relate with animals by studying zoomusicology and how it relates to our lives as members of western society. 
    Even though contemporary music is generally refined to more specific categories, western society must be careful not to exclude each and every contributor from the history of the genre. This includes composers of unique origins and backgrounds, and even the animals that roam the planet alongside us, inspiring some of the greatest of composers! One must be careful not to misuse the gift that has been given to us to be able to communicate with one another and to understand animals using the experiences, wisdom, and sounds of nature. 

當代基督教音樂

在 20 世紀 60 年代，當代基督教音樂開始成為基督教樂隊創作的重要組成部分。許多作曲家開始創作當代音樂，因為這是音樂的潮流，因此隨著更多人加入，它變得越來越流行。在 20 世紀 60 年代，由於作曲家的推動，基督教音樂開始流行起來，這引發了“耶穌運動”，進而導致許多其他作曲家對這種音樂型別更加感興趣。就像音樂一樣，有了當代基督教音樂，然後許多作曲家加入並幫助它變得更加流行，還有他們發起的“耶穌運動”來幫助那些有需要的人。當代基督教音樂最初是在 20 世紀 70 年代和 80 年代開始流行起來的，因為當時許多樂隊加入了這種音樂型別，當時被稱為 CCM。當代基督教音樂型別包括許多其他型別，如搖滾、民謠、敬拜和一些鄉村音樂，以展現音樂型別的融合，以及所有人都被接納。這是一個大型音樂型別，旨在將喜歡不同音樂風格的人聚集在一起聆聽音樂，同時學習有關上帝的知識，希望他們能夠在信仰方面更加堅定。許多人將其簡稱為 CCM，因為這是一個縮寫，他們認為這是“滋養人心的音樂”，它會滋養人們成為更好的基督徒，並滋養人們的心靈，使他們成為信徒。許多著名的作曲家都是這種音樂型別的代表，例如邁克爾·W·史密斯、艾米·格蘭特和 DC Talk。

   DC Talk were christian composers that made tons of music for this genre, and they made songs that were more rock focused, with rap in them, because they believed that people, especially the younger would love rock songs, instead of gospel. Their music had great meaning in them, and were able to teach people more about their religion, hoping that others would join too. One of their biggest songs that people liked was called Jesus Freak, which had a very big meaning behind it that a lot of people enjoyed. This song was created to show how persecution was, and that it could occur again in the future, however, they called themselves “Jesus Freaks”, and claimed that they should not be embarrassed about it, and instead, be proud of what they are. The band consisted of three members that went on tours, and made their own rock music. They believed that being in that genre opened a door for them for what they could create to help those in need. They really liked the CCM, and even would talk about it, and the bible in their concerts. Just like Michael W. Smith, they were one of the biggest composers that were a part of the CCM. Michael W. Smith is a christian composer that has created a lot of music, which most were worship songs. He believed that not everyone liked rock music, and that he wanted to show that people like gospel music, showing the blend of the genres. One of his biggest worship songs was the song Waymaker that was made to believe in God, in hope that others would do the same. Even though himself, and Dc Talk created a lot of music for this genre, the Jesus Movement did a lot for this genre too, and got many to become christians.

耶穌運動發生在 1960 年代到 1970 年代初期，其目的是創作年輕一代喜歡的音樂。他們認為許多年輕人對信仰感到迷茫，因此他們專注於為年輕人創作音樂，希望能幫助他們堅固信仰。後來，許多樂隊要麼解散，要麼離開了運動，因此耶穌運動很快便停止運作，甚至沒有持續十年。耶穌運動是一個偉大的運動，它幫助了許多人，甚至為世人留下了充滿意義的優秀音樂。在運動活躍期間，他們相信耶穌即將降臨，所有人都應該做好準備迎接他的到來。許多參與運動的樂隊，例如 DC Talk，會在演唱會上朗讀聖經經文，並講述關於他們宗教的故事。他們也自稱“耶穌迷”，並且不理會他人的看法。他們的歌曲充滿了希望和鼓勵，並透過歌曲歌頌上帝，傳遞著資訊。大多數音樂都是為年輕人創作的，但後來他們開始為所有人創作音樂，甚至表明所有型別都能融入其中。當代基督教音樂是許多人宗教信仰的重要組成部分，許多作曲家，例如 Michael W. Smith 和 DC Talk，創作音樂來幫助世界。在 1960 年代，由於作曲家的出現，基督教音樂開始流行起來，隨後出現了耶穌運動，促使更多作曲家對這種型別產生了興趣。耶穌運動是音樂的重要組成部分，它讓許多人成為基督教徒。像 Michael W. Smith 和 DC Talk 這樣的作曲家幫助世界各地的人們理解歌曲背後的真相和意義，並透過音樂傳授了許多道理。當代音樂型別整體上為許多不同藝術家打開了大門，讓許多型別融合在一起，為有需要的人帶來希望。這種型別的音樂不僅在過去幫助了很多人，而且在現在也幫助了很多人，因為音樂的力量以及每首歌的意義。

參考文獻：Howard，Jay R. 和 John M Streck。“當代基督教音樂的支離破碎的藝術世界。”流行音樂，第 15 卷，第 1 期，1996 年 1 月，第 37-53 頁“耶穌登上排行榜：當代基督教音樂的商業。”基督教世紀，www.christiancentury.org/article/2002-12/jesus-climbs-charts。認識 TobyMac，基督教音樂界最大的明星之一 - 華盛頓郵報，www.washingtonpost.com/entertainment/music/meet-tobymac-one-of-christian-musics-biggest-stars/2013/10/31/ab620922-40ab-11e3-9c8b-e8deeb3c755b_story.html。

新靈魂樂

新靈魂樂是一種音樂型別，起源於 1990 年代後期和 2000 年代初期，融合了靈魂樂、節奏布魯斯、放克、爵士、嘻哈，有時甚至電子音樂的元素。它以其流暢的靈魂樂人聲、悠閒的節奏和具有反思性的歌詞為特徵。一些著名的新靈魂樂藝術家包括埃裡卡·巴杜、D'Angelo、吉爾·斯科特、麥克斯韋爾、安吉·斯通和勞琳·希爾。新靈魂樂的流行是作為對當時流行的更精緻、更商業化的當代節奏布魯斯聲音的反應而出現的，透過融合爵士、放克和福音音樂的靈魂樂旋律，以及詩意的歌詞和創新的製作技巧，新靈魂樂成為了藝術家發聲的載體，同時也挑戰了主流敘事，從而形成了一個充滿活力的音樂景觀，它不斷發展並激勵著人們。

型別的融合

新靈魂樂是不同型別的融合；由於爵士的影響，在型別的融合中，對和聲和和絃進行的強調非常大。擴充套件和絃、模態替換和音階化也被用來創造複雜的和聲織體，為這些音樂方面的組成增添了深度和複雜性。節奏和節奏在新靈魂樂中起著核心作用。這種型別的許多藝術家和製作人都非常注重其配樂的感覺和節奏。悠閒的中速節奏和節奏創造了一種具有感染力的感覺，鼓勵聽眾隨著音樂律動。與嚴重依賴電子製作的當代節奏布魯斯和嘻哈型別不同，新靈魂樂經常包含現場樂器。這包括吉他、貝斯、鼓、鍵盤、管樂器和絃樂器。這突出了有機樂器的使用，併為該型別的溫暖、有質感的音調和特徵做出了貢獻。從新靈魂樂的折衷融合到其所體現的深刻情感深度，這種型別以其豐富的音色和發自內心的歌詞吸引著聽眾。

情感深度和真實性

新靈魂樂的情感深度產生了深刻的共鳴，將複雜的情感層次和真實性融入其旋律、歌詞和人聲表演中，以其原始的、令人心酸的真誠吸引著聽眾。歌詞方面，新靈魂樂歌曲經常探討愛情、關係、自我發現、社會公平和精神性主題。藝術家將他們的音樂作為個人表達、講故事和社會評論的平臺，將誠實、脆弱和反省融入他們的歌詞中。透過對文字和故事的迷人運用，藝術家們將他們的音樂作為個人表達和社會評論的平臺。歌詞誠實，體現了脆弱和反省。在呈現這些歌詞時，經常會分享豐富的感情和聲樂風格。借鑑了像阿瑞莎·弗蘭克林、阿爾·格林和馬文·蓋伊這樣的傳統經典靈魂樂歌手。新靈魂樂中的人聲表演非常注重表達、親密感和真實性；歌手充滿熱情和信念地演唱發自內心的歌詞。從其深刻的情感深度到其突破界限的非凡能力，新靈魂樂不僅以其原始的情感吸引著人們，而且以其融合型別和探索全新聲音領域的創新方法吸引著人們。在呈現這些歌詞時，經常會分享豐富的感情和聲樂風格。借鑑了像阿瑞莎·弗蘭克林、阿爾·格林和馬文·蓋伊這樣的傳統經典靈魂樂歌手。新靈魂樂中的人聲表演非常注重表達、親密感和真實性。從其深刻的情感深度到其突破界限的非凡能力，新靈魂樂不僅以其原始的情感吸引著人們，而且以其融合型別和探索全新聲音領域的創新方法吸引著人們。

突破界限

新靈魂樂突破了型別慣例的界限，大膽地探索聲音和風格，挑戰音樂規範，促進創造性的發展。新靈魂樂中創新的製作技巧突破了聲音的界限，將傳統元素與當代實驗相結合，創造出獨特的、身臨其境的聽覺體驗。新靈魂樂製作人採用創新的製作技巧，創造出豐富、氛圍感的聲音景觀，以補充該型別的靈魂樂人聲和現場樂器。這包括取樣、電子效果、工作室操作以及創造性的混音和母帶製作方法，以實現獨特的審美風格。在新靈魂樂中，歌詞和人聲表達無縫地交織在一起，創造出一種感人至深的體驗，透過其原始的情感、辛酸的故事講述和真實的演繹與聽眾產生共鳴。透過在歌詞中探討複雜且通常是禁忌的主題，新靈魂樂音樂家突破了傳統歌曲創作的界限，也挑戰聽眾去接觸更深層次的意義和情感。人聲藝術家對人聲技巧、旋律短語和即興創作的實驗突破了傳統人聲表演的界限，探索了新的表達和創造力途徑。新靈魂樂音樂中多元的代表性反映了其包容性的精神，展示了廣泛的聲音、經歷和觀點，豐富了該型別充滿活力的編織結構。由於涉及瞭如此多的不同型別，因此多元的代表性突出了主流音樂中許多不同的聲音和被邊緣化的個人。這包括女性、有色人種、LGBTQIA+ 社群以及許多其他邊緣化社群。新靈魂樂音樂對文化和社會產生了深遠的影響，它成為了邊緣化社群的聲音，並透過其具有反思性的歌詞和突破界限的聲音激發了變革運動。新靈魂樂音樂影響著時尚藝術，並塑造著流行文化。透過解決緊迫的社會問題並倡導變革，新靈魂樂音樂新靈魂樂藝術家突破了音樂作為一種社會行動主義和文化表達形式的可能性邊界。

結論

新靈魂樂音樂證明了藝術表達的變革力量。透過將爵士、放克和福音音樂的豐富聲音與突破界限的製作的具有影響力的歌詞交織在一起，它不僅為未被聽到的聲音提供了一個平臺，而且還敢於質疑現狀；在這樣做的過程中，它重塑了音樂景觀，鼓勵真實性和多樣性，同時激勵聽眾擁抱變革和創造力。新靈魂樂音樂不僅僅是一種型別；它是一個運動，是一段不斷變化的自我發現和社會反思之旅。

參考文獻

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